martes, 31 de enero de 2012

Camille y Rodin


Por Raquel de la Cruz

La figura de Rodin se erige como una de las más relevantes en la historia del arte. Ya sea por su nueva concepción de la escultura, basada en una renovación formulada desde su más pura esencia, despojándola de la carga impuesta por el conservadurismo de la tradición académica.
“(...) La belleza no es un punto de partida, sino un resultado, pues la belleza reside únicamente allí donde hay verdad...” Ésta es una de las máximas más importantes del siglo XX y algo que pondrá de manifiesto Rodin en sus obras, pues éstas no son sólo bellas sino,  y esto es lo más importante, reales, verdaderas.


En esta búsqueda de la verdad, Rodin da pasos decisivos para acercar la escultura al mundo de lo real. Así, mantiene que la escultura no se debe plantear desde un punto de vista privilegiado, que subordine a los demás, sino que, contrariamente a la tradición, piensa que debe poder verse y entenderse desde todos los puntos de vista posibles, de manera que el escultor al irla creando y el espectador al contemplarla, deben girar alrededor de ella, creando una realidad compleja hecha de sucesivos y continuos puntos de vista, y no como una “realidad” de una sola imagen. Es por esto que Rodin desarrolla la llamada “técnica de los perfiles”, consistente en tomar apuntes de todos los ángulos posibles, moviéndose alrededor del modelo y haciéndolo girar, construyendo así una sucesión de vistas conectadas que facilitan la sensación de flujo, de movimiento continuo, propio de sus obras.
Rodin trabaja simultáneamente todos los puntos de vista, girando constantemente y haciendo dibujos sucesivos de todos los planos. Éste sistema sigue vigente aún hoy, más de cien años después.
Asimismo, perceptualmente, es muy relevante que cuestionara los viejos pedestales y los reinterpretara, consiguiendo que éstos formaran parte de la “figura”, que dialogaran con ella y dejaran de ser elementos fríos y excluidos como lo habían sido toda la tradición.
En cuanto al tratamiento del tema, Rodin rehuyó los revestimientos de pretexto mitológico y narrativo, dando lugar a que se diera un paso decisivo en la historia del arte, ya que para ser admitido, hasta el momento, el desnudo ( sobre todo el femenino), debía estar justificado y, además, “corregido”; véase los habituales velos, las manos hábilmente dispuestas ocultando la naturaleza de la mujer...
En la actualidad Rodin supone un claro referente para profesionales y estudiantes por su técnica depurada, la fuerza en potencia de sus esculturas y mil razones más, pero no nos engañemos: no podemos perder de vista el gran trabajo de devastación, modelado, tallado y en ocasiones, acabado que le debe a su equipo de escultores de los que poco o nada se sabe y de los que poco o nada se quiere o se tiene el conocimiento para hablar.


¿ Es el artífice de “Balzac” el autor de tantas y tantas obras como se quiere mostrar al público, aun sabiendo lo cercanos que son estilos de él y su amada y odiada Camille?
Este tema suscitó mucha polémica, aunque parece que no la suficiente. Todavía no tengo noticias de la intención de crear un museo Camille Claudel; sin embargo, la figura de Rodin disfruta de uno propio en París.
Camille Claudel, escultora apenas conocida y admirada a pesar de su indudable talento y sensibilidad, entró a trabajar como operaria en el taller de Rodin a los dieciocho años. “Suerte” que fue rescatada de un “taller de señoritas” por petición expresa del escultor.
Allí pronto destacará por su inusitada habilidad técnica, hecho que, desde ese momento, hará que trabaje en los proyectos más ambiciosos del maestro, explotando todo su potencial y trabajando largas jornadas en el taller.
Poco a poco, la mera relación laboral entre maestro y alumna se convierte en una apasionada aventura que atará a Camille más de lo que debería a Rodin. Así, se convirtió no sólo en su operaria preferida y más efectiva, sino también en su musa y su modelo personal.
Camille se dedicaba casi con exclusividad a los proyectos de Rodin y apenas le dedicaba tiempo a desarrollar una obra propia que le diera mayor reconocimiento por parte de la crítica parisina, muy incisiva con ella y con las piezas que lograba sacar adelante.
No resulta complicado imaginar que la vida de una escultora del París de mediados del siglo XIX no sería fácil . Pues bien, la de Camille no iba a ser diferente. Aparte de tener que vivir a la sombra de Rodin, Camille tuvo que sufrir que él la abandonara por su otra amante Rose Beuret, a la que estaba unido por un hijo en común y por una relación afectiva; que su familia casi la repudiara por completo, con excepción de su padre del que tuvo apoyo desde el principio y de su hermano pequeño Paul.
No bastando con esto, la crítica parisina se ensañaba con ella y la menospreciaba alegando ver la mano de Rodin en todas y cada una de sus esculturas.


Totalmente absorbida por el trabajo del taller de Rodin y después del primer abandono, Camille decide instalarse por su cuenta. Esto no será tan satisfactorio como ella pensaba y gastó las pocas energías que tenía en lidiar con modelos que trabajaban intermitentemente, con operarios que la desautorizaban y encargos que no se producían. Camille se encuentra entonces en la más absoluta miseria.
Pasado un tiempo, se produce un reencuentro y un nuevo abandono por parte de Rodin. Ella, después de un aborto y una temporada de retiro, entra en un estado depresivo que la lleva a convertirse momentáneamente en una iconoclasta de su propia producción.
Esto llega a oídos de su hermano Paul y del resto de su familia que, poniéndose en contacto con Rodin, deciden que la mejor solución es internar a la escultora en un sanatorio psiquiátrico en aras de que mejore su estado mental. Tanto es así que cierto día de marzo de 1913 unos enfermeros del psiquiátrico de Ville-Evrard, entran en su apartamento y se la llevan. Ella, en una carta a un amigo suyo lo describe de la siguiente manera: [“...dos locos furiosos entraron en mi casa, me agarraron por los codos y me echaron por la ventana de mi apartamento dentro de un automóvil que me condujo a un manicomio.
Ignoro mi dirección si usted pudiera encontrarla, dígamela. Es Rodin que se venga y quiere meter mano en mi taller. Si puede usted darse una vuelta por mi apartamento para ver lo que pasa, dígamelo...”]
Al cabo de unos meses, Camille es trasladada al Sanatorio de Montdeverges, en el que pasará el resto de su vida y donde morirá, 30 años después, alejada de todo contacto con el exterior y condenada a la soledad más absoluta.
Se sabe que la familia Claudel mantuvo relación epistolar con Rodin y que prohibieron que Camille la tuviera con persona alguna del exterior. Por supuesto nunca fueron a visitarla y tampoco se le permitió a ella salir del psiquiátrico. A pesar de esto, Camille mandó numerosas cartas a su hermano Paul pidiéndole que la sacara de allí, pero nunca obtuvo respuesta.


Como dato curioso deseo desvelar la existencia de una carta de Camille en la que ella hace inventario de las cosas que había en el taller justo cuando fueron a por ella. Su producción desde los 14 años:
Doce álbumes con 500 dibujos cada uno.
Álbumes antiguos.
Resguardos del Monte de Piedad.
Utensilios, caballetes...
Tapices, alfombras, objetos antiguos.
500 modelos en escayola o arcilla.
Sobra decir que de todo esto nos ha llegado una mínima parte y aún hoy siguen saliendo a la luz esculturas que se le atribuían a Rodin y que, sin embargo, pertenecen a Camille.
Asimismo, me veo en la obligación moral de desvelar que durante los últimos meses que la escultora gozó de libertad en su taller, no se atrevía a salir a la calle por miedo a que entraran a robarle bocetos y dibujos como, al parecer, había ocurrido anteriormente más de una vez.
Camille pudo convertirse en una de las mejores escultoras de toda la historia del arte, de no haber sido por su condición de mujer en un mundo de hombres.
Aún hoy esta escultora a la que cortaron las alas a la edad de 49 años, no tiene el reconocimiento que un poco de buena voluntad por devolverle la autoría de sus obras podría otorgarle.

Padres que deberían ser ¿encarcelados?


Por María Gil González

Cuando de vez en cuando escuchamos en alguna tertulia o leemos algún artículo donde hablan sobre esos padres que ponen todas sus esperanzas en los hijos para que se conviertan en aquello que ellos no pudieron ser, solemos pensar que el padre que es abogado quiere que su hijo siga su legado, el que es arquitecto pues lo mismo, y a la vez rechazamos ese tipo de educación, porque los niños deben ser quienes decidan qué quieren ser. Solemos tener a alguien conocido que de tanto decirle al niño que lo mejor es ser arquitecto, el niño en arquitecto se convirtió.


A mediados de este mes, di con una noticia donde una madre tenía puestas todas sus ilusiones en su hija de siete años. Esto no sería llamativo si no fuera por lo siguiente:
La madre, una chalada británica de 51 años, es popularmente conocida como “la barbie humana”, pero no por su pelo rubio oxigenado, sino por la cantidad de operaciones de estética a las que se ha sometido para llegar a parecerse a la muñeca. Para el cumpleaños de Poppy, su hija de siete años, le regaló un vale para una operación de aumento de pecho, pero como el regalo parecía incompleto, estas navidades lo aumentó con otro vale para una liposucción. ¿De dónde ha salido estas mujer? Con lo mencionado anteriormente ya nos hacemos a una idea del número reducido de neuronas de esta fantástica madre, pero aun así, pongamos una cita textual de la señora:
“Pregunta por las cirugías todo el tiempo. Quiere verse bien y la lipo es una de esas operaciones que puede ser muy útil.”
¡A esta mujer le falta un hervor!
Creo que todos tenemos claro que cada padre debe educar a su hijo como crea conveniente, siempre y cuando la poca falta de luces de éste no interfiera de manera negativa en el niño, convirtiéndolo así en el espejo de un ejemplo a no seguir.

Otro cartel... sorprendente

Es el cartel ganador del concurso realizado con ocasión de los carnavales de este año. Gestionó el proceso la empresa Macsa (Madrid Arte y Cultura, S.A.), "sociedad anónima de capital municipal", que tiene a su cargo la gestión de diversas actividades culturales del Ayuntamiento de Madrid a quien éste tiene encomendadas múltiples actividades culturales, entre las que destacan la gestión de los teatros Español y Fernán Gómez, el circo Price y el Palacio Cibeles.


El parecido con un cartel presentado por el mismo estudio (Nos Visual) en Gerona el año pasado y que allí no fue elegido, no es suficiente para deducir que el presentado en Madrid no es original e inédito como establecían las bases. Así, pues, todo ha sido legal.
Obviamente, la estrategia reiterativa de Nos Visual no se hubiera advertido de no ser por el incidente del cartel olímpico, pero el caso viene bien para ilustrar cómo se está gestionando la cuestión cultural en la actualidad —y no sólo bajo control del PP—. Según un documento que se puede leer en la propia página web de Madrid Arte y Cultura, S.A, la "sociedad anónima de capital municpal" tiene por objeto:

"1. - La gestión de programas y actividades culturales y artísticas, la organización, apoyo y difusión de las mismas, la promoción de iniciativas públicas y privadas en dicho ámbito, incluyendo la colaboración con entidades públicas y privadas de carácter nacional e internacional, el asesoramiento, la realización de estudios, la formación de artistas y técnicos relacionados con dichas actividades y la prestación de todos los servicios e infraestructuras integrantes o complementarios de estos programas y actividades.
2.- La gestión del Palacio de Cibeles, del Teatro Español, del Teatro Fernán-Gómez, del Teatro Circo Price y de cualquier otro centro cultural, espacio, recinto y/o dependencia cuya gestión le fuera encomendada o autorizada, temporal o indefinidamente, por el Ayuntamiento de Madrid, incluida la contratación y ejecución de las obras, instalaciones, servicios y suministros para los mismos y la contratación relacionada con:
a) La organización y ejecución de toda clase de espectáculos, expresiones, actividades y manifestaciones artísticas y culturales, tales como obras teatrales, exposiciones, productos audiovisuales, actuaciones de danza, circenses o musicales, representaciones y recitales, ya sean de producción propia, compartida o ajena, así como su comunicación pública, difusión y distribución.
b) La organización y ejecución de producciones audiovisuales, cinematográficas y fonográficas, así como su comunicación, difusión y distribución en cualquier soporte.
c) La investigación y creación de fondos documentales y bibliográficos así como la recopilación, documentación y grabación de las actividades realizadas y su archivo, comunicación, difusión, edición, distribución y comercialización, por sí o por tercero, en cualquier soporte.
d) La elaboración, compra-venta y comercialización, incluida la distribución publicitaria, de todo tipo de productos y servicios relacionados con los centros gestionados o las
actividades desarrolladas en ellos.
e) La organización y prestación de toda clase de servicios relacionados con la formación y la educación en materias relacionadas con el arte y la cultura, como cursos, seminarios, clases magistrales, intercambios, estancias o el establecimiento de Compañías Residentes.
f) La organización y gestión de servicios relativos a la información y difusión de las actividades culturales y artísticas de los propios Centros o ajenas a los mismos, incluida la organización y explotación de visitas guiadas.
g) La explotación de las tiendas, cafeterías, bares, restaurantes, aparcamientos, establecimientos comerciales, locales, dependencias y servicios integrantes o adscritos a los mismos.
h) La explotación de los centros, espacios, recintos o dependencias que gestione, mediante el arrendamiento o cesión de sus salas, dependencias, servicios e instalaciones a los terceros que lo soliciten, o al propio Ayuntamiento de Madrid."

¿Formación de artistas? ¿Ejecución de producciones audiovisuales y cinematográficas? Supongo que los ejecutivos de esta empresa trabajarán gratis en ella para reintegrar a Madrid lo mucho que Madrid les ha dado.
El espacio del arte y la cultura se amplia considerablemente y, al mismo tiempo, la diversión está garantizada, porque, desde esa estructura, es fácil imaginar los criterios empleados para repartir premios o "arreglar carteles". 

Luis Pastor


EN PELIGRO DE EXTINCIÓN


Por Elvira Inés Lorenzo Lorenzo

El viernes 13 de enero tuve la oportunidad de asistir a la exposición, PECADOS CAPITALES realizada por los alumnos de la facultad de bellas artes y propuesta por el profesor Fernando Barredo en el círculo de artes de Toledo, antigua iglesia de San Vicente que hoy es un centro cultural.
La exposición  ocupaba la sala principal del círculo de artes con seis retablos de acero, de tres metros de anchura por otros tres de altura, conteniendo cada uno de ellos 144 huecos cuadrados de 25 x 25 x 6,5 cm. En los cuales estaban expuestos dibujos, pinturas, collages, fotografías, relieves, etc. Cada uno de los seis retablos trataba un pecado capital: lujuria, avaricia, gula, pereza, ira, envidia y el séptimo, la soberbia que fue representado por medio de un happenig creado einterpretado por los alumnos de escenografía de la facultad.
“Escenografía”, asignatura que esta en grave peligro de extinción junto con muchas otras, gracias a la imposición de los “maravillosos grados”, cosa que no acabo de entender.  Quitar opciones a los estudiantes  no es la mejor manera de mejorar la calidad  educativa.
No contentos con esto, este año para rematar a la ya mal herida facultad, han quitado la subvención que les venían dando para poder hacer actividades fuera de la universidad, que sobretodo,  en esta asignaturaes esencial ya que consiste en montar y diseñar escenarios, repito“escenarios” ¿Cuántos escenarios habéis visto en la facultad de bellas artes?
Los alumnos de bellas artes desde la asignatura de escenografía  llevan cuatro años participando, en el círculo de arte de Toledo, con happenigs como este.
Emboscada,Lección de anatomía y MolinRouge, son los happening de años anteriores, en los que hay una notable diferencia respecto al de este año,  que finalmente quedó en muy poquita cosa  comparándolo con los mencionados, en los que se ve mas complejidad, más calidad, más material,más tiempo etc.
Aunque he de decir que contando con las condiciones y recursos que tenían los alumnos de escenografía este año, lo que hicieron fue una verdadera obra de arte porque además de preparar todo con dinero de su propio bolsillo, estuvieron trabajando la mayoría del cuatrimestre sin profesor , de manera casi autodidacta, ya que el profesor estaba de baja.Total para una asignatura cuatrimestral ¡y encima escenografía! Para que molestarse en buscar a un sustituto que además habría que pagar, que se las apañen los  alumnos.
http://www.circuloartetoledo.org/arte-ritual/happenings








lunes, 30 de enero de 2012

Citas...


Charles Baudelaire: "¿Qué es el arte? Prostitución"

George Bernard Shaw: "Los espejos se emplean para verse la cara; el arte para verse el alma"

Madrid 2020. Ciudad aspirante


Es claro, limpio, diáfano, pero... ¡¿con faltas de ortografía?!
—Son cosas del tipo de letra elegido —responden.
Empezamos bien, con tipografía que permite imaginar tildes caprichosas, y una concepción de cartel, que podría pasar a los manuales perceptivos como ejemplo de ambigüedad. El problema perceptivo parece obvio: ¿qué debemos "leer" sobre fondo de guante cromático inspirado en la Puerta de Alcalá, m20 o 20020? ¿Puerta de Alcalá o diadema-plumero de indio norteamericano?


Sea como fuere, nuestras autoridades se empeñan en jugar a la lotería de la designación olímpica sin calibrar con realismo las posibilidades propias y, seguramente, por ello, aparecen situaciones tan chuscas como las ofrecidas por un cartel adecuado también para dentro de 18.000 años... ¿Seguirán celebrándose Juegos Olímpicos? ¿Seguirá el alcalde de Madrid intentándolo?
Pajaritos contra corderos a que en pocos días aparecen carteles "mejorados"...
Las autoridades municipales han dicho públicamente que no se realizará ninguna obra antes de haber conseguido la designación...
Y aunque no lo han dicho públicamente, mis informantes del PP me han comentado sigilosamente que la alcaldesa ha comunicado a sus colaboradores más próximos que, como han recibido tanto de Madrid, deberán costear de sus propios bolsillos los viajes que realicen por el ancho mundo para hacer campaña...
¿Me han tomado el pelo? Si pretende gestionar las instituciones culturales con voluntarios, parece natural que, en tiempo de crisis, los altos cargos municipales hagan turismo pagando de su propio bolsillo y no mediante justificaciones difíciles de asumir desde el sentido común.

domingo, 29 de enero de 2012

ACTA


Por Clara Fernández Núñez


“ACTA (del inglés Anti-Counterfeiting Trade Agreement, traducido como Acuerdo comercial anti-falsificación) es un acuerdo multilateral voluntario que propone fijar protección y respaldo a la propiedad intelectual”
ACTA no es algo novedoso, sus negociaciones se llevan a cabo desde el 2008 y no pertenecen a ninguna organización internacional. ¿Cómo? Si a casi todo el mundo le suena esto de hace unos meses, ¿Cómo es esto posible? La verdad es que las negociaciones de ACTA se han estado llevando en secreto.
Secreto, que mal rollo, ¿por qué nos ocultan esto? ¿Qué tiene ese acuerdo de malo para que no pueda ser público?
Ya lo que es la palabra falsificación, propiedad intelectual… a mucha gente le pone los pelos de punta ya que estemos de acuerdo o no con ello, lo primero que se piensa cuando se oye eso es: ya se están cargando las descargas gratuitas.
En España la “piratería” solo es lo que hacen los vendedores ambulantes que salen corriendo cuando llega la policía, no está contemplado como crimen o que sea algo malo el compartir algo que has comprado. El pequeño problema de esto es que antes se compartía de mano en mano, y claro, la cosa era más lenta. Ahora con internet se “comparte” de una manera rapidísima e inimaginable para quien formuló la ley hace años.
Este acuerdo, a grandes rasgos, lo que intenta es poner fin a ese compañerismo que nos caracteriza cuando entramos en la red.
Al margen de discusiones como las que se pueden oír últimamente en todos los sitos: claro, quieren  que no nos podamos bajar cosas para que paguemos esos precios desorbitados, etc, hay personas que ven lógico que haya que pagar por el trabajo, y que las cosas no sean gratis (al margen de que luego piensen que los actuales precios son una pasada) y personas que simplemente quieren vivir del cuento y seguir como hasta ahora.
Ya solo con este tema la polémica está servida, pero es que hay más, porque si solo quieren defender la propiedad privada defendiendo así a muchos artistas y facilitándoles el poder cobrar por su trabajo (dejemos a un lado que también defienden a las grandes compañías que simplemente se van a forrar más), ¿por qué las negociaciones son tan secretas? Aunque una parte de la población se les tire a la yugular, ¿no sería mejor intentar explicar abiertamente los beneficios para estas personas y que es necesaria una actualización de los conceptos de piratería?
Bueno, nos adentramos ya en el meollo de la situación, y es que en marzo de 2010, la UE publicó el borrador de ACTA tras la octava ronda de negociaciones después de que el Parlamento europeo mostró su desacuerdo con el secretismo de estas.
Este borrador se vende como he explicado arriba, pero si nos atenemos al pacto en sí por lo visto no es tan claro y tan bonito como lo intentan vender. De hecho se denuncia en todos sitios que es extremadamente impreciso y da lugar a numerosas interpretaciones. Estas interpretaciones pueden resultar en algunos casos bastante peligrosas, ya que para conservar la propiedad intelectual pueden imponer multas (aunque no aclara la manera en la que se fijaran la cuantía de estas multas)  a quien incumpla el acuerdo, e incluso puede ser detenido.
Pensemos: si el acuerdo es muy difuso, y según las interpretaciones nos pueden hacer pagar una multa, esto ya definitivamente da muy mala espina. Aquí es donde entran en juego las especulaciones sobre esas interpretaciones, que van desde la restricción de los derechos de libre expresión, pasando por la preocupación de que se incremente de la inseguridad jurídica, ya que en teoría se autorizará a los titulares de derechos a obtener información sobre los infractores en la Red por parte de los operadores, hasta llegar a situaciones surrealistas donde en teoría pasar los datos de un CD original al ordenador podría ser considerado una infracción.
“Ante el temor de las sanciones penales, los proveedores de acceso y buscadores filtrarían los contenidos y, en caso de no hacerlo satisfactoriamente, podrían verse acusados de un delito. Japón y estados unidos apoyan la creación de un comité que controlaría la aplicación y reforma del tratado y que, como han subrayado varios analistas, podría suponer la creación de una institución legislativa sin ningún control democrático.”
Es de especial interés también,  tener en cuenta un pequeño dato: la palabra Internet no figura en ese borrador, en su lugar se usa “entornos digitales”. Puede que sea una tontería, pero parece que quieren decir que Internet como se conoce ahora mismo en la práctica de este tratado pasará a ser un “entorno digital” (Ojala supiésemos que connotaciones conlleva exactamente ese término).
Eso sí, el texto, después de todo eso,  añade que los procedimientos que se pacten deben respetar la privacidad y la libertad de expresión.
“El  25 de enero de 2012, John Clancy, portavoz del comisario de Comercio Karel de Gucht ya hizo las primeras declaraciones para calmar los ánimos de la comunidad de Internet. “ACTA”, aseguró, “no restringe la libertad de Internet ni propone la censura de webs. El tratado quiere garantizar que las organizaciones criminales sean perseguidas cuando roban la propiedad intelectual, dañando la innovación y destruyendo empleo.” Clancy insistió en que no interfiere en la manera en que usamos Internet en nuestra vida cotidiana. “Los ciudadanos podrán seguir usando las redes sociales como Facebook o Twitter como en el pasado”, aseguró”.
El comisario de comercio, Karel de Gucht, a su vez asegura: "El tratado quiere garantizar que las organizaciones criminales sean perseguidas cuando roban la propiedad intelectual, dañando la innovación y destruyendo empleo". También comenta que no se restringirán libertades ni se censurarán páginas web.
La verdad es que eso quizá se lo tendría que contar a Megaupload…
En fin, creo que ha quedado claro, por medio de infinitos ejemplos,  que el acuerdo parece ser de momento algo chapucerillo, y encima se pretende poner duro con nosotros…
¿En qué estado se encuentra ACTA?
La Unión Europea suscribió el 27 de enero de 2012 en Japón el ACTA. Han firmado este acuerdo los embajadores de los siguientes países: Austria, Bélgica, Bulgaria, República Checa, Dinamarca, Finlandia, Francia, Grecia, Hungría, Irlanda, Italia, Letonia, Lituania, Luxemburgo, Malta, Polonia, Portugal, Rumania, Eslovenia, ESPAÑA, Suecia y el Reino Unido.
Los países que todavía no han formado, pero que se espera que firmen el acuerdo más adelante son: Chipre, Estonia, Eslovaquia, Alemania y Holanda.
Después de la lubricación de estas firmas, a ACTA solo le queda pasar por el Parlamento Europeo, pero no todo va viento en popa: “el principal ponente del tratado en el Parlamento, el eurodiputado Kader Arif, ha presentado su dimisión como tal”. Considera que el proceso es una “mascarada”.
Arif explica que debe denunciar el proceso que ha conducido a la firma del acuerdo “sin participación de la sociedad civil, con falta de transparencia dese el inicio de las negociaciones, sucesivas firmas del texto sin explicaciones y descartando las reivindicaciones del Parlamento expresadas en muchas resoluciones”.
Como ponente del texto, asegura, ha sido testigo de “maniobras inéditas de la derecha de este Parlamento para imponer un calendario acelerado intentado validar el tratado antes de que la opinión pública fuera alertada de su contenido, privando de hecho al Parlamento de su derecho de expresión y de emplear las herramientas a su disposición para incorporar las reivindicaciones legítimas de los ciudadanos”.
La verdad es que hay bastante gente que está plantando cara al acuerdo, desde la wiki, pasando por google, hasta un agresivo grupo que se hace llamar Anonymous, pero tal y como se están poniendo las cosas, se están haciendo intentonas a todos los niveles por conseguir detener las descargas “ilegales”, y para mí que antes o después alguna de estas  saldrá adelante.

Fuentes:

http://en.wikipedia.org/wiki/Anti-Counterfeiting_Trade_Agreement
http://tecnologia.elpais.com/tecnologia/2012/01/27/actualidad/1327651155_195791.html
http://www.20minutos.es/noticia/1289408/0/claves/acta/pirateria/
http://www.elpais.com/articulo/tecnologia/filtracion/tratado/ACTA/confirma/temores/internautas/elpeputec/20100326elpeputec_3/Tes
http://mediadecoder.blogs.nytimes.com/2012/01/18/the-breakfast-meeting-wikipedia-turns-off-the-lights/?scp=2&sq=ACTA&st=cse
http://tecnologia.elpais.com/tecnologia/2012/01/26/actualidad/1327601242_933321.html
http://www.tercerainformacion.es/spip.php?article33391

"Arquitectura española (1975-2010) + 35 años construyendo democracia"


La exposición fue inaugurada el pasado 26 de enero en La Arquería (Nuevos Ministerios); ofrece más de 200 proyectos de 130 estudios de arquitectos, ha sido organizada por el Ministerio de Fomento y comisariada por Antonio Ruiz Barbarin y Héctor Barrio (arquitectos). La patrocinan Repsol y la fundación ACS, además de contar con la participación de Iguzzini y Otis.




Desconcierta el título. ¿Construyendo democracia? Acaso hubiera sido más apropiado: "dando forma a la burbuja inmobiliaria"... Aunque ya se sabe que en asuntos estéticos, prevalecen los eufemismos. Así, pues, debemos asumir que quienes propiciaron la burbuja inmobiliaria, en realidad, estaban "construyendo democracia"... ¿ Indignados, os habéis enterado?
Según la web oficial...

"El objetivo de esta muestra es lograr que el visitante pueda apreciar la transformación del  paisaje urbano español a través de un recorrido cronológico. Toda la arquitectura se materializa en ámbitos como la salud, la vivienda, la educación, el transporte, el deporte, la cultura o el medio ambiente a través de la construcción de edificios e infraestructuras".


Demasiada ambición para recursos tan aquilatados y para una sala bien diseñada como refugio antiaéreo; la idea hubiera sido más propia para las salas infinitas del Reina Sofía. El espacio dedicado a cada proyecto es demasiado angosto, demasiado limitado para ofrecer un discurso coherente y, sobre todo, para explicar por qué se han elegido determinados proyectos y no otros; qué cualidades les hacen o hacían relevantes, qué proyección tuvieron en los años sucesivos...
Seguramente, por la voluntad irónica de sus comisarios, lo que hay en La Arquería se parece bastante a una exposición itinerante o, mejor, en tránsito, almacenada en cajas y nichos, en el contenedor de un puerto... En alguna maqueta aún se apreciaban pegatinas antiguas: "Mostra Internazionale dei Architettura 2004"...
Dan ganas de preguntar a la persona que, a la entrada, con extrema amabilidad, informa a los visitantes, cuándo procederán al desembalaje y dónde se podrá ver la exposición.
Lo peor: la página web, manifiestamente mejorable. Exposiciones como ésta otorgan utilidad divulgativa excepcional a las posibilidades de Internet. Es posible que durante los días sucesivos se resuelva esta carencia, aunque seguramente sus gestores nunca harán la competencia al "catálogo", que puede adquirirse por la módica cantidad de 30 €. Pura cicatería.
¿Lo mejor?: contiene un repertorio sumamente heterogéneo de maquetas, que pueden dar ideas a los estudiantes de arquitectura, aunque no creo que algunas de ellas sirvieran para aprobar "Proyectos 1".




En definitiva, si debiéramos valorar la exposición atendiendo a la relación entre los objetivos perseguidos y resultados, la calificación sería muy baja. Y me temo que nos esperan muchas comparables, de objetivos grandilocuentes, bajo coste y escasa utilidad social.

viernes, 27 de enero de 2012

¿Amnistía para la clase política?


Hace 32 años el Ministerio de Cultura compraba a la Galería Marlborough, una pintura que había sido "símbolo" de enfrentamiento contra los rezagos del franquismo y hoy se conoce bajo dos titulaciones —según quien hable—: "El abrazo" o "Amnistía".  El uso de la obra como cartel político condujo a su autor a unas breves jornadas de reflexión incomunicada en la Dirección General de Seguridad...
En una situación comparable estaba el cuadro, asimismo condenado a la reflexión contemplativa en los sótanos dramáticos del antiguo hospital de Sabatini, hasta que nuestra ilustradísima clase política —que tantas veces ha acreditado interés por el arte y la cultura, especialmente por boca del Señor Bono— ha decidido que estaría mucho mejor que en las salas de Reina Sofía en las del Congreso de los Diputados. Así lo recogen los medios:

"El director del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, ha asegurado hoy a Efe que no ve «ningún inconveniente» en autorizar la cesión temporal del cuadro «El Abrazo», de Juan Genovés, en régimen de depósito, al Congreso de los Diputados.
(...)
La obra, actualmente guardada en los almacenes del Reina Sofía, iba a pasar en marzo a la cuarta planta del museo, dentro de la ampliación de la colección permanente y una vez que concluyese en febrero la exposición temporal de Antoni Muntadas. En su pregunta, la diputada de IU pide al Gobierno que aclare si tiene intención de trasladar a la Cámara la obra del pintor valenciano, conocida también com o «Amnistía».
Según argumenta De las Heras en el escrito, esta emblemática pintura se erigió en «icono reivindicativo» de la amnistía de los presos políticos del régimen franquista y también para reclamar «la libertad de asociación política y la convocatoria de elecciones» tras la muerte de Franco".



El director del Reina Sofía enfatiza la importancia de las "Jornadas de Pamplona" y unos meses después consiente ceder —temporalmente— de la "Amnistía" de Genovés... ¿Tampoco le parece "imprescindible" una obra de tanto calado social y político? ¿No le gusta el "arte" concebido para ser un instrumento de activación social? ¿Se están reorganizando las colecciones del museo al gusto de los patrocinadores?
De nuevo he de remitirme a la "supuesta misión" de esta entidad:

"Desde el Museo se propone un concepto educativo que elimine jerarquías y muestre la facultad reactivadora de la cultura desde la convicción de la capacidad de cada uno de nosotros para redescubrir y redefinir el saber. La obra de arte constituye un territorio común para el artista y el espectador que facilita la relación con los demás y con un entorno que no percibimos como ajeno. Hace que nos veamos a la vez como sujetos y objetos de la percepción de los demás, creando espacios de sociabilidad nuevos y liberadores. Asimismo, el Museo se constituye como espacio de debate e investigación a través de seminarios y programas universitarios nacidos de la interrelación, no mediada ni jerarquizada, entre la educación y el resto de las actividades –exposiciones, colección, programas públicos– de este Museo".


¿Debate e investigación sobre el sexo de los ángeles? ¿Sobre asuntos apenas interesantes para colectivos de escasísima significación social?

Y el traslado, a instancias de IU. ¡Hay que joderse! Dicen que el propio Genovés, que es persona afable y sensata, está de acuerdo, pero... ¿No sería más lógico que, por su entidad simbólica, precisamente, estuviera al alcance del público en el Reina Sofía?
El director del Reina Sofía no ve ningún inconveniente...
¿Dónde acabarán (temporalmente) las obras del Equipo Crónica; quizás en las Corts Valencianes? Cuando se complete la nueva instalación, contemplaremos una imagen de la historia del arte español que no van a reconocer ni los consejeros estéticos de Franco, aquellos que le recomendaron tomar partido por "el arte degenerado"; que le aconsejaron dejar en los sótanos las corrientes académicas, donde permanecen pagando penitencia por el pecado de sumisión.  El poder y los sótanos parecen formar parte de la misma entidad dialéctica. Pero lo más dramático es que, en ese sentido, aún no se haya decretado la amnistía estética. Los condenados en la década de los cincuenta siguen en prisión. ¡Hay que joderse!

¿A qué viene título de esta "entrada"? Vera me acusa de hermetismo por estos acertijos de retórica pobre que tanto me divierten. En este caso no es necesario recurrir a Séneca o Spinoza... Mejor, a la sentencia popular que habla de vendas y pedradas. 

Sobre los museos en la actualidad


Por Ana Pérez Urcelay

Desde hace varios siglos, se han ido dando una serie de definiciones de lo que es un museo.
En 1929, la revista The Museum News, publicó una definición que, en cierto modo, recogía todas las definiciones realizadas a lo largo de la historia, aunando todas ellas en la siguiente: museo es “una institución que busca la conservación de los objetos, ilustrando los fenómenos de la naturaleza y la obra del hombre, y la utilización de los objetos para el desarrollo de los conocimientos humanos, la cultura y la ilustración del pueblo”.
Posteriormente, en 1968, el ICOM, en sus estatutos amplía el concepto en su artículo 3:
Un museo es una institución permanente que conserva y expone las colecciones para fines de educación, estudio y deleite. En esta definición se establece que se considera museo a:
• Las salas de exposiciones permanentes que tienen las bibliotecas públicas y archivos.
.  Los monumentos históricos y también algunas de sus partes y dependencias, y sobre todo los tesoros de las catedrales.
• Los lugares históricos (Covadonga por ejemplo).
• Los lugares arqueológicos, siempre que estén abiertos al público.
• Los ciertos jardines botánicos, zoológicos, acuarios y viveros.
En 1974, la enciclopedia británica propone una definición de museo, que se asemeja a la que aporta el ICOM, introduciendo las galerías de arte, siempre que no sean de venta de obra artística o lucrativa, e incluye también los tesoros eclesiásticos, los monumentos históricos, las exposiciones, jardines...etc.
Posteriormente, el ICOM va introduciendo nuevas formas de exhibición del arte a la definición ya dada, de esta forma:
En 1974 aportó la definición arriba mencionada.
En 1983, incluyen los planetarios.
En los años 80, incluyen además la etnografía y la antropología. En esta década, se insiste en que los museos deben estar al servicio de la sociedad, intentando hacer una sociedad que pueda ir a mejor.
En la década de los 90, introducen igualmente los museos pequeños, regionales o locales.
Finalmente, en la 22ª Conferencia General de Viena, año 2007, exponen lo siguiente:

"Un museo es una institución permanente, sin fines de lucro, al servicio de la sociedad y abierta al público, que adquiere, conserva, estudia, expone y difunde el patrimonio material e inmaterial de la humanidad con fines de estudio, educación y recreo." 

Siendo esta definición, tal y como indica el ICOM, una referencia dentro de la comunidad internacional.
A través de las propias definiciones que aporta tanto el ICOM, como las diferentes entidades que se han pronunciado respecto a este tema, y la experiencia que a lo largo de los siglos se ha ido demostrando de que realmente, un museo debe ser tal y como “mandan los escritos”, uno se pregunta si el propio ICOM, es realmente consecuente con lo que dice en sus definiciones. Está claro que en general, los museos, cumplen con las funciones que deben tener los mismos: ayudan a saber, fomentar, compartir y dar a conocer a los diferentes artistas y los diferentes movimientos artísticos, desde tiempos en los que se empezó a conservar toda obra de arte existente.


Sin embargo, está la cuestión de que en España hay que pagar en la gran mayoría de los centros que albergan obras de arte, ya sean museos, galerías, etc.
Entonces, si nos ceñimos a la definición aportada por el ICOM, ¿por qué hay que pagar por algo, que tal y como dicen, debe estar al servicio de la sociedad, y que debe contribuir a que esta sea mejor? Y es más, ¿por qué pagar por entrar en un recinto que debe estar abierto al público?
Con la imposición de poder entrar, siempre y cuando se pague por adelantado (y encima hay que dar gracias porque los estudiantes entramos gratis), no se fomenta nada la cultura entre las personas, no se incita a que alguien con pocos recursos, y más en los tiempos en los que estamos (en los que evidentemente, esos 6 euros se los van a gastar en otras cosas), entre a conocer las tendencias artísticas del momento, o la obra de este o del otro artista. Es al revés, las propias instituciones crean una barrera. Conozco gente que no va a los museos porque “pasan” de pagar para ver cosas que pueden ver en Internet, en los libros de arte o incluso, cosas sin las que pueden vivir.
No me parece en absoluto nada lógico, que si todas las definiciones que existen de museo, tienen una mención dedicada a que es algo abierto al público, te cobren, como en este caso, 6 € por la entrada general, y 3€ por las exposiciones temporales. Poniendo, evidentemente, la entrada gratuita en un horario en el que prácticamente nadie va a un museo, por ser demasiado tarde, y porque con el tiempo tan reducido, no da tiempo a ver gran cosa, porque para apreciar el arte, hay que ir despacio, no pasar corriendo delante de las obras.
¿Por qué  dar esa cantidad de dinero, insisto, en algo que está al servicio de la sociedad y abierto al público?
El precio de la entrada (entre otras cosas), sirve para autofinanciar los gastos que conlleva el propio museo (además de tener una cierta cantidad de dinero aportada por el Ministerio de Cultura). A mí me surgen dos preguntas. La primera es, si realmente, con el dinero de las entradas y demás aportaciones, ya sean externas o internas, se cubren todos los gastos, tendrá que sobrar cierta cantidad de dinero ¿no? Ese dinero “sobrante”, ¿realmente lo utilizan para invertir en el propio museo? Y segundo, si sobra una cantidad X de euros, ¿porqué no bajan el precio de la entrada?
Creo que los museos viven más del dinero que se dejan los turistas en su visita que el que dejan, en este caso, los propios madrileños, con lo que se me ocurre una idea que no sé si llegará a ser un tanto descabellada ¿Deberían ser los museos, gratuitos para todo aquel que viva en la misma comunidad en la que se asienta el propio museo? Quizá es un pensamiento loco, no lo sé, pero está claro que los museos, por mucho que el ICOM y las demás instituciones digan que deben estar al servicio del público y abiertos a este, no van a convertirse en gratuitos de la noche a la mañana, y que por ello, tampoco van a dejar de denominarse museo.
En mi opinión, los servicios que se supone debe prestar un museo, no se cumplen en este caso, porque para mí, dichos servicios van ligados a la gratuidad o, como mínimo, a una drástica reducción en el precio de la entrada.

FRIEKE JANSSENS Y SUS SMOKING KIDS.

Por Laura Madrid

En los últimos meses, está siendo noticia la fotógrafa belga Frieke Janssens por su obra ‘Smoking Kids’, en la que los protagonistas son unos niños caracterizados con diferentes roles de adulto y pose de fumadores habituales (cigarrillo o puro incluido).
La artista se inspiró en un video de YouTube de un niño indonesio de dos años que fumaba cuarenta cigarrillos al día. El vídeo destacaba las diferencias culturales entre Oriente y Occidente y cuestionaba que fumar fuese una actividad principalmente para adultos.
Según Janssens, los fumadores adultos son la norma social, por lo que quiso darle un nuevo enfoque al tema para que el espectador se centrase únicamente en el acto de fumar en sí mismo y consideró que la mejor forma de hacerlo era crear un impacto surrealista que sirviese para concienciar sobre el propio acto de fumar.
Además, en aquella época se aprobó una ley que prohibía fumar en bares belgas por lo que hubo toda clase de protestas dirigidas el gobierno al considerar que se les trataba como a niños pequeños que no saben distinguir entre el bien y el mal.
Las imágenes, son cuanto menos inquietantes, dotadas de provocación pero con una belleza contradictoria que se halla justamente en el límite entre lo moral y lo inmoral. No podemos obviar tampoco su aire retro, que nos hace rememorar aquella época en la que fumar estaba lleno de glamour y aún podía hacerse en los lugares públicos. 


Por otra parte, hay que decir, que ninguno de los niños que aparece en las fotografías estuvo expuesto al humo del tabaco durante el proyecto, ya que los aparentes puros y cigarrillos fueron sustituidos por tiza y palitos de queso, creando el humo a partir de velas y barritas de incienso. 
Sin embargo, ¿es ésta una manera lícita de denunciar un acto que no nos gusta? Bajo mi punto de vista, esto es como el típico dicho: ‘haz lo que yo digo pero no hagas lo que yo hago’.
Hay muchos artistas que utilizan como forma de denuncia la realización del propio acto denunciado de una manera muy cuestionable, tales como esta artista o Santiago Sierra entre otros.
En esos casos, la mayoría de la gente sabe que sólo se trata de una obra y que no pretende incitar a llevar a cabo esa acción, sino simplemente entrar en una crítica reflexiva respecto a ella, pero el problema surge cuando estas imágenes, acciones, ect… llegan a unas manos indebidas, a unas mentes influenciables que no poseen aún los recursos suficientes para verlas como tal, pudiendo entender las mismas como ‘lo que debe hacerse’.
Una vez más la polémica vuelve a ser utilizada como forma de publicitarse. Lícito o no, a Frieke Janssens le ha salido muy bien la jugada ya que más de medio mundo habla ya de sus ‘Niños fumadores’. Esta claro que sabe muy bien como venderse.

http://theblackharbor.com/inspiration/frieke-janssens-smoking-kids/

Sobre la Facultad de Bellas Artes

Por Sergio García

Tras la interesante proposición de realizar una investigación, a nivel general, de la facultad de Bellas artes, me puse a ello de inmediato. Sin duda se trata de un tema muy peliagudo, pues tras mi documentación, observo que la Complutense como entidad, eclipsa y protege en gran medida a sus facultades individualizadas. Esto dificulta la búsqueda de cualquier rasgo negativo acerca de una sola facultad.
Un dato por el que podemos encontrarla con gran facilidad, es el derrumbe de techo, ocurrido, como todos bien sabemos, en el pabellón anexo, dedicado a la disciplina de la escultura. Este incidente escribió paginas enteras en periódicos como El Mundo o el ABC, así como paginas de internet, www.Madridmemata.es. En ellas, en general, únicamente se describe el acontecimiento, acompañado siempre de las “medidas” que se tomarán “de inmediato”. Dos impresiones me han sobresaltado. La primera, está relacionada con la veracidad de la información ofrecida por estos medios, en los que se afirma que el pabellón no se utilizaría, pues aparecería acordonado hasta la solución del problema. La segunda se encuentra más relacionada con un dato muy curioso, y es que no somos la primera facultad a la que le ocurre; según mi documentación, en la facultad de veterinaria, muy cercana a la nuestra, este mismo año se desprendía parte de la fachada de un quirófano dedicado a operaciones de grandes animales.
Para poder analizar esto, debemos tener en cuenta que la Universidad Complutense no es, sino la más antigua de todas las de la comunidad. Conocida como “Universidad de Madrid” en 1843, y posteriormente bautizada con el nombre que hoy sabemos, ha vivido dos guerras Mundiales y una civil. Si bien es cierto que muchos de los edificios han sido restaurados, nuestra facultad fue construida en 1978, momento desde el cual no ha sufrido ninguna gran reconstrucción. El resultado de ello, aparece publicado en webs como la mencionada con anterioridad en la que, textualmente, la describe como: “Una de las facultades peor conservadas: escaleras comidas a cachos, techos con humedades, paredes destrozadas, etc. Y en la que, por faltar, carece hasta de papel higiénico y jabón de manos en los baños”. A toda esta grafica aunque, a mi juicio, objetiva descripción, no puedo hacer sino añadir la eras glaciales acaecidas este año, durante las cuales, incluso los modelos han tenido que posar vestidos.
Por si no fuera poco, las infraestructuras no son lo único que falla en esta facultad “ideal”. Con buscar, vía Internet, un poco de información acerca de la calidad de la enseñanza y del profesorado, podemos encontrar afirmaciones como: “aprendes de los compañeros y de los pocos buenos docentes”, “un buen lugar para ir de visita”, “chungo que aprendas algo”, “desilusión ante la carencia formativa”, “perdida de tiempo” y así un largo etc.
Sin dirigir la punta de mi dedo al señor Larrañaga o a José Carillo (o al numeroso grupo de consejeros y directores que, por debajo de ellos, les ayudan a tomar sus decisiones), pues desconozco de quien es la culpa, dejo que cada uno haga sus propias interpretaciones. Cualquier alumno de esta facultad sabe perfectamente cómo funciona, tanto a nivel docente, como de infraestructura o de organización. Y no puedo cerrar este redacción sin invitaros expresamente a leer lo que pone en la página de Wikipedia de la Facultad de Bellas artes. En el apartado de “Otros servicios” encontrareis un ultimo punto que, si bien aun no he conocido, no me extrañaría nada hacerlo. Ahí lo dejo.

martes, 24 de enero de 2012

ARCO 2012, LABOR SOCIAL Y ARTE CONTEMPORÁNEO

Por Marian Anaya

Arco 2012 abre sus puertas este año por primera vez a los niños. La feria internacional de arte contemporáneo colabora de manera benéfica con una fundación llamada Pequeño Deseo, una forma de acercar el mundo del arte contemporáneo a los más pequeños.
La feria cede un espacio a esta fundación para el desarrollo de la actividad. Arco- Kids será un espacio en el que los niños crearán una obra de arte propia que luego incorporará a una creación común “El mundo de los Deseos”. 


Artistas y voluntarios de la propia fundación serán los encargados de llevar a cabo esta labor solidaria que tiene como principales dos objetivos, permitir que los niños entren en contacto con el arte contemporáneo y ayudar a niños enfermos hospitalizados. 
Creo que esta idea es una muy buena iniciativa ya que se aprovecha para acercar a los más pequeños al mundo del arte y a la vez crea la participación solidaria. ¡Que ya era hora! Porque aunque las actividades con niños en museos y exposiciones se hacen cada vez más comunes la iniciativa de aprovechar estas para la labor solidaria hasta ahora nunca se había propuesto.

OCTAVIO OCAMPO, UN ILUSIONISTA

Por Mónica Alda Sanz 

Siguiendo con el tema de la percepción, que hemos estado tratando en clase y en el blog algunos compañeros, el otro día recordé a un artista mexicano muy conocido por su pintura metamórfica. Se trata de Octavio Ocampo, al que posiblemente conozcáis. Sus trabajos consisten en la yuxtaposición magistral de distintas imágenes en una sola. Son tan elaborados como sorprendentes. Ha realizado retratos biográficos con su peculiar estilo “metamórfico” para personalidades como Jimmy CarterMiguel Alemán ValdésJosé López PortilloJane FondaCésar Chávez o Cher. Aquí están algunos de sus trabajos, muy curiosos la verdad.









Lewis Lavoie

Lo propone Mónica Alda como ejemplo de estructuras perceptivas en competencia (efecto Arcimboldo)









La licencia Creative Commons

Por Eva Orellana

Navegando un poco por lo que aun nos queda vivo de internet, encontré esta página web (legal del todo) que ofrece licencias para obras. Según la web, que recomiendo enormemente a todos, "poner vuestras obras bajo una licencia Creative Commons no significa que no tengan copyright. Este tipo de licencias ofrecen algunos derechos a terceras personas bajo ciertas condiciones. "Posteriormente a aparece un cuadro explicativo de las condiciones que pueden tener los usuarios de una marca o una obra que has registrado en Creative Commons. La verdad es que es muy sencillo. Se trata simplemente de un tipo de registro más seguro que nos permite compartir nuestro trabajo y acceder fácil y seguramente al trabajo de los demás para conocerlo. Sería muy beneficioso para los artistas el empleo de ese tipo de licencias para poder establecer una red de comunicaciones que beneficiara a todos de la misma manera. La guerra de internet ha comenzado. Hay que elegir bando. ¿Legal o ilegal?. Como la elección es dificil, simplemente doy una idea.

http://es.creativecommons.org/licencia/

lunes, 23 de enero de 2012

Por Eva Orellana Moreno

Quería compartir con todos esta noticia que, aunque es antigua (20 de noviembre de 2011), recuperé hace poco de entre los recortes del periódico. La crónica de El Mundo, publicaba en noviembre de 2011 la historia ya conocida por algunas redes sociales de internet de Aliaa, una cairota de veinte años, estudiante de periodismo que publicó en su blog (Diario de una Rebelde) unas fotos de ella desnuda (únicamente ataviada con unas medias de encaje y unos zapatos rojos), como acción reivindicativa por la situación que sufren las mujeres en su país.
Se trata de tres copias de una imagen idénticas, excepto por el rectángulo amarillo que en cada una de ellas aparece tapando pubis, ojos y boca, semejando la censura de la expresión el conocimiento y la sexualidad de las egipcias. Aliaa explicó que no esperaba una difusión tan amplia de las imágenes y que en ningún momento pretendió utilizarlas con fines sexuales, al contrario, su objetivo era el de mover a la comunidad de internautas y a los egipcios a la denuncia por el sexismo y la hipocresía a la que están sometidas las mujeres en el país, donde, en muchas ocasiones, son simplemente tratadas como un objeto sexual.


La situación que la joven vivía en casa, bajo un padre tremendamente intransigente que, entre otras cosas la acompañaba cada día a la facultad para que no pasara tiempo con su novio, Karim, la obligó a huir de casa. Pero según muchos, debería huir de nuevo, esta vez de su país. Fue criticada duramente por un sector de la pobalción de Egipto que había emigrado a los países del Golfo y que ahora regresaba a su país impregnados de las estrictas ideas wahabíes que censuran cualquier idea artística e imponen a las mujeres el niquab (prenda negra que cubre todo menos los ojos). También un sector de los liberales consideran su acción perjudicial para sus aspiraciones en el gobierno. Y por supuesto las autoridades religiosas y la Coalición de Licenciados en Derecho Islámico la han denunciado, solicitando que se la condene a latigazos o a pena de cárcel.
Lo más alarmante de la situación, es sin duda el lugar en el que se ha producido. Las críticas que Aliaa ha recibido preocupan a muchos por las posibles represalias que se tomen contra ella. Porque si te haces una foto en pelotas y la subes a internet en España, o acabas teniendo fama por guarrilla o eres la más atrevida del "insti", o incluso, en Bellas Artes, podrías estar haciendo la performance del año. Pero si lo haces en Egipto lo más probable es que salgas a por el pan y te acaben linchando o apedreando antes de que vuelvas a tu casa. La reivindicación debería ser libre para todos, pero en un país que mata a puñados y encima nos intenta convencer de que la mujer debe estar sometida a un velo negro, da miedo protestar por cualquier cosa. Cuando las críticas se hacen desde el teclado de un ordenador, que importa lo que duelan. Cuando pasamos a las manos... mal va la cosa.

domingo, 22 de enero de 2012

Otra iniciativa "sin ánimo de lucro"



El pasado día 17, se presentó en la sede de COTEC, el portal www.romanicodigital.com, dirigido por Peridis...  El portal es la iniciativa más reciente de un proyecto de mucha solera, que arrancó con una propuesta de restauración sumamente interesante: la del monasterio de Santa María la Real de Aguilar de Campoo, ideada por el propio humorista gráfico en su faceta de arquitecto...

¿Por qué presentó el portal en COTEC? ¿Qué es el COTEC? COTEC es una Fundación privada, según dicen ellos mismos, diseñada siguiendo instrucciones del Rey, integrada por instituciones oficiales y grandes empresas españolas (BBVA, Repsol, Telefónica, El Corte Inglés, La Caixa, Mercadona, Endesa, Prisa, etc.) que tiene por finalidad:

"1. Promoción de la cultura tecnológica y de actitudes innovadoras. La Fundación aspira a que se consolide la innovación tecnológica como valor cultural y como norma de conducta empresarial.
 2. Análisis de los efectos de la innovación. Cotec debe contribuir al conocimiento de las consecuencias que el cambio tecnológico tiene para las empresas y para la sociedad en general.
 3. Presencia institucional. Esta visión empresarial debe ser transmitida a las instituciones, para que sea uno de sus puntos de partida, a la hora de diseñar sus actuaciones de contenidos tecnológicos e industriales."

La letra parece buena, pero la música...

En definitiva, los gestores eligieron para presentar el portal un foro que puede interpretarse como concreción material del estabilishment hispano, el lugar donde se manifiesta la endogamia entre el poder político y el poder económico; esa endogamia que, en la actualidad, tiene claro por dónde lanzar tijeretazos para aliviar el déficit público. 
































Flashback. El monasterio, el Instituto, el centro de estudios y la explotación turística

El monasterio, que había llegado a "tiempos modernos" en muy mala situación, sufrió varias campañas de restauración discutibles en los años centrales del siglo XX. Las intervenciones erráticas cambiaron radicalmente hacia  1978 cuando La Asociación de Amigos del Monasterio de Aguilar de Campoo comenzó a tomar iniciativas que culminaron de un proyecto de restauración ideado por Peridis. El proyecto, relativamente innovador para la España de aquellos tiempos, suponía un golpe de timón radical a las prácticas restauradoras empleadas, hasta entonces. Lo más relevante de la idea pasaba por convertir una parte importante de la antigua institución religiosa (desamortizada) en un Instituto de Educación Secundaria y dejar el resto de las dependencias —que se rehabilitarían progresivamente— para funciones diversas, entre las que destacaban (en el proyecto inicial) la obvia explotación turística y la creación de un Centro de Estudios. La fórmula parecía ideal para recuperar la integración social de un edificio que, de otro modo, estaba condenado a convertirse en una amalgama confusa de restos arqueológicos. Las piezas más relevantes ya estaban almacenadas en el Museo Arqueológico Nacional desde el siglo XIX...

Durante los últimos años he visitado el monasterio en varias ocasiones y mi impresión sobre el proceso evolutivo no es demasiado positiva. Hace cuatro años el visitante se encontraba con una instalación de focos, distribuidos por diferentes lugares, hasta convertir la iglesia en el centro de un espectáculo de gusto afín a los que pueden verse eventualmente durante el verano en cualquier sitio. Ignoro si continuarán con esos "espectáculos", pero debo manifestar mi discrepancia con ellos, en especial, si la interpretación histórica ofrecida al turista es tan sesgada como suelen ser las habituales lecturas de nuestro pasado medieval.



Con esos antecedentes, aparece ahora el mencionado portaldigital, con el siguiente planteamiento:

"La Fundación Santa María la Real es, conforme a la Carta Fundacional de 24 de junio de 1994, una Fundación Cultural privada sin ánimo de lucro de duración indefinida y ámbito nacional, domiciliada en el Monasterio de Santa María la Real de Aguilar de Campoo (Palencia).
 MISIÓN. Generar desarrollo basado en la valorización del patrimonio cultural, natural y social.
 VISIÓN. Ser referentes en la creación y puesta en marcha de modelos de desarrollo solidarios basados en el patrimonio.
VALORES.
 Equipo comprometido: El equipo humano que compone la Fundación Santa María la Real es su mejor activo. Es un equipo comprometido con los objetivos estratégicos de la organización. Representa el liderazgo de la Fundación Santa María la Real en la creación de desarrollo a partir de la valorización del patrimonio natural, cultural y social.
 Transferencia de conocimiento: La Fundación Santa María la Real apuesta por la transferencia de conocimiento mediante procesos de comunicación interna y externa. La institución es consciente del papel educativo que le corresponde en temas relacionados con el Patrimonio natural, cultural y social.
 Innovación, la creatividad, la calidad, y efectividad: Las aportaciones a la sociedad de la Fundación Santa María la Real parten de la innovación, la creatividad, la calidad, y efectividad. Los procesos de trabajo basados en estos principios se diseñan y documentan como herramientas para la evolución y adaptación a las necesidades sociales.
 Responsabilidad social: La Fundación Santa María la Real es responsable socialmente con las comunidades y territorios en los que impulsa cambios tendentes a la creación de desarrollo social y económico".

Deben haber recibido subvenciones del Ministerio de Fomento y del Ministerio de Industria, Turismo y Comercio, puesto que aparecen los banner correspondientes a ambas entidades. 


En la página web, además de los datos históricos sobre las actividades de la Fundación, ofrecen los siguientes  "productos":
1. Una muy amplia Enciclopedia del Románico en España, que "es uno de los proyectos más ambiciosos acometidos por la Fundación Santa María la Real". Los precios de cada volumen oscilan en los alrededores de los 100 €. 
2. Publicaciones de naturaleza diversa, guías, fotografías, maquetas, audiovisuales (incluida la colección Las claves del Románico de TVE), por supuesto, a precios de mercado.
3. También podemos encontrar en la web información gratuita sobre "rutas románicas" (no las he comparado con las que ofrecen en las guías de carreteras), una "base de datos" y una enciclopedia on line sobre la misma temática. Obviamente esos recursos no están concebidos para hacer la competencia a la enciclopedia que ellos mismos ofrecen y mucho menos para ser un instrumento demasiado útil, contando con los repertorios que en la actualidad puede manejar cualquier aficionado a la cuestión cultural.
4. En un alarde de generosidad sin precedentes, permiten descargar gratis un recortable de la iglesia de San Cornelio y San Cipriano en  Revilla de Santullán.
5. También hay un foro que, nació hace 14 meses y, al día de hoy, contiene un único post, con una denuncia sobre la situación de la iglesia de San Román de Fuente Humorea. Es de suponer que se incrementarán las aportaciones, teniendo en cuenta las campañas publicitarias que harán en ciertos medios de comunicación...

¿Generar desarrollo basado en la valorización del patrimonio cultural, natural y social? ¿Página de información sobre el románico o simple web publicitaria o de "servicios culturales"? No hay dinero para mantener abiertos ciertos museos pero sí para iniciativas como ésta, "sin ánimo de lucro"...

Si el lector es parado o mileurista y desea consultar páginas que le ayuden en la aproximación al fenómeno románico, deberá buscar entre las habituales: en la Wikipedia, en la página de A. García Omedes, que contiene un amplio repertorio de referencias,  en la del Románico Catalán, en la de Arteguías, etc. mientras permanezcan abiertas, porque tal y como están las cosas...

El arte al servicio de los grandes

Por Jesús Moreno Fresneda

Como hemos visto en los bombardeos noticiario-televisivos, el pasado jueves 19, con dos meses de retraso para poder cuadrar con la agenda de la homenajeada, se inauguró la muestra Expo party; acogida dentro del festival Cáceres Pop Art. Pasadas ediciones fueron dedicadas a personalidades como el rey Juan Carlos o Fidel Castro. Esta vez ha sido el turno de una de las grandes de verdad, la archiconocida Cayetana Fitz-James Stuart y Silva, también llamadaduquesa de Alba. 


Tiene su gracia la exposición ya que aunque en todos los medios se presenta como un gran homenaje a la recién casada, da la sensación de que detrás de toda esa atmósfera se esconde cierta ironía. Una serie de guiños y críticas ingenuas sobre un sujeto fácilmente caricaturizable. Estaría bien hablar con muchos de los treinta artistas participantes para aclarar su admiración hacia quien va dedicada su obra, ya que así han sido vendidas. ¿Por qué apoya la duquesa esta iniciativa? ¿Es que si no hubiese hecho acto de presencia habría sido una exposición mucho más humorística y ridícula de lo que ya resulta?

Espal

Por Clara Fernández Núñez

Como todo el mundo sabe ya, se ha procedido al cierre de megaupload por el FBI.
La verdad es que cada vez comienza a ponerse más serios con las leyes antipiratería en todos lados, pero me gustaría recordar un suceso que pasó aquí, en España, con el cierre de otras páginas web.
Existían unas páginas con el nombre de ESPAL: esplapsp, espalds y espalwii. En estas páginas se hablaba sobre todo de las máquinas y los juegos a las que están referidas. Había enlaces (a megaupload en su mayoría) para bajarse juegos “piratas”, pero además había foros con miles de usuarios que comentaban simplemente experiencias con los juegos, programas nuevos que ellos mismos habían creado, o hasta cosas que no tienen nada que ver con las consolas.
Como hubo una temporada en la que la ley SINDE parecía que se iba a poner más seria, la comunidad ESPAL creó una nueva página llamada espalzone. En esta página colgaban todos los enlaces al megaupload, dejando así libre de “piratería” las otras 3 páginas en las que solo había información sobre los juegos y los foros.
En junio de 2010 un juez de Cádiz ha ordenó el cierre de todas las páginas ESPAL. Se detuvieron durante una noche a 4 webmasters. En todos los casos los detenidos estaban acusados de delitos contra la propiedad intelectual como presuntos responsables de los mencionados sitios web.
José Manuel Tourné, presidente de la Federación Antipiratería ha señalado que la denuncia interpuesta hace un año tenía como objetivo acabar con la piratería de estos cuatro portales, los más importantes del sector. “No queremos que los videojuegos o las películas de nuestros socios circulen por Internet sin el permiso de sus legítimos dueños, en ningún caso vamos contra los usuarios ni contra las opiniones”.
La verdad es que para no ir en contra de las opiniones de nadie han cerrado 3 páginas en las que solo había opiniones de gente, y una página en la que solo había enlaces a servidores, lo cual en España no es ilegal, al menos hoy por hoy. Lo único que es ilegal es lucrarse con ello, es decir, vender el acceso a estos enlaces, cosa que estas webs no hacían.
¿Entonces porque se cierran? Es un atentado a la libertad de expresión, simple y llanamente.
Estás páginas volvieron a empezar desde cero, ahora solo existe una que se llama espalteam donde ya no existe ni la más mínima alusión a la “piratería”, pero sigue habiendo los mismos foros que antes, donde se hablaba de todo. Los mismos foros que cerraron.

Fuente: http://www.adslzone.net/article4069-ataque-a-la-libertad-de-expresion--espalwii-espalnds-espalpsp-y-espalzone.html

¿Qué veis?

Por Ana María Castañeda


Al ver en el blog la entrada que ha escrito Eva López he recordado que hace tiempo vi esta imagen que aquí os presento. Y bien, ¿qué veis?



Han sido muchas las investigaciones que se han realizado acerca de si existen imágenes que no podemos ver al ser individuos socialmente condicionados. Como ya ha dicho Eva, se ha demostrado que la cultura y el entorno influyen en la percepción visual de cada uno de nosotros y que depende en gran parte de la sociedad en la que nos educamos y a la que estamos acostumbrados. Sin embargo, al ver esta imagen concluyo que estos no son los únicos factores que afectan a la percepción: también el desarrollo personal de cada persona, la madurez (en este caso supongo que la madurez sexual) toma mucha relevancia.
En la imagen que adjunto la mayoría de las personas adultas ven una pareja de amantes mientras que los niños, en su lugar ven delfines y son incapaces de ver a la pareja. En teoría, esto es así debido a que ellos no tienen los conocimientos previos para asociar la imagen con el sexo, pero al llegar a la adolescencia consiguen ver ambas figuras. Por otro lado, he leído (y comprobado) que las personas adultas que ven por primera vez esta imagen tienen dificultades para encontrar los delfines, que por cierto, son un total de nueve. Y vosotros… ¿los encontráis?

UN NUEVO GUGGENHEIM EN…HELSINKI



Por Mónica Alda Sanz

La famosa fundación neoyorquina Solomon R. Guggenheim ha propuesto la construcción de un nuevo museo, esta vez, en la ciudad de Helsinki.
La pasada semana los representantes de la fundación entregaron oficialmente el estudio conceptual y de desarrollo para la creación de un nuevo y potente Guggenheim. Este estudio fue encargado a principios del año pasado por el ayuntamiento de Helsinki, el cual llevó a cabo una serie de meditaciones sobre la propuesta de ubicación, su financiación, el programa expositivo y educativo del museo, etc. Según la fundación, esta nueva institución "contribuiría a contextualizar el arte, el diseño y la arquitectura finlandesas dentro de la tradición del arte moderno, y a la vez daría al público de aquel país la posibilidad de contemplar obras de arte procedentes de todo el mundo". Además, consideran que el museo "probablemente incrementaría el turismo cultural y, de este modo, podría favorecer el aumento de las cifras de audiencia globales a otras instituciones artísticas de la ciudad". 


En esta ocasión, por lo visto, la idea no parte de una propuesta arquitectónica que abra el camino y la atención hacia el nuevo museo, sino al revés. Se deja de lado el atractivo arquitectónico, a diferencia del de Bilbao, y la visión focalizada en el continente, para dar más prioridad al contenido. Las conversaciones han incluido a profesionales de muchas disciplinas tanto de Estados Unidos como de Finlandia y otros países nórdicos: otras instituciones culturales, especialistas de programación, educación, asesorías legales y financieras, logísticas y de marketing. 
El nuevo Guggenheim en Helsinki se levantaría en el puerto sur de la ciudad, en pleno centro urbano, y tendría una superficie de 12.000 metros cuadrados, de los que una tercera parte se destinarían a exposiciones. En cuanto al tema económico y de coste del nuevo edificio se ha estimado que serán unos 140 millones de euros, y se calcula que podría atraer entre 400.000 y 650.000 visitantes al año, de los que cerca del 40% serían turistas extranjeros.
Juan Ignacio Vidarte, el director general del Museo Guggenheim Bilbao, que formó parte de las reuniones, declaraba que la construcción de este nuevo centro en Helsinki podría ser compatible con el centro de arte moderno y contemporáneo de la capital vizcaína y que ofrecería a este nuevas oportunidades.
Los trámites para materializar la idea del Museo Guggenheim Bilbao comenzaron en febrero de 1991, cuando los responsables de las Administraciones Vascas se pusieron en contacto con la Solomon R. Guggenheim Foundation para proponerle su participación en una parte del plan de revitalización de Bilbao y del País Vasco en general. Se aprobó, localizaron el solar adecuado, a orillas de la ría de Bilbao, en una zona denominada Abandoibarra, y contrataron al arquitecto canadiense Frank O. Gehry para la construcción del edificio. Seguidamente se llevó a cabo una serie de acuerdos y formalidades durante los siguientes años hasta que en octubre de 1997 quedó oficialmente inaugurado. 


La característica más llamativa del museo es el innovador edificio en el que se emplaza, constituido por formas curvilíneas y retorcidas, recubiertas de piedra caliza, cortinas de cristal y planchas de titanio, un material que mantiene muy las condiciones de preservación y mantenimiento. En su conjunto, el diseño de Gehry crea una estructura singular, espectacular y enormemente visible, consiguiendo una presencia escultórica como telón de fondo al entorno de la ciudad. La Institución cuenta con una superficie total de 24.000 m², de los cuales 11.000 m² están reservados para las exposiciones, distribuidos en 19 galerías. El edificio estaba creado con la finalidad de que existiese una estrecha armonía entre las formas arquitectónicas y los contenidos de cada galería. Sin embargo aquí, y a diferencia del de Helsinki, la arquitectura es el gancho principal que debe a traer a los visitantes del museo. 
Transcurrido menos de un año, más de un millón trescientos mil visitantes habían visitado ya el Museo vasco. Y es que el Guggenheim en sí mismo es una máquina de hacer dinero. Con alrededor de 10 de millones de visitantes acumulados desde su apertura, un estudio realizado por el propio museo, estima en 1.571 millones de euros el PIB generado desde que se abrió hasta ahora, posiblemente algo más, lo que se traduce en más beneficios económicos para la hacienda vizcaína. Pero no se debe de olvidar que el Guggenheim costo unos 126,5 millones de euros, a los que había sumar otros 32,3 millones de la colección permanente, lo que trajo una gran polémica pues por lo visto los fondos para construir el edificio salieron exclusivamente de los presupuestos del Departamento de Cultura del Gobierno Vasco. Se criticó el que no hubiese salido mejor de otras áreas como Industria, ya que consideraban que era una inversión más bien de carácter empresarial más que cultural, y que dejaba a la cultura vasca sin fondos durante esos años. 


Visto lo visto ¿la creación de este nuevo proyecto en Helsinki podría suponer una “amenaza” para los ingresos económicos de la ciudad de Bilbao? Podría ser. Se plantea un nuevo proyecto en otro país, con características similares a las de Bilbao pero con ciertas innovaciones, y con un determinado atractivo, y claro ¿qué significa esto? Menos afluencia de visitantes, en concreto extranjeros, en la otra institución, ya que posiblemente lo prefieran por la cercanía a sus países de origen y por ser un proyecto nuevo e innovador, con cual se traduce en menos beneficios económicos para el País Vasco. Pero siendo objetivos España posee más tirón cultural que quizás los países nórdicos. Así que en lo que respecta a este tema no habría porque preocuparse… 
Vidarte es positivo y aclaró que el nuevo proyecto es compatible con el museo bilbaíno y no supone ninguna amenaza, dadas sus grandes diferencias conceptuales y la lejanía geográfica entre ambas ciudades. "Más que un museo, el proyecto de Helsinki es un espacio expositivo porque sería una institución sin colección propia, con una visión muy dirigida hacia el diseño y la arquitectura, y con un énfasis en la utilización de la tecnología". Además afirmó que el Guggenheim finlandés ofrecería al museo vasco la posibilidad de crear proyectos conjuntos innovadores."Hay áreas que, para el museo de Bilbao, son interesantes para profundizar en el futuro, como la educación, la tecnología y el diseño". Destacó también que la capital vizcaína puede aportar una experiencia muy valiosa al proyecto del nuevo Guggenheim de Helsinki. "Yo creo que el museo de Bilbao es una referencia. Helsinki y su alcalde se han mirado mucho en el espejo de Bilbao en cuanto a lo que un museo puede suponer en la transformación de una ciudad desde el punto de vista cultural, social y urbanístico".
Veremos cómo termina todo este proceso y si a la larga funciona o no.