LAS PARIDAS DE MARCELO DEL CAMPO

De mayor quiero ser coleccionista.

2012-02-16T04:10:00.000-08:00

Por Martín Peño.

A pesar de la Crisis, que es la gran noticia, nos abordan otras “artísticas”, que en relación con la principal, completan una escena que ayudan a comprender como se mueve la maquinaria. Y la noticia es que el sector del arte a diferencia de otros sectores en estas épocas está creciendo.
Que el mercado del arte y su mundillo es un coto privado de elitismo y lujo ya se sabe bien. Pero es precisamente cuando en estos momentos tan “sensibles” salen a la palestra datos que en principio nadie comprende: el año 2011 ha movido un volumen de dinero de 10.600 millones de $ (8000 millones de €) unos 1.100 millones más que durante 2010 (consultora Artprice).El mercado del coleccionismo chino a pesar de ser una minoría actualmente, se estima que ya mueve en torno al 23% del mercado en el 2010, y es sólo un 2% de la población la que compra arte (gestora Catlestone). Pisando fuerte también Rusia, y parece ser que Brasil despunta.
En el mundo del arte hay cincuenta fondos de inversión que manejan más de 900 millones de $ (680 millones de €) y se espera que su número “aumente significativamente”. Se puede deducir de esta lectura tan artística, es que tenemos crisis y recesión económica para rato.
Se ha de entender que los productos del arte y su mercado funcionan en base al efecto de la especulación, obedeciendo a las leyes de la física, que es como se ha de estudiar el dinero, con los factores del movimiento y tiempo: cuanto más rápido y en menor tiempo se mueva, más caro es el producto final. Algo que ayuda a entender la filosofía del fondo londinense Fine Art Fund Group: comprar barato y vender caro.

No debemos perder la perspectiva y relacionar esto con la información de que las grandes fortunas, con esta coyuntura están acrecentado su riqueza (algo que visto desde el punto de vista ético no es aceptable, pero desde el punto de vista del mercado es razonable) y que son las que mueven en gran medida el mercado del arte, más que el capital institucional. La explicación a esta aparente sinrazón, (asi, a lo bruto y más o menos) es que en las épocas más boyantes, estos grandes capitales, los ricos de verdad, las grandes fortunas o ultrarricos, eran y son los verdaderos dueños de las cantidades de dinero que en la calle circulaban y que todos manejaban, pero que con este reajuste del capital a las nuevas formas y relaciones de producción que están surgiendo (no nos creemos lo de la Crisis), finalmente se retiran del mercado para volver a la caja de donde realmente pertenecen.”La recesión económica atiende a la necesidad de algunos grupos económicos bien posicionados de mantener sus niveles de vida y confort, desplazando hacia los grupos de menores rentas el problema de la creación de valor: será necesario trabajar más para obtener menos” (Juanma Agulles en Ekintza Zuzena/37). El resultado, es la infinidad de gente a los que se les ha retirado ese pequeño capital que no poseían y que los ha dejado a la deriva en esta gran tormenta. En todo este sindios, los nuevos ricos, fruto del dinero rápido afloran y esta vez de sitios más lejanos y diferenciados, como característica del imperio neoliberal y globalizador... repitiéndose la misma historia con distintos personajes pero en otros tiempos.
Desde luego como nos vienen aconsejando en esta casa, para el Futuro ya sabríamos por donde dar el braguetazo.

Sobre el artículo de Miguel Ángel García Vega titulado El mercado del arte levanta el vuelo publicado en El País, 09/02/2012.

Franco inaugura ARCO

2012-02-15T03:05:00.000-08:00

Mientras en el Reina Sofía Hans Haacke ya ha montado su personal y esterilizado alegato contra la burbuja inmobiliaria, Eugenio Merino, que suele dar en la diana con sus “provocaciones”, presenta este año en ARCO una obra de arrebato: una “escultura” hiperrealista de Franco con uniforme de general, colocada en un frigorífico de connotaciones globalizadoras. Y algunos, empeñados en buscar trasfondos esotéricos en el arte contemporáneo, se preguntan qué sentido tiene.

¿No es para morirse de risa?

Foster y Rogers también proyectaron —alguna vez— viviendas unifamiliares

2012-02-14T15:02:00.000-08:00

Se diría que Rogers y Foster nacieron al arte de la arquitectura proyectando torres de Babel y templos mastodónticos a mayor gloria de las corporaciones que, como los dioses, velan por "nuestros intereses", es decir, "los suyos" . Y sin embargo, hubo un tiempo en el que, unidos, en el mismo estudio, concibieron, junto con las hermanas Cheesman, edificios de escala humana.
Uno de estos edificios —la Sky break, Warren, Radlett, Hertfordshire—, llamó la atención a S. Kubrick, que lo empleó para realizar allí algunas tomas de especial interés y significación. Junto con unos cuantos planos tomados en diferentes lugares, la Sky break de Hertfordshire se convirtió en la residencia del "escritor" F. Alexander. Se trata de una vivienda singular, de concepción espacial sumamente diáfana y varios niveles de suelo, que, como los espacios de la pintura flamenca, ofrecen incremento de las posibilidades narrativas.

Si este blog pretendiera ser un púlpito de lisonjas y panegíricos, debería expresar admiración por la perspicacia del director neoyorkino al intuir que la casa en cuestión pasaría a la historia al amparo del magisterio de dos de los arquitectos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. Como no es el caso, me limitaré a reconocer que, como dijera Sir Alfred Joseph Hitchcock, en ocasiones la casualidad moviliza acontecimientos asombrosos.

Del visionado de la película, podemos concluir:
1. Sobre lo ya expuesto, Kubrick no se interesó por la concepción arquitectónica global: al menos eso parece indicar que se olvidara de la relación entre el interior y el exterior, fundamental en la naturaleza de ese proyecto.
2. Las tomas del "exterior" de la casa fueron realizadas en otro lugar, seguramente, más adecuado a las pretensiones narrativas de Kubrick.
3. Ni tan siquiera empleó las posibilidades lumínicas de la casa, seguramente, porque serían insuficientes para rodar con la calidad preestablecida.
En definitiva: parece obvio que Kubrick empleó la Sky break del Team 4 por sus posibilidades espaciales, pero sobre todo, por las opciones para convertirse fácilmente en plató. Entiendo que cualquier otra valoración de mayor calado estético, sería exagerada.

El acontecimiento asombroso: la película de Stanley Kubrick nos conduce por el túnel del tiempo al momento en el que Richard Rogers, Norman Foster y las hermanas Cheesman comenzaban una carrera profesional de gran proyección durante la segunda mitad del siglo XX. Paradójicamente, esa proyección comenzó, precisamente, con el momento en el que se disolvió el grupo y Rogers y Foster comenzaron a trabajar independientemente para desarrollar en otra escala ideas que encontramos en la casa de Hertfordshire, vista con los ojos "futuristas" de S. Kubrick, tal y como aparece en La naranja mecánica: un tipo de arquitectura de fundamento esencialmente utilitario, que integre los avances tecnológicos y preste atención muy especial al rendimiento energético; y, por supuesto, con las diferencias que presuponen los planteamientos expresivos de cada personalidad. Rogers concretó una concepción arquitectónica high-tech. materializada en el Centro Pompidou (con R. Piano) (1970-79), caracterizada por el uso de las instalaciones como elemento estético, tal y como hizo en el edificio de la Lloyd y, más tarde, en Las Arenas.

Edificio Lloyd

Edificio Lloyd, detalle

Edificio Lloyd (detalle) y 30 St Mary Axe

Por su parte, Norman Foster, con una carrera paralela a la de su antiguo compañero, se ha transformado en una especie de Arquitecto Todopoderoso ("Gran Arquitecto") en Europa, que encajaría bien con el mito (¿arquetipo?) empleado por Matthew Barney en Cremaster, sobre todo, si tenemos en cuenta que, como él mismo sostiene, el éxito de Norman Foster and Partners se basa en la edad media de sus colaboradores, sensiblemente baja... ¡La creatividad de los jóvenes! ¿Con líbido hiper-reprimida? Desde esa duda cabría formular una hipótesis demasiado obvia sobre el 30 St Mary Axe, conocido en todo el mundo como el "Pepinillo"... ¿Pepinillo? Definitivamente, la última secuencia de La naranja mecánica pudo rodarse en el piso 40 del Pepinillo, desde donde se aprecia una panorámica maravillosa de Londres...

Foster, la cúpula del Reichstag

Foster, Torre Caja-Madrid

Otra paradoja

2012-02-14T11:56:00.000-08:00

BBC Mundo ofrece una noticia que sacará de sus casillas a más de un post-postomoderno:

Autoridades en el norte de China iniciaron en esta última semana la retirada de tabletas iPad de Apple, tan sólo dos meses después de que los tribunales locales reconocieran a una firma nacional como dueña de la marca comercial iPad en el país.
Tras la victoria legal, Proview Technology ordenó la retirada del dispositivo en 20 ciudades en China y amenaza con solicitar que se prohíba la importación y exportación de iPads en el gigante asiático.
Paradógicamente, la empresa china se ampara en leyes que fueron aprobadas en China por la presión ejercida por Occidente para que el país pusiera fin a la piratería de productos de entretenimiento y marcas de lujo.
Según Stan Abrams, letrado estadounidense que enseña propiedad intelectual en la Universidad Central de Pekín, el asunto resulta "irónico", ya que ahora China podría requisar iPads en su territorio y así evitar que se envíen al extranjero objetos que infringen derechos de propiedad intelectual.
Este es el último capítulo de una larga batalla legal de Apple por hacerse con los derechos de la marca iPad en China, cuyo nombre fue patentado por Proview Technology a principios del año 2000.
Apple dice haber adquirido en 2009 los derechos de la marca de la filial que esta empresa tiene en Taiwan, que según ellos les daba derecho a vender el dispositivo en diez países, China incluida.
Pero Proview Technology en China, con sede en Shenzhen, dice que la venta no incluía los derechos en el país y en diciembre, los tribunales le dieron la razón.
(...)
Aunque no se ha establecido una conexión directa, los hechos coinciden con la petición de Apple para que se realicen inspecciones en las instalaciones de las compañías chinas donde se fabrican hasta el 90% de los productos de la empresa.
La solicitud se da después de varias denuncias formuladas contra estas factorías por bajos sueldos, exceso de horas, trabajo de menores, casos de suicidios y accidentes mortales en los últimos años.
Tras una detallada investigación publicada al respecto en el diario The New York Times, manifestantes se concentraron en algunas de las mayores tiendas de Apple en Estados Unidos y reunieron 50.000 firmas para pedir lo que denominaron un "iphone ético".
Próximamente, la Asociación por un Trabajo Justo (FLA), organización internacional dedicada a la defensa de los derechos de los trabajadores, auditará el funcionamiento de varias fábricas de tecnología en el país, incluida Foxconn, una de las principales proveedoras de Apple.

La legislación positiva sobre "derechos de marca" tienen estas cosas. Si aparece algún avispado, la puede liar parda. Pero el asunto va mucho más lejos... De hecho, la situación de las factorías Apple en China había servido a David Sirota para exponer que, en Occidente (se refería concretamente a los Estados Unidos), por ser consecuentes con las exigencias del sistema, deberíamos caminar hacia el establecimiento de un "nuevo modelo educativo" amoldado a las necesidades competitivas de la empresas. Según recogía The Times, un ejecutivo norteamericano de la mencionada firma, al ser preguntado por las razones que habían hecho trasladar las factorías a China, respondió que "los EEUU han dejado de ofrecer personas con las habilidades que nosotros necesitamos" (literalmente, “the US has stopped producing people with the skills we need"). Y Sirota exponía datos apabullantes. El montaje de un ordenador que se vende al público por 1,500 $USA, en California cuesta 22 $; en Singapur, 6 $; ¡en Taiwan, 4,85 $!Y The Times seguía indicando que en Foxconn (fábrica taiwanesa de Apple) muchos trabajadores ganan menos de 17 $ al día, trabajan seis días a la semana y pasan hasta 12 horas en la factoría.

Y me pregunto con Sirota, si nuestras autoridades educativas, que inflan su conciencia con la manida "excelencia" para reducir radicalmente los presupuestos, no habrán apostado ya por un modelo educativo encaminado en la dirección indicada por Michael Levy (Kosher Chinese: Living, Teaching, and Eating with China's Other Billion) mediante la sacralización del "modelo chino".

Desde mi discreta experiencia, las cosas parecen claras. No sólo es la estrategia sistemáticamente erosiva de las autoridades políticas. Me parece mucho más grave el incremento de quienes no aprecian los instrumentos de conocimiento, análisis y reflexión porque prefieren demandar "instrumentos", como los McBook Pro que llevan en la mochila, que les faciliten "hacer" lo que "la gente demanda". En pocos años Apple podrá instalar una fábrica de iPad en la "Comunidad de Madrid". Ya existe soporte legislativo en lo laboral y en lo formativo estamos a punto de conseguirlo... entre todos.

Arde el cine Attikon (Atenas)

2012-02-13T09:08:00.000-08:00

Fue construido en los alrededores del año 1900, según proyecto del arquitecto Alexander Nikoloudi,

y desde 1912 funcionaba como sala de proyección cinematográfica. Ayer ardió junto con otros edificios singulares del centro ateniense, en el contexto de un conflicto social que se ofrece con sordina a la opinión pública europea.

Arbitrar medidas que fomenten la irritación social puede ser bueno para los intereses de "los mercados" y de la clase política, pero es mala estrategia para conservar el patrimonio arquitectónico... cuando menos.

Die Grosse Deutsche Kunstausstellung

2012-02-12T09:39:00.000-08:00

Investigadores alemanes han documentado (GDK),es decir las grandes exposiciones que, durante el verano, se realizaron en Munich entre 1937 y 1944, siguiendo las indicaciones de las autoridades alemanas, a su vez, deudoras de las ideas que Hitler expuso en Mein Kampf.

"Del mismo modo que hace sesenta años habría sido inconcebible un descalabro político de la magnitud del actual, no menos inconcebible hubiera sido el derrumbamiento cultural que empezó a revelarse a partir de 1900 en concepciones futuristas y cubistas. Sesenta años atrás hubiese resultado sencillamente imposible una exposición de las llamadas “expresiones dadaístas” y sus organizadores habrían ido a parar a una casa de orates, en tanto que hoy, llegan incluso a presidir instituciones artísticas.
Anomalías semejantes llegaron a observarse en Alemania casi en todos los dominios del arte y de la cultura. Daba la triste medida de nuestra decadencia interna el hecho de que no era posible permitir que la juventud visitase la mayoría de estos pseudo-centros artísticos, lo cual quedaba pública y descaradamente establecido al utilizarse la conocida placa de prevención: “Entrada prohibida para menores”.
Considérese que se tienen que observar medidas de precaución precisamente en aquellos lugares que debían estar destinados sobre todo a la ilustración y educación de la juventud y no a la diversión de círculos viejos y pervertidos. ¿Qué hubiera exclamado Schiller ante tal estado de cosas y con qué indignación hubiese Goethe vuelto las espaldas? ¿Pero qué son Schiller, Goethe, o Shakespeare en comparación con esos nuevos “genios” del arte alemán actual? Figuras anticuadas y en desuso, figuras superadas, en suma. La característica de esta época, es pues, la siguiente: no se conforma con traer impurezas, sino que por añadidura vilipendia también todo lo realmente grande del pasado. Ya al terminar el siglo XIX, casi en todos los dominios del Arte, principalmente en los ramos del teatro y de la literatura, se produjeron ya muy pocas obras de importancia y se solía más bien degradar lo bueno de tiempos pasados, presentándolo como mediocre y superado."

Según Christian Feuhrmeister (citado a través de The Art Newspaper), uno de los investigadores responsables de la investigación, existe una gran diferencia entre lo que se ha dicho sobre el arte nazi y la realidad de aquellas exposiciones. Aunque en la propaganda de la época se enfatizaron las obras que seguían las ideas de Hitler orientadas hacia el enaltecimiento de la "raza", en ellas se presentaron pinturas y esculturas de naturaleza muy variable, dentro de las tradiciones académicas.

Enlace

¿Las plantas se comunican entre ellas?

2012-02-08T10:31:00.000-08:00

LA JUGADA MÁS CARA DEL ARTE

2012-02-08T09:52:00.000-08:00

Por Alicia Núñez

Qatar ha roto los esquemas del mercado del arte adquiriendo un Cezanne, Los jugadores de cartas, por nada menos que 250 millones de dólares, lo que en euros viene a ser unos 191 millones, y convirtiéndose así en la pintura más cara del mundo.
El cuadro pertenecía a Yorgos Embiricos, millonario griego fallecido recientemente y quien, según se comenta, inició las negociaciones de venta de dicho cuadro a finales del 2011. Esta obra pertenece a una serie compuesta por cinco cuadros en los que Cezanne reflejó el tema del juego (ambiente, personajes…) y que realizó entre 1890 y 1894 en su casa a las afueras de Aix-en-Provence. Los otros cuatro restantes se encuentran en el MetropolitanMuseum de Nueva York, el Museo d'Orsay de París, el CourtauldInstitute de Londres y la Barnes Foundation de Philadelphia.
Qatar es el país que mayores ingresos per cápita alberga y cuya economía ha sido la que más rápido ha crecido en el mundo, todo ello gracias principalmente a las reservas de petróleo y de gas natural que poseen, pues las reservas de petróleo se estima que al menos durarán 37 años y las reservas de gas natural con las que cuentan se calcula que ocupan el 14 por ciento del total mundial.
También me parece importante destacar la magnífica relación que tiene con los Estados Unidos, reflejado entre otras cosas en la ubicación de la sede de Adelante Comando Central de EE.UU. y el Centro de Operaciones Aéreas Combinadas, y el papel que ha jugado en las revueltas que han sucedido en ciertos países árabes alentando conflictos contra los viejos regímenes de Medio Oriente.

Tras progresar tanto en tan poco tiempo en prácticamente todos sus ámbitos, este país, dueño de la cadena de televisión Al Jazeera, también esta luchando por destacar a nivel cultural y ocupar un alto puesto en el mercado del arte. Así bien poco a poco se está haciendo con un gran patrimonio artístico, de hecho según The Art Newspaper, la familia real qatarí fue el primer comprador de arte durante el año pasado, en su intento por competir con París y Nueva York. La compra de esta última millonaria adquisición, obra de Cezanne, no hace más que subrayar el peso que el emirato qatarí ha adquirido en el mercado artístico.
Se prevee que el destino del cuadro más caro del mundo vaya a parar al Museo Nacional de Qatar junto con obras de Rothko, Warhol o Hirst, que se inaugurará en 2014 y cuyas obras corren a cargo de Jean Nouvel.

Para terminar me parece interesante añadir una lista con los 10 cuadros más caros del mundo:

1. Los Jugadores de cartas, Cezanne – 250.000.000 $.
2. Number 5, Pollock – 140.000.000 $.
3. Woman III, de Kooning – 137.500.000 $.
4. Desnudo, hojas verdes y busto, Picasso – 106.500.000 $.
5. El hombre que camina I, Giacometti – 104.300.000 $.
6. Garçon a la pipe, Picasso – 104.000.000 $.
7. Elvis 8, Warhol – 100.000.000 $.
8. Dora Maarau chat, Picasso –95.216.000 $.
9.Diana y Acteón, Tiziano – 91.000.000 $.

Los franceses nos tienen manía...

2012-02-07T12:16:00.000-08:00

¿Se están utilizando los éxitos deportivos para incrementar una cohesión social difícil de reforzar mediante otros recursos?

Roni Kleiner

2012-02-06T12:59:00.000-08:00

pro tv from roni kleiner on Vimeo.

winner sperm from roni kleiner on Vimeo.

Máshttp://www.krop.com/ronikleiner/

Sobre el Niemeyer

2012-02-05T15:12:00.000-08:00

Roberto me pasa una referencia sumamente explícita sobre una intervención de Emilio Marcos Vallaure, Consejero de Cultura del Gobierno de Álvarez Cascos, sobre el Centro Niemeyer (26/09/2011).

La convocatoria de elecciones aplaza la resolución de un conflicto cada vez más surrealista.

Autocensura o estrategia publicitaria

2012-02-05T12:32:00.000-08:00

La ARPP ("Autorité de Régulation Professionalle de la Publicité"), organismo francés que regula la publicidad, ha ordenado retirar los carteles concebidos para presentar Les infideles, película colectiva que afronta la infidelidad masculina.

Las malas lenguas dicen que sólo es una maniobra para evitar perjuicios a The Artist en su pugna por conseguir la mayor cantidad posible de premios en la ceremonia de la Academia norteamericana.

Ciertamente, la imagen es muy sugerente... en el más estricto sentido del término.

José Ignacio Wert comparece en la Comisión de cultura del Congreso

2012-02-05T04:43:00.000-08:00

El ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, ha comparecido por primera vez en la comisión de Cultura del Congreso de los Diputados para desgranar las líneas generales de la política cultural de su cartera. Durante su intervención, el Ministro ha destacado que "el sector cultural en España aporta casi el 4% al PIB y emplea el 2,8% de los trabajadores españoles. Desde su dimensión económica, las industrias culturales y creativas son una fuente cada vez mayor de creación de riqueza, de empleo y, en general, de desarrollo económico".
En la comparecencia formuló consignas diluidas y vaguedades sobre las diferentes facetas de su acción política, incluyendo el cine y la muy reiterada ley del mecenazgo.
A continuación los comentarios más concretos, tal y como aparecen en la propia página de La Moncloa o en la del Ministerio:

Ley de Propiedad Intelectual y supresión del Canon Digital
Según Wert, el proyecto de Ley de Propiedad Intelectual se basará "en claves digitales" y "servirá de soporte al talento, a la libertad creadora y a la innovación".
Sobre la medida de supresión del Canon Digital, el titular de Educación, Cultura y Deporte ha resaltado que "es una medida de carácter provisional que el Gobierno ha adoptado hasta que la Unión Europea armonice de forma comunitaria la compensación previas para el 2013, en el mejor de los casos". El objetivo del modelo introducido por el Gobierno, mediante el cual se establecerá reglamentariamente el procedimiento de pago a los perceptores de la compensación equitativa con cargo a los Presupuestos Generales del Estado, es encontrar una forma más eficaz y más justa de la que preveía el canon suprimido, "incrementando la eficacia en la gestión y mejorando los mecanismos de compensación", ha explicado José Ignacio Wert.

Museos
José Ignacio Wert ha anunciado que en referencia al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, se reforzará el Real Patronato del Museo, se creará una Fundación para financiar y apoyar el desarrollo del Museo y se pondrá en funcionamiento una Sociedad Mercantil que aglutine los temas vinculados con la distribución de publicaciones, patrocinios, gestión de espacios o "merchandising".

Toros
El ministro ha subrayado el hecho de la ubicación en la Secretaría de Estado de Cultura de las competencias del Estado sobre el fomento y la protección de la tauromaquia como disciplina artística y de la fiesta de los toros, al considerarla "producto y bien cultural".

Sin retórica demagógica: José Ignacio Wert apuesta por replantear la forma de recaudar los "derechos" de las grandes corporaciones y empresas de la industria del entretenimiento. Y me atrevo a vaticinar que emplearán el mismo argumento falaz: "con ello se protege a los creadores". A pesar de la corrupción documentada en el modelo precedente, no debemos hacernos ilusiones e imaginar un cambio en favor de los consumidores, porque los políticos del PP apuestan sistemáticamente por la gestión privada y... ¿las comisiones?; y la recaudación de "derechos" es, ante todo, un problema de gestión... y de comisiones.
También apuesta por las fundaciones (¿sin ánimo de lucro?) para gestionar la acción museística y, por las "sociedades mercantiles" para hacer frente a los negocios asociados a la acción museística... ¿Más comisiones?
Si alguien esperaba una iniciativa "integradora" (estatal) para atender a las necesidades de los museos no emblemáticos, estará muy defraudado.
Tampoco habrá cambio significativo en el prisma empleado para contemplar el fenómeno taurino. Ofrece dar un paso más en la intención de considerar la fiesta de los toros como bien de interés cultural, que conduciría a un choque frontal con la Generalitat. Ya veremos si tienen bemoles para recuperar la "fiesta" con el apoyo de la legión... Tampoco se me ocurre cómo celebrar una corrida de toros en Las Arenas...
¿La tauromaquia es una "disciplina artística"? De hecho, la concesión de Medallas al Mérito en las Bellas Artes indicaba tácitamente en esa dirección. ¿No se le ha ocurrido a nadie crear un "grado en tauromaquia" en la facultad de Bellas Artes? ¿Y a qué esperamos? Creo que el mayor escollo estaría en decidir qué departamento debiera tomar la iniciativa... porque no sé si sería sensato crear uno nuevo en tiempo de crisis, cuando no hay dinero ni para folios.
¿Habló de poner en marcha alguna fórmula de respaldo activo a los jóvenes creadores españoles en el contexto internacional? Como a Vincent Vega, las necesidades triviales me impidieron escuchar todo el discurso... Pero seguro que habló de ello.
¿Y de la conservación del patrimonio arquitectónico en las regiones con menos recursos?

Sintetizando... Continuidad absoluta.

Paul, un dibujante peculiar

2012-02-04T11:41:00.000-08:00

A mediados de abril de 2004 la prensa española informaba sobre el proyecto Aikon II, que, dirigido por Patrick Tresset — formado como dibujante, con algunos años de experiencia— y Frederic Foy Leymarie, ofrecía resultados sorprendentes: un robot era capaz de "dibujar" con resultados gráficos afines a los de un dibujante humanos.
El robot, al que llaman Paul, ha evolucionado con el tiempo y ya es capaz de dibujar con el "estilo" del propio Patrick. Los dibujos han encajado bien en el mercado artístico, que ya ha absorbido más de 400 "obras".

Tresset ha indicado que no ve muchas dificultades para construir un robot capaz de dibujar con "estilo propio"...

Marzo negro

2012-02-02T16:49:00.000-08:00

Anonymus convoca una huelga de consumo cultural durante el próximo mes de marzo para intentar frenar las leyes y acuerdos internacionales concebidos para defender los intereses de la industria audiovisual.

Supongo que a estas alturas nadie seguirá "creyendo" que se trata de una confrontación entre buenos (los creadores) y malos (los "piratas"). Sólo es un conflicto de intereses, entre la "industria cultural" y los consumidores.

La colección de la CAM

2012-02-02T14:49:00.000-08:00

Cuando la CAM (Caja de Ahorros del Mediterráneo) ya estaba intervenida por el Banco de España, su colección artística, compuesta por 215 obras valoradas en poco más de 10 millones de euros, fue "transferida" al Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, días antes de que la entidad financiera fuera adquirida por el Banco de Sabadell. El acuerdo fue un comodato —especie de "alquiler gratuito"— que, según recogía The Art Newspaper, garantiza la permanencia de las obras en Alicante, cualesquiera que sean las circunstancias de las entidades financieras implicadas en él.
La noticia, que destila dudas incómodas, ha tenido escasísima repercusión en los medios españoles especializados.

La imagen procede de The Art Newspaper

Educación, cultura y deporte

2012-02-01T16:40:00.000-08:00

Alguien se estará preguntando aún por qué don José Ignacio Wert Ortega es "Ministro de Educación, Cultura y Deporte2 (de momento, con mayúsculas)... ¿Educación, cultura y deporte?
Un equipo de fútbol italiano (Novara) está patrocinando una exposición de la colección del príncipe de Liechtenstein, que contiene obras de Rubens, Canaletto, Bruegel, Rembrandt, entre otros. Todas la obras son propiedad de Hans Adam II, príncipe de Liechtenstein. Massimo De Salvo, que es administrador delegado de la sociedad "Calcio Novara" ha explicado:
"Per noi calcio significa sport ma anche salute e intrattenimento sano e socialmente aggregante. La nostra società investe molto nell'educazione e nella crescita dei giovani. In tale ottica si pone il sostegno al progetto culturale del Forte di Bard, perchè accostare al mondo calcistico le meraviglie dell'arte significa per noi spendere un messaggio nuovo e qualificante".

A ver si toma nota don Florentino, que es persona de reconocida magnanimidad...

La Gioconda de El Prado se convierte en noticia de primera página en todo el mundo

2012-02-01T15:57:00.000-08:00

Aunque en los ambientes especializados ya se conocían algunos detalles desde 15 días atrás, The Art Newspaper ha destapado una noticia que se pretendía silenciar hasta que se completaran los estudios en curso: la Gioconda del Prado no es la copia tardía, que "todos" suponíamos, sino algo muy diferente.
Ha bastado con medirla, analizarla mediante rayos X y limpiarla con delicadeza, para descubrir que la pintura guardaba con el original de El Louvre muchas coincidencias; tantas que, con cierta timidez, los especialistas de El Prado se han aventurado a plantear su factura en el mismísimo taller de Leonardo, aunque no por su mano sino por la de Francesco Melzi o acaso de Andrea Salai. El repinte negro eliminado habría sido añadido 200 años después de su realización...

El mundo del arte se ha revolucionado porque, aunque suene a petulancia cañí, ahora mismo, tal y como ha quedado, la pintura de El Prado informa visualmente mejor sobre el original de Leonardo que la de El Louvre, puesto que aquella ha sido limpiada y despojada de barnices antiguos y, por lo visto, los gestores del museo francés no se deciden a tocar el cutis de una imagen tan sacralizada; es difícil decidir si los sedimentos del tiempo forman parte de la obra o no. Y sobre todo, porque la documentación de esta actividad "copista" podría forzar sorpresas en la catalogación de otras pinturas procedentes del mismo taller...

Me pregunto cuánto tiempo pasará hasta que se retiren todos los repintes de nuestro gran museo... La lentitud del proceso puede obedecer al terror que infunden las transformaciones radicales. Yo mismo lo he experimentado: me imagino la Gioconda de El Louvre limpia y se me escapan lágrimas tan grandes como olivas... ¿Se imagina alguien el resultado de "limpiar" las pinturas negras de Goya?

Camille y Rodin

2012-01-31T14:40:00.000-08:00

Por Raquel de la Cruz

La figura de Rodin se erige como una de las más relevantes en la historia del arte. Ya sea por su nueva concepción de la escultura, basada en una renovación formulada desde su más pura esencia, despojándola de la carga impuesta por el conservadurismo de la tradición académica.
“(...) La belleza no es un punto de partida, sino un resultado, pues la belleza reside únicamente allí donde hay verdad...” Ésta es una de las máximas más importantes del siglo XX y algo que pondrá de manifiesto Rodin en sus obras, pues éstas no son sólo bellas sino, y esto es lo más importante, reales, verdaderas.

En esta búsqueda de la verdad, Rodin da pasos decisivos para acercar la escultura al mundo de lo real. Así, mantiene que la escultura no se debe plantear desde un punto de vista privilegiado, que subordine a los demás, sino que, contrariamente a la tradición, piensa que debe poder verse y entenderse desde todos los puntos de vista posibles, de manera que el escultor al irla creando y el espectador al contemplarla, deben girar alrededor de ella, creando una realidad compleja hecha de sucesivos y continuos puntos de vista, y no como una “realidad” de una sola imagen. Es por esto que Rodin desarrolla la llamada “técnica de los perfiles”, consistente en tomar apuntes de todos los ángulos posibles, moviéndose alrededor del modelo y haciéndolo girar, construyendo así una sucesión de vistas conectadas que facilitan la sensación de flujo, de movimiento continuo, propio de sus obras.
Rodin trabaja simultáneamente todos los puntos de vista, girando constantemente y haciendo dibujos sucesivos de todos los planos. Éste sistema sigue vigente aún hoy, más de cien años después.
Asimismo, perceptualmente, es muy relevante que cuestionara los viejos pedestales y los reinterpretara, consiguiendo que éstos formaran parte de la “figura”, que dialogaran con ella y dejaran de ser elementos fríos y excluidos como lo habían sido toda la tradición.
En cuanto al tratamiento del tema, Rodin rehuyó los revestimientos de pretexto mitológico y narrativo, dando lugar a que se diera un paso decisivo en la historia del arte, ya que para ser admitido, hasta el momento, el desnudo ( sobre todo el femenino), debía estar justificado y, además, “corregido”; véase los habituales velos, las manos hábilmente dispuestas ocultando la naturaleza de la mujer...
En la actualidad Rodin supone un claro referente para profesionales y estudiantes por su técnica depurada, la fuerza en potencia de sus esculturas y mil razones más, pero no nos engañemos: no podemos perder de vista el gran trabajo de devastación, modelado, tallado y en ocasiones, acabado que le debe a su equipo de escultores de los que poco o nada se sabe y de los que poco o nada se quiere o se tiene el conocimiento para hablar.

¿ Es el artífice de “Balzac” el autor de tantas y tantas obras como se quiere mostrar al público, aun sabiendo lo cercanos que son estilos de él y su amada y odiada Camille?
Este tema suscitó mucha polémica, aunque parece que no la suficiente. Todavía no tengo noticias de la intención de crear un museo Camille Claudel; sin embargo, la figura de Rodin disfruta de uno propio en París.
Camille Claudel, escultora apenas conocida y admirada a pesar de su indudable talento y sensibilidad, entró a trabajar como operaria en el taller de Rodin a los dieciocho años. “Suerte” que fue rescatada de un “taller de señoritas” por petición expresa del escultor.
Allí pronto destacará por su inusitada habilidad técnica, hecho que, desde ese momento, hará que trabaje en los proyectos más ambiciosos del maestro, explotando todo su potencial y trabajando largas jornadas en el taller.
Poco a poco, la mera relación laboral entre maestro y alumna se convierte en una apasionada aventura que atará a Camille más de lo que debería a Rodin. Así, se convirtió no sólo en su operaria preferida y más efectiva, sino también en su musa y su modelo personal.
Camille se dedicaba casi con exclusividad a los proyectos de Rodin y apenas le dedicaba tiempo a desarrollar una obra propia que le diera mayor reconocimiento por parte de la crítica parisina, muy incisiva con ella y con las piezas que lograba sacar adelante.
No resulta complicado imaginar que la vida de una escultora del París de mediados del siglo XIX no sería fácil . Pues bien, la de Camille no iba a ser diferente. Aparte de tener que vivir a la sombra de Rodin, Camille tuvo que sufrir que él la abandonara por su otra amante Rose Beuret, a la que estaba unido por un hijo en común y por una relación afectiva; que su familia casi la repudiara por completo, con excepción de su padre del que tuvo apoyo desde el principio y de su hermano pequeño Paul.
No bastando con esto, la crítica parisina se ensañaba con ella y la menospreciaba alegando ver la mano de Rodin en todas y cada una de sus esculturas.

Totalmente absorbida por el trabajo del taller de Rodin y después del primer abandono, Camille decide instalarse por su cuenta. Esto no será tan satisfactorio como ella pensaba y gastó las pocas energías que tenía en lidiar con modelos que trabajaban intermitentemente, con operarios que la desautorizaban y encargos que no se producían. Camille se encuentra entonces en la más absoluta miseria.
Pasado un tiempo, se produce un reencuentro y un nuevo abandono por parte de Rodin. Ella, después de un aborto y una temporada de retiro, entra en un estado depresivo que la lleva a convertirse momentáneamente en una iconoclasta de su propia producción.

Esto llega a oídos de su hermano Paul y del resto de su familia que, poniéndose en contacto con Rodin, deciden que la mejor solución es internar a la escultora en un sanatorio psiquiátrico en aras de que mejore su estado mental. Tanto es así que cierto día de marzo de 1913 unos enfermeros del psiquiátrico de Ville-Evrard, entran en su apartamento y se la llevan. Ella, en una carta a un amigo suyo lo describe de la siguiente manera: [“...dos locos furiosos entraron en mi casa, me agarraron por los codos y me echaron por la ventana de mi apartamento dentro de un automóvil que me condujo a un manicomio.

Ignoro mi dirección si usted pudiera encontrarla, dígamela. Es Rodin que se venga y quiere meter mano en mi taller. Si puede usted darse una vuelta por mi apartamento para ver lo que pasa, dígamelo...”]
Al cabo de unos meses, Camille es trasladada al Sanatorio de Montdeverges, en el que pasará el resto de su vida y donde morirá, 30 años después, alejada de todo contacto con el exterior y condenada a la soledad más absoluta.
Se sabe que la familia Claudel mantuvo relación epistolar con Rodin y que prohibieron que Camille la tuviera con persona alguna del exterior. Por supuesto nunca fueron a visitarla y tampoco se le permitió a ella salir del psiquiátrico. A pesar de esto, Camille mandó numerosas cartas a su hermano Paul pidiéndole que la sacara de allí, pero nunca obtuvo respuesta.

Como dato curioso deseo desvelar la existencia de una carta de Camille en la que ella hace inventario de las cosas que había en el taller justo cuando fueron a por ella. Su producción desde los 14 años:
 Doce álbumes con 500 dibujos cada uno.
 Álbumes antiguos.
 Resguardos del Monte de Piedad.
 Utensilios, caballetes...
 Tapices, alfombras, objetos antiguos.
 500 modelos en escayola o arcilla.
Sobra decir que de todo esto nos ha llegado una mínima parte y aún hoy siguen saliendo a la luz esculturas que se le atribuían a Rodin y que, sin embargo, pertenecen a Camille.
Asimismo, me veo en la obligación moral de desvelar que durante los últimos meses que la escultora gozó de libertad en su taller, no se atrevía a salir a la calle por miedo a que entraran a robarle bocetos y dibujos como, al parecer, había ocurrido anteriormente más de una vez.
Camille pudo convertirse en una de las mejores escultoras de toda la historia del arte, de no haber sido por su condición de mujer en un mundo de hombres.
Aún hoy esta escultora a la que cortaron las alas a la edad de 49 años, no tiene el reconocimiento que un poco de buena voluntad por devolverle la autoría de sus obras podría otorgarle.

Padres que deberían ser ¿encarcelados?

2012-01-31T14:05:00.000-08:00

Por María Gil González

Cuando de vez en cuando escuchamos en alguna tertulia o leemos algún artículo donde hablan sobre esos padres que ponen todas sus esperanzas en los hijos para que se conviertan en aquello que ellos no pudieron ser, solemos pensar que el padre que es abogado quiere que su hijo siga su legado, el que es arquitecto pues lo mismo, y a la vez rechazamos ese tipo de educación, porque los niños deben ser quienes decidan qué quieren ser. Solemos tener a alguien conocido que de tanto decirle al niño que lo mejor es ser arquitecto, el niño en arquitecto se convirtió.

A mediados de este mes, di con una noticia donde una madre tenía puestas todas sus ilusiones en su hija de siete años. Esto no sería llamativo si no fuera por lo siguiente:
La madre, una chalada británica de 51 años, es popularmente conocida como “la barbie humana”, pero no por su pelo rubio oxigenado, sino por la cantidad de operaciones de estética a las que se ha sometido para llegar a parecerse a la muñeca. Para el cumpleaños de Poppy, su hija de siete años, le regaló un vale para una operación de aumento de pecho, pero como el regalo parecía incompleto, estas navidades lo aumentó con otro vale para una liposucción. ¿De dónde ha salido estas mujer? Con lo mencionado anteriormente ya nos hacemos a una idea del número reducido de neuronas de esta fantástica madre, pero aun así, pongamos una cita textual de la señora:
“Pregunta por las cirugías todo el tiempo. Quiere verse bien y la lipo es una de esas operaciones que puede ser muy útil.”
¡A esta mujer le falta un hervor!
Creo que todos tenemos claro que cada padre debe educar a su hijo como crea conveniente, siempre y cuando la poca falta de luces de éste no interfiera de manera negativa en el niño, convirtiéndolo así en el espejo de un ejemplo a no seguir.

Otro cartel... sorprendente

2012-01-31T13:25:00.000-08:00

Es el cartel ganador del concurso realizado con ocasión de los carnavales de este año. Gestionó el proceso la empresa Macsa (Madrid Arte y Cultura, S.A.), "sociedad anónima de capital municipal", que tiene a su cargo la gestión de diversas actividades culturales del Ayuntamiento de Madrid a quien éste tiene encomendadas múltiples actividades culturales, entre las que destacan la gestión de los teatros Español y Fernán Gómez, el circo Price y el Palacio Cibeles.

El parecido con un cartel presentado por el mismo estudio (Nos Visual) en Gerona el año pasado y que allí no fue elegido, no es suficiente para deducir que el presentado en Madrid no es original e inédito como establecían las bases. Así, pues, todo ha sido legal.
Obviamente, la estrategia reiterativa de Nos Visual no se hubiera advertido de no ser por el incidente del cartel olímpico, pero el caso viene bien para ilustrar cómo se está gestionando la cuestión cultural en la actualidad —y no sólo bajo control del PP—. Según un documento que se puede leer en la propia página web de Madrid Arte y Cultura, S.A, la "sociedad anónima de capital municpal" tiene por objeto:

"1. - La gestión de programas y actividades culturales y artísticas, la organización, apoyo y difusión de las mismas, la promoción de iniciativas públicas y privadas en dicho ámbito, incluyendo la colaboración con entidades públicas y privadas de carácter nacional e internacional, el asesoramiento, la realización de estudios, la formación de artistas y técnicos relacionados con dichas actividades y la prestación de todos los servicios e infraestructuras integrantes o complementarios de estos programas y actividades.

2.- La gestión del Palacio de Cibeles, del Teatro Español, del Teatro Fernán-Gómez, del Teatro Circo Price y de cualquier otro centro cultural, espacio, recinto y/o dependencia cuya gestión le fuera encomendada o autorizada, temporal o indefinidamente, por el Ayuntamiento de Madrid, incluida la contratación y ejecución de las obras, instalaciones, servicios y suministros para los mismos y la contratación relacionada con:

a) La organización y ejecución de toda clase de espectáculos, expresiones, actividades y manifestaciones artísticas y culturales, tales como obras teatrales, exposiciones, productos audiovisuales, actuaciones de danza, circenses o musicales, representaciones y recitales, ya sean de producción propia, compartida o ajena, así como su comunicación pública, difusión y distribución.

b) La organización y ejecución de producciones audiovisuales, cinematográficas y fonográficas, así como su comunicación, difusión y distribución en cualquier soporte.

c) La investigación y creación de fondos documentales y bibliográficos así como la recopilación, documentación y grabación de las actividades realizadas y su archivo, comunicación, difusión, edición, distribución y comercialización, por sí o por tercero, en cualquier soporte.

d) La elaboración, compra-venta y comercialización, incluida la distribución publicitaria, de todo tipo de productos y servicios relacionados con los centros gestionados o las

actividades desarrolladas en ellos.

e) La organización y prestación de toda clase de servicios relacionados con la formación y la educación en materias relacionadas con el arte y la cultura, como cursos, seminarios, clases magistrales, intercambios, estancias o el establecimiento de Compañías Residentes.

f) La organización y gestión de servicios relativos a la información y difusión de las actividades culturales y artísticas de los propios Centros o ajenas a los mismos, incluida la organización y explotación de visitas guiadas.

g) La explotación de las tiendas, cafeterías, bares, restaurantes, aparcamientos, establecimientos comerciales, locales, dependencias y servicios integrantes o adscritos a los mismos.

h) La explotación de los centros, espacios, recintos o dependencias que gestione, mediante el arrendamiento o cesión de sus salas, dependencias, servicios e instalaciones a los terceros que lo soliciten, o al propio Ayuntamiento de Madrid."

¿Formación de artistas? ¿Ejecución de producciones audiovisuales y cinematográficas? Supongo que los ejecutivos de esta empresa trabajarán gratis en ella para reintegrar a Madrid lo mucho que Madrid les ha dado.

El espacio del arte y la cultura se amplia considerablemente y, al mismo tiempo, la diversión está garantizada, porque, desde esa estructura, es fácil imaginar los criterios empleados para repartir premios o "arreglar carteles".

Luis Pastor

2012-01-31T12:25:00.000-08:00

EN PELIGRO DE EXTINCIÓN

2012-01-31T09:40:00.000-08:00

Por Elvira Inés Lorenzo Lorenzo

El viernes 13 de enero tuve la oportunidad de asistir a la exposición, PECADOS CAPITALES realizada por los alumnos de la facultad de bellas artes y propuesta por el profesor Fernando Barredo en el círculo de artes de Toledo, antigua iglesia de San Vicente que hoy es un centro cultural.
La exposición ocupaba la sala principal del círculo de artes con seis retablos de acero, de tres metros de anchura por otros tres de altura, conteniendo cada uno de ellos 144 huecos cuadrados de 25 x 25 x 6,5 cm. En los cuales estaban expuestos dibujos, pinturas, collages, fotografías, relieves, etc. Cada uno de los seis retablos trataba un pecado capital: lujuria, avaricia, gula, pereza, ira, envidia y el séptimo, la soberbia que fue representado por medio de un happenig creado einterpretado por los alumnos de escenografía de la facultad.
“Escenografía”, asignatura que esta en grave peligro de extinción junto con muchas otras, gracias a la imposición de los “maravillosos grados”, cosa que no acabo de entender. Quitar opciones a los estudiantes no es la mejor manera de mejorar la calidad educativa.
No contentos con esto, este año para rematar a la ya mal herida facultad, han quitado la subvención que les venían dando para poder hacer actividades fuera de la universidad, que sobretodo, en esta asignaturaes esencial ya que consiste en montar y diseñar escenarios, repito“escenarios” ¿Cuántos escenarios habéis visto en la facultad de bellas artes?
Los alumnos de bellas artes desde la asignatura de escenografía llevan cuatro años participando, en el círculo de arte de Toledo, con happenigs como este.
Emboscada,Lección de anatomía y MolinRouge, son los happening de años anteriores, en los que hay una notable diferencia respecto al de este año, que finalmente quedó en muy poquita cosa comparándolo con los mencionados, en los que se ve mas complejidad, más calidad, más material,más tiempo etc.
Aunque he de decir que contando con las condiciones y recursos que tenían los alumnos de escenografía este año, lo que hicieron fue una verdadera obra de arte porque además de preparar todo con dinero de su propio bolsillo, estuvieron trabajando la mayoría del cuatrimestre sin profesor , de manera casi autodidacta, ya que el profesor estaba de baja.Total para una asignatura cuatrimestral ¡y encima escenografía! Para que molestarse en buscar a un sustituto que además habría que pagar, que se las apañen los alumnos.
http://www.circuloartetoledo.org/arte-ritual/happenings

Citas...

2012-01-30T15:06:00.000-08:00

Charles Baudelaire: "¿Qué es el arte? Prostitución"

George Bernard Shaw: "Los espejos se emplean para verse la cara; el arte para verse el alma"

Madrid 2020. Ciudad aspirante

2012-01-30T15:02:00.000-08:00

Es claro, limpio, diáfano, pero... ¡¿con faltas de ortografía?!
—Son cosas del tipo de letra elegido —responden.
Empezamos bien, con tipografía que permite imaginar tildes caprichosas, y una concepción de cartel, que podría pasar a los manuales perceptivos como ejemplo de ambigüedad. El problema perceptivo parece obvio: ¿qué debemos "leer" sobre fondo de guante cromático inspirado en la Puerta de Alcalá, m20 o 20020? ¿Puerta de Alcalá o diadema-plumero de indio norteamericano?

Sea como fuere, nuestras autoridades se empeñan en jugar a la lotería de la designación olímpica sin calibrar con realismo las posibilidades propias y, seguramente, por ello, aparecen situaciones tan chuscas como las ofrecidas por un cartel adecuado también para dentro de 18.000 años... ¿Seguirán celebrándose Juegos Olímpicos? ¿Seguirá el alcalde de Madrid intentándolo?
Pajaritos contra corderos a que en pocos días aparecen carteles "mejorados"...
Las autoridades municipales han dicho públicamente que no se realizará ninguna obra antes de haber conseguido la designación...
Y aunque no lo han dicho públicamente, mis informantes del PP me han comentado sigilosamente que la alcaldesa ha comunicado a sus colaboradores más próximos que, como han recibido tanto de Madrid, deberán costear de sus propios bolsillos los viajes que realicen por el ancho mundo para hacer campaña...
¿Me han tomado el pelo? Si pretende gestionar las instituciones culturales con voluntarios, parece natural que, en tiempo de crisis, los altos cargos municipales hagan turismo pagando de su propio bolsillo y no mediante justificaciones difíciles de asumir desde el sentido común.

ACTA

2012-01-29T15:26:00.000-08:00

Por Clara Fernández Núñez

“ACTA (del inglés Anti-Counterfeiting Trade Agreement, traducido como Acuerdo comercial anti-falsificación) es un acuerdo multilateral voluntario que propone fijar protección y respaldo a la propiedad intelectual”
ACTA no es algo novedoso, sus negociaciones se llevan a cabo desde el 2008 y no pertenecen a ninguna organización internacional. ¿Cómo? Si a casi todo el mundo le suena esto de hace unos meses, ¿Cómo es esto posible? La verdad es que las negociaciones de ACTA se han estado llevando en secreto.
Secreto, que mal rollo, ¿por qué nos ocultan esto? ¿Qué tiene ese acuerdo de malo para que no pueda ser público?
Ya lo que es la palabra falsificación, propiedad intelectual… a mucha gente le pone los pelos de punta ya que estemos de acuerdo o no con ello, lo primero que se piensa cuando se oye eso es: ya se están cargando las descargas gratuitas.
En España la “piratería” solo es lo que hacen los vendedores ambulantes que salen corriendo cuando llega la policía, no está contemplado como crimen o que sea algo malo el compartir algo que has comprado. El pequeño problema de esto es que antes se compartía de mano en mano, y claro, la cosa era más lenta. Ahora con internet se “comparte” de una manera rapidísima e inimaginable para quien formuló la ley hace años.
Este acuerdo, a grandes rasgos, lo que intenta es poner fin a ese compañerismo que nos caracteriza cuando entramos en la red.
Al margen de discusiones como las que se pueden oír últimamente en todos los sitos: claro, quieren que no nos podamos bajar cosas para que paguemos esos precios desorbitados, etc, hay personas que ven lógico que haya que pagar por el trabajo, y que las cosas no sean gratis (al margen de que luego piensen que los actuales precios son una pasada) y personas que simplemente quieren vivir del cuento y seguir como hasta ahora.
Ya solo con este tema la polémica está servida, pero es que hay más, porque si solo quieren defender la propiedad privada defendiendo así a muchos artistas y facilitándoles el poder cobrar por su trabajo (dejemos a un lado que también defienden a las grandes compañías que simplemente se van a forrar más), ¿por qué las negociaciones son tan secretas? Aunque una parte de la población se les tire a la yugular, ¿no sería mejor intentar explicar abiertamente los beneficios para estas personas y que es necesaria una actualización de los conceptos de piratería?
Bueno, nos adentramos ya en el meollo de la situación, y es que en marzo de 2010, la UE publicó el borrador de ACTA tras la octava ronda de negociaciones después de que el Parlamento europeo mostró su desacuerdo con el secretismo de estas.
Este borrador se vende como he explicado arriba, pero si nos atenemos al pacto en sí por lo visto no es tan claro y tan bonito como lo intentan vender. De hecho se denuncia en todos sitios que es extremadamente impreciso y da lugar a numerosas interpretaciones. Estas interpretaciones pueden resultar en algunos casos bastante peligrosas, ya que para conservar la propiedad intelectual pueden imponer multas (aunque no aclara la manera en la que se fijaran la cuantía de estas multas) a quien incumpla el acuerdo, e incluso puede ser detenido.
Pensemos: si el acuerdo es muy difuso, y según las interpretaciones nos pueden hacer pagar una multa, esto ya definitivamente da muy mala espina. Aquí es donde entran en juego las especulaciones sobre esas interpretaciones, que van desde la restricción de los derechos de libre expresión, pasando por la preocupación de que se incremente de la inseguridad jurídica, ya que en teoría se autorizará a los titulares de derechos a obtener información sobre los infractores en la Red por parte de los operadores, hasta llegar a situaciones surrealistas donde en teoría pasar los datos de un CD original al ordenador podría ser considerado una infracción.
“Ante el temor de las sanciones penales, los proveedores de acceso y buscadores filtrarían los contenidos y, en caso de no hacerlo satisfactoriamente, podrían verse acusados de un delito. Japón y estados unidos apoyan la creación de un comité que controlaría la aplicación y reforma del tratado y que, como han subrayado varios analistas, podría suponer la creación de una institución legislativa sin ningún control democrático.”
Es de especial interés también, tener en cuenta un pequeño dato: la palabra Internet no figura en ese borrador, en su lugar se usa “entornos digitales”. Puede que sea una tontería, pero parece que quieren decir que Internet como se conoce ahora mismo en la práctica de este tratado pasará a ser un “entorno digital” (Ojala supiésemos que connotaciones conlleva exactamente ese término).
Eso sí, el texto, después de todo eso, añade que los procedimientos que se pacten deben respetar la privacidad y la libertad de expresión.
“El 25 de enero de 2012, John Clancy, portavoz del comisario de Comercio Karel de Gucht ya hizo las primeras declaraciones para calmar los ánimos de la comunidad de Internet. “ACTA”, aseguró, “no restringe la libertad de Internet ni propone la censura de webs. El tratado quiere garantizar que las organizaciones criminales sean perseguidas cuando roban la propiedad intelectual, dañando la innovación y destruyendo empleo.” Clancy insistió en que no interfiere en la manera en que usamos Internet en nuestra vida cotidiana. “Los ciudadanos podrán seguir usando las redes sociales como Facebook o Twitter como en el pasado”, aseguró”.
El comisario de comercio, Karel de Gucht, a su vez asegura: "El tratado quiere garantizar que las organizaciones criminales sean perseguidas cuando roban la propiedad intelectual, dañando la innovación y destruyendo empleo". También comenta que no se restringirán libertades ni se censurarán páginas web.
La verdad es que eso quizá se lo tendría que contar a Megaupload…
En fin, creo que ha quedado claro, por medio de infinitos ejemplos, que el acuerdo parece ser de momento algo chapucerillo, y encima se pretende poner duro con nosotros…
¿En qué estado se encuentra ACTA?
La Unión Europea suscribió el 27 de enero de 2012 en Japón el ACTA. Han firmado este acuerdo los embajadores de los siguientes países: Austria, Bélgica, Bulgaria, República Checa, Dinamarca, Finlandia, Francia, Grecia, Hungría, Irlanda, Italia, Letonia, Lituania, Luxemburgo, Malta, Polonia, Portugal, Rumania, Eslovenia, ESPAÑA, Suecia y el Reino Unido.
Los países que todavía no han formado, pero que se espera que firmen el acuerdo más adelante son: Chipre, Estonia, Eslovaquia, Alemania y Holanda.
Después de la lubricación de estas firmas, a ACTA solo le queda pasar por el Parlamento Europeo, pero no todo va viento en popa: “el principal ponente del tratado en el Parlamento, el eurodiputado Kader Arif, ha presentado su dimisión como tal”. Considera que el proceso es una “mascarada”.
Arif explica que debe denunciar el proceso que ha conducido a la firma del acuerdo “sin participación de la sociedad civil, con falta de transparencia dese el inicio de las negociaciones, sucesivas firmas del texto sin explicaciones y descartando las reivindicaciones del Parlamento expresadas en muchas resoluciones”.
Como ponente del texto, asegura, ha sido testigo de “maniobras inéditas de la derecha de este Parlamento para imponer un calendario acelerado intentado validar el tratado antes de que la opinión pública fuera alertada de su contenido, privando de hecho al Parlamento de su derecho de expresión y de emplear las herramientas a su disposición para incorporar las reivindicaciones legítimas de los ciudadanos”.
La verdad es que hay bastante gente que está plantando cara al acuerdo, desde la wiki, pasando por google, hasta un agresivo grupo que se hace llamar Anonymous, pero tal y como se están poniendo las cosas, se están haciendo intentonas a todos los niveles por conseguir detener las descargas “ilegales”, y para mí que antes o después alguna de estas saldrá adelante.

Fuentes:

http://en.wikipedia.org/wiki/Anti-Counterfeiting_Trade_Agreement
http://tecnologia.elpais.com/tecnologia/2012/01/27/actualidad/1327651155_195791.html
http://www.20minutos.es/noticia/1289408/0/claves/acta/pirateria/
http://www.elpais.com/articulo/tecnologia/filtracion/tratado/ACTA/confirma/temores/internautas/elpeputec/20100326elpeputec_3/Tes
http://mediadecoder.blogs.nytimes.com/2012/01/18/the-breakfast-meeting-wikipedia-turns-off-the-lights/?scp=2&sq=ACTA&st=cse
http://tecnologia.elpais.com/tecnologia/2012/01/26/actualidad/1327601242_933321.html
http://www.tercerainformacion.es/spip.php?article33391

"Arquitectura española (1975-2010) + 35 años construyendo democracia"

2012-01-29T12:01:00.000-08:00

La exposición fue inaugurada el pasado 26 de enero en La Arquería (Nuevos Ministerios); ofrece más de 200 proyectos de 130 estudios de arquitectos, ha sido organizada por el Ministerio de Fomento y comisariada por Antonio Ruiz Barbarin y Héctor Barrio (arquitectos). La patrocinan Repsol y la fundación ACS, además de contar con la participación de Iguzzini y Otis.

Desconcierta el título. ¿Construyendo democracia? Acaso hubiera sido más apropiado: "dando forma a la burbuja inmobiliaria"... Aunque ya se sabe que en asuntos estéticos, prevalecen los eufemismos. Así, pues, debemos asumir que quienes propiciaron la burbuja inmobiliaria, en realidad, estaban "construyendo democracia"... ¿ Indignados, os habéis enterado?
Según la web oficial...

"El objetivo de esta muestra es lograr que el visitante pueda apreciar la transformación del paisaje urbano español a través de un recorrido cronológico. Toda la arquitectura se materializa en ámbitos como la salud, la vivienda, la educación, el transporte, el deporte, la cultura o el medio ambiente a través de la construcción de edificios e infraestructuras".

Demasiada ambición para recursos tan aquilatados y para una sala bien diseñada como refugio antiaéreo; la idea hubiera sido más propia para las salas infinitas del Reina Sofía. El espacio dedicado a cada proyecto es demasiado angosto, demasiado limitado para ofrecer un discurso coherente y, sobre todo, para explicar por qué se han elegido determinados proyectos y no otros; qué cualidades les hacen o hacían relevantes, qué proyección tuvieron en los años sucesivos...
Seguramente, por la voluntad irónica de sus comisarios, lo que hay en La Arquería se parece bastante a una exposición itinerante o, mejor, en tránsito, almacenada en cajas y nichos, en el contenedor de un puerto... En alguna maqueta aún se apreciaban pegatinas antiguas: "Mostra Internazionale dei Architettura 2004"...
Dan ganas de preguntar a la persona que, a la entrada, con extrema amabilidad, informa a los visitantes, cuándo procederán al desembalaje y dónde se podrá ver la exposición.
Lo peor: la página web, manifiestamente mejorable. Exposiciones como ésta otorgan utilidad divulgativa excepcional a las posibilidades de Internet. Es posible que durante los días sucesivos se resuelva esta carencia, aunque seguramente sus gestores nunca harán la competencia al "catálogo", que puede adquirirse por la módica cantidad de 30 €. Pura cicatería.
¿Lo mejor?: contiene un repertorio sumamente heterogéneo de maquetas, que pueden dar ideas a los estudiantes de arquitectura, aunque no creo que algunas de ellas sirvieran para aprobar "Proyectos 1".

En definitiva, si debiéramos valorar la exposición atendiendo a la relación entre los objetivos perseguidos y resultados, la calificación sería muy baja. Y me temo que nos esperan muchas comparables, de objetivos grandilocuentes, bajo coste y escasa utilidad social.

Ryan Enn Hughes

2012-01-28T07:45:00.001-08:00

BALLET 360 (The 360 Project) from Ryan Enn Hughes on Vimeo.

¿Amnistía para la clase política?

2012-01-27T15:32:00.000-08:00

Hace 32 años el Ministerio de Cultura compraba a la Galería Marlborough, una pintura que había sido "símbolo" de enfrentamiento contra los rezagos del franquismo y hoy se conoce bajo dos titulaciones —según quien hable—: "El abrazo" o "Amnistía". El uso de la obra como cartel político condujo a su autor a unas breves jornadas de reflexión incomunicada en la Dirección General de Seguridad...
En una situación comparable estaba el cuadro, asimismo condenado a la reflexión contemplativa en los sótanos dramáticos del antiguo hospital de Sabatini, hasta que nuestra ilustradísima clase política —que tantas veces ha acreditado interés por el arte y la cultura, especialmente por boca del Señor Bono— ha decidido que estaría mucho mejor que en las salas de Reina Sofía en las del Congreso de los Diputados. Así lo recogen los medios:

"El director del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, ha asegurado hoy a Efe que no ve «ningún inconveniente» en autorizar la cesión temporal del cuadro «El Abrazo», de Juan Genovés, en régimen de depósito, al Congreso de los Diputados.
(...)
La obra, actualmente guardada en los almacenes del Reina Sofía, iba a pasar en marzo a la cuarta planta del museo, dentro de la ampliación de la colección permanente y una vez que concluyese en febrero la exposición temporal de Antoni Muntadas. En su pregunta, la diputada de IU pide al Gobierno que aclare si tiene intención de trasladar a la Cámara la obra del pintor valenciano, conocida también com o «Amnistía».
Según argumenta De las Heras en el escrito, esta emblemática pintura se erigió en «icono reivindicativo» de la amnistía de los presos políticos del régimen franquista y también para reclamar «la libertad de asociación política y la convocatoria de elecciones» tras la muerte de Franco".

El director del Reina Sofía enfatiza la importancia de las "Jornadas de Pamplona" y unos meses después consiente ceder —temporalmente— de la "Amnistía" de Genovés... ¿Tampoco le parece "imprescindible" una obra de tanto calado social y político? ¿No le gusta el "arte" concebido para ser un instrumento de activación social? ¿Se están reorganizando las colecciones del museo al gusto de los patrocinadores?
De nuevo he de remitirme a la "supuesta misión" de esta entidad:

"Desde el Museo se propone un concepto educativo que elimine jerarquías y muestre la facultad reactivadora de la cultura desde la convicción de la capacidad de cada uno de nosotros para redescubrir y redefinir el saber. La obra de arte constituye un territorio común para el artista y el espectador que facilita la relación con los demás y con un entorno que no percibimos como ajeno. Hace que nos veamos a la vez como sujetos y objetos de la percepción de los demás, creando espacios de sociabilidad nuevos y liberadores. Asimismo, el Museo se constituye como espacio de debate e investigación a través de seminarios y programas universitarios nacidos de la interrelación, no mediada ni jerarquizada, entre la educación y el resto de las actividades –exposiciones, colección, programas públicos– de este Museo".

¿Debate e investigación sobre el sexo de los ángeles? ¿Sobre asuntos apenas interesantes para colectivos de escasísima significación social?

Y el traslado, a instancias de IU. ¡Hay que joderse! Dicen que el propio Genovés, que es persona afable y sensata, está de acuerdo, pero... ¿No sería más lógico que, por su entidad simbólica, precisamente, estuviera al alcance del público en el Reina Sofía?
El director del Reina Sofía no ve ningún inconveniente...
¿Dónde acabarán (temporalmente) las obras del Equipo Crónica; quizás en las Corts Valencianes? Cuando se complete la nueva instalación, contemplaremos una imagen de la historia del arte español que no van a reconocer ni los consejeros estéticos de Franco, aquellos que le recomendaron tomar partido por "el arte degenerado"; que le aconsejaron dejar en los sótanos las corrientes académicas, donde permanecen pagando penitencia por el pecado de sumisión. El poder y los sótanos parecen formar parte de la misma entidad dialéctica. Pero lo más dramático es que, en ese sentido, aún no se haya decretado la amnistía estética. Los condenados en la década de los cincuenta siguen en prisión. ¡Hay que joderse!

¿A qué viene título de esta "entrada"? Vera me acusa de hermetismo por estos acertijos de retórica pobre que tanto me divierten. En este caso no es necesario recurrir a Séneca o Spinoza... Mejor, a la sentencia popular que habla de vendas y pedradas.

Sobre los museos en la actualidad

2012-01-27T12:07:00.000-08:00

Por Ana Pérez Urcelay

Desde hace varios siglos, se han ido dando una serie de definiciones de lo que es un museo.
En 1929, la revista The Museum News, publicó una definición que, en cierto modo, recogía todas las definiciones realizadas a lo largo de la historia, aunando todas ellas en la siguiente: museo es “una institución que busca la conservación de los objetos, ilustrando los fenómenos de la naturaleza y la obra del hombre, y la utilización de los objetos para el desarrollo de los conocimientos humanos, la cultura y la ilustración del pueblo”.
Posteriormente, en 1968, el ICOM, en sus estatutos amplía el concepto en su artículo 3:
Un museo es una institución permanente que conserva y expone las colecciones para fines de educación, estudio y deleite. En esta definición se establece que se considera museo a:
• Las salas de exposiciones permanentes que tienen las bibliotecas públicas y archivos.
. Los monumentos históricos y también algunas de sus partes y dependencias, y sobre todo los tesoros de las catedrales.
• Los lugares históricos (Covadonga por ejemplo).
• Los lugares arqueológicos, siempre que estén abiertos al público.
• Los ciertos jardines botánicos, zoológicos, acuarios y viveros.
En 1974, la enciclopedia británica propone una definición de museo, que se asemeja a la que aporta el ICOM, introduciendo las galerías de arte, siempre que no sean de venta de obra artística o lucrativa, e incluye también los tesoros eclesiásticos, los monumentos históricos, las exposiciones, jardines...etc.
Posteriormente, el ICOM va introduciendo nuevas formas de exhibición del arte a la definición ya dada, de esta forma:
En 1974 aportó la definición arriba mencionada.
En 1983, incluyen los planetarios.
En los años 80, incluyen además la etnografía y la antropología. En esta década, se insiste en que los museos deben estar al servicio de la sociedad, intentando hacer una sociedad que pueda ir a mejor.
En la década de los 90, introducen igualmente los museos pequeños, regionales o locales.
Finalmente, en la 22ª Conferencia General de Viena, año 2007, exponen lo siguiente:

"Un museo es una institución permanente, sin fines de lucro, al servicio de la sociedad y abierta al público, que adquiere, conserva, estudia, expone y difunde el patrimonio material e inmaterial de la humanidad con fines de estudio, educación y recreo."

Siendo esta definición, tal y como indica el ICOM, una referencia dentro de la comunidad internacional.
A través de las propias definiciones que aporta tanto el ICOM, como las diferentes entidades que se han pronunciado respecto a este tema, y la experiencia que a lo largo de los siglos se ha ido demostrando de que realmente, un museo debe ser tal y como “mandan los escritos”, uno se pregunta si el propio ICOM, es realmente consecuente con lo que dice en sus definiciones. Está claro que en general, los museos, cumplen con las funciones que deben tener los mismos: ayudan a saber, fomentar, compartir y dar a conocer a los diferentes artistas y los diferentes movimientos artísticos, desde tiempos en los que se empezó a conservar toda obra de arte existente.

Sin embargo, está la cuestión de que en España hay que pagar en la gran mayoría de los centros que albergan obras de arte, ya sean museos, galerías, etc.
Entonces, si nos ceñimos a la definición aportada por el ICOM, ¿por qué hay que pagar por algo, que tal y como dicen, debe estar al servicio de la sociedad, y que debe contribuir a que esta sea mejor? Y es más, ¿por qué pagar por entrar en un recinto que debe estar abierto al público?
Con la imposición de poder entrar, siempre y cuando se pague por adelantado (y encima hay que dar gracias porque los estudiantes entramos gratis), no se fomenta nada la cultura entre las personas, no se incita a que alguien con pocos recursos, y más en los tiempos en los que estamos (en los que evidentemente, esos 6 euros se los van a gastar en otras cosas), entre a conocer las tendencias artísticas del momento, o la obra de este o del otro artista. Es al revés, las propias instituciones crean una barrera. Conozco gente que no va a los museos porque “pasan” de pagar para ver cosas que pueden ver en Internet, en los libros de arte o incluso, cosas sin las que pueden vivir.
No me parece en absoluto nada lógico, que si todas las definiciones que existen de museo, tienen una mención dedicada a que es algo abierto al público, te cobren, como en este caso, 6 € por la entrada general, y 3€ por las exposiciones temporales. Poniendo, evidentemente, la entrada gratuita en un horario en el que prácticamente nadie va a un museo, por ser demasiado tarde, y porque con el tiempo tan reducido, no da tiempo a ver gran cosa, porque para apreciar el arte, hay que ir despacio, no pasar corriendo delante de las obras.
¿Por qué dar esa cantidad de dinero, insisto, en algo que está al servicio de la sociedad y abierto al público?
El precio de la entrada (entre otras cosas), sirve para autofinanciar los gastos que conlleva el propio museo (además de tener una cierta cantidad de dinero aportada por el Ministerio de Cultura). A mí me surgen dos preguntas. La primera es, si realmente, con el dinero de las entradas y demás aportaciones, ya sean externas o internas, se cubren todos los gastos, tendrá que sobrar cierta cantidad de dinero ¿no? Ese dinero “sobrante”, ¿realmente lo utilizan para invertir en el propio museo? Y segundo, si sobra una cantidad X de euros, ¿porqué no bajan el precio de la entrada?
Creo que los museos viven más del dinero que se dejan los turistas en su visita que el que dejan, en este caso, los propios madrileños, con lo que se me ocurre una idea que no sé si llegará a ser un tanto descabellada ¿Deberían ser los museos, gratuitos para todo aquel que viva en la misma comunidad en la que se asienta el propio museo? Quizá es un pensamiento loco, no lo sé, pero está claro que los museos, por mucho que el ICOM y las demás instituciones digan que deben estar al servicio del público y abiertos a este, no van a convertirse en gratuitos de la noche a la mañana, y que por ello, tampoco van a dejar de denominarse museo.
En mi opinión, los servicios que se supone debe prestar un museo, no se cumplen en este caso, porque para mí, dichos servicios van ligados a la gratuidad o, como mínimo, a una drástica reducción en el precio de la entrada.

FRIEKE JANSSENS Y SUS SMOKING KIDS.

2012-01-27T05:56:00.000-08:00

Por Laura Madrid

En los últimos meses, está siendo noticia la fotógrafa belga Frieke Janssens por su obra ‘Smoking Kids’, en la que los protagonistas son unos niños caracterizados con diferentes roles de adulto y pose de fumadores habituales (cigarrillo o puro incluido).
La artista se inspiró en un video de YouTube de un niño indonesio de dos años que fumaba cuarenta cigarrillos al día. El vídeo destacaba las diferencias culturales entre Oriente y Occidente y cuestionaba que fumar fuese una actividad principalmente para adultos.
Según Janssens, los fumadores adultos son la norma social, por lo que quiso darle un nuevo enfoque al tema para que el espectador se centrase únicamente en el acto de fumar en sí mismo y consideró que la mejor forma de hacerlo era crear un impacto surrealista que sirviese para concienciar sobre el propio acto de fumar.
Además, en aquella época se aprobó una ley que prohibía fumar en bares belgas por lo que hubo toda clase de protestas dirigidas el gobierno al considerar que se les trataba como a niños pequeños que no saben distinguir entre el bien y el mal.
Las imágenes, son cuanto menos inquietantes, dotadas de provocación pero con una belleza contradictoria que se halla justamente en el límite entre lo moral y lo inmoral. No podemos obviar tampoco su aire retro, que nos hace rememorar aquella época en la que fumar estaba lleno de glamour y aún podía hacerse en los lugares públicos.

Por otra parte, hay que decir, que ninguno de los niños que aparece en las fotografías estuvo expuesto al humo del tabaco durante el proyecto, ya que los aparentes puros y cigarrillos fueron sustituidos por tiza y palitos de queso, creando el humo a partir de velas y barritas de incienso.

Sin embargo, ¿es ésta una manera lícita de denunciar un acto que no nos gusta? Bajo mi punto de vista, esto es como el típico dicho: ‘haz lo que yo digo pero no hagas lo que yo hago’.
Hay muchos artistas que utilizan como forma de denuncia la realización del propio acto denunciado de una manera muy cuestionable, tales como esta artista o Santiago Sierra entre otros.
En esos casos, la mayoría de la gente sabe que sólo se trata de una obra y que no pretende incitar a llevar a cabo esa acción, sino simplemente entrar en una crítica reflexiva respecto a ella, pero el problema surge cuando estas imágenes, acciones, ect… llegan a unas manos indebidas, a unas mentes influenciables que no poseen aún los recursos suficientes para verlas como tal, pudiendo entender las mismas como ‘lo que debe hacerse’.
Una vez más la polémica vuelve a ser utilizada como forma de publicitarse. Lícito o no, a Frieke Janssens le ha salido muy bien la jugada ya que más de medio mundo habla ya de sus ‘Niños fumadores’. Esta claro que sabe muy bien como venderse.

http://theblackharbor.com/inspiration/frieke-janssens-smoking-kids/

Sobre la Facultad de Bellas Artes

2012-01-27T05:23:00.000-08:00

Por Sergio García

Tras la interesante proposición de realizar una investigación, a nivel general, de la facultad de Bellas artes, me puse a ello de inmediato. Sin duda se trata de un tema muy peliagudo, pues tras mi documentación, observo que la Complutense como entidad, eclipsa y protege en gran medida a sus facultades individualizadas. Esto dificulta la búsqueda de cualquier rasgo negativo acerca de una sola facultad.
Un dato por el que podemos encontrarla con gran facilidad, es el derrumbe de techo, ocurrido, como todos bien sabemos, en el pabellón anexo, dedicado a la disciplina de la escultura. Este incidente escribió paginas enteras en periódicos como El Mundo o el ABC, así como paginas de internet, www.Madridmemata.es. En ellas, en general, únicamente se describe el acontecimiento, acompañado siempre de las “medidas” que se tomarán “de inmediato”. Dos impresiones me han sobresaltado. La primera, está relacionada con la veracidad de la información ofrecida por estos medios, en los que se afirma que el pabellón no se utilizaría, pues aparecería acordonado hasta la solución del problema. La segunda se encuentra más relacionada con un dato muy curioso, y es que no somos la primera facultad a la que le ocurre; según mi documentación, en la facultad de veterinaria, muy cercana a la nuestra, este mismo año se desprendía parte de la fachada de un quirófano dedicado a operaciones de grandes animales.
Para poder analizar esto, debemos tener en cuenta que la Universidad Complutense no es, sino la más antigua de todas las de la comunidad. Conocida como “Universidad de Madrid” en 1843, y posteriormente bautizada con el nombre que hoy sabemos, ha vivido dos guerras Mundiales y una civil. Si bien es cierto que muchos de los edificios han sido restaurados, nuestra facultad fue construida en 1978, momento desde el cual no ha sufrido ninguna gran reconstrucción. El resultado de ello, aparece publicado en webs como la mencionada con anterioridad en la que, textualmente, la describe como: “Una de las facultades peor conservadas: escaleras comidas a cachos, techos con humedades, paredes destrozadas, etc. Y en la que, por faltar, carece hasta de papel higiénico y jabón de manos en los baños”. A toda esta grafica aunque, a mi juicio, objetiva descripción, no puedo hacer sino añadir la eras glaciales acaecidas este año, durante las cuales, incluso los modelos han tenido que posar vestidos.
Por si no fuera poco, las infraestructuras no son lo único que falla en esta facultad “ideal”. Con buscar, vía Internet, un poco de información acerca de la calidad de la enseñanza y del profesorado, podemos encontrar afirmaciones como: “aprendes de los compañeros y de los pocos buenos docentes”, “un buen lugar para ir de visita”, “chungo que aprendas algo”, “desilusión ante la carencia formativa”, “perdida de tiempo” y así un largo etc.
Sin dirigir la punta de mi dedo al señor Larrañaga o a José Carillo (o al numeroso grupo de consejeros y directores que, por debajo de ellos, les ayudan a tomar sus decisiones), pues desconozco de quien es la culpa, dejo que cada uno haga sus propias interpretaciones. Cualquier alumno de esta facultad sabe perfectamente cómo funciona, tanto a nivel docente, como de infraestructura o de organización. Y no puedo cerrar este redacción sin invitaros expresamente a leer lo que pone en la página de Wikipedia de la Facultad de Bellas artes. En el apartado de “Otros servicios” encontrareis un ultimo punto que, si bien aun no he conocido, no me extrañaría nada hacerlo. Ahí lo dejo.

ARCO 2012, LABOR SOCIAL Y ARTE CONTEMPORÁNEO

2012-01-24T13:02:00.000-08:00

Por Marian Anaya

Arco 2012 abre sus puertas este año por primera vez a los niños. La feria internacional de arte contemporáneo colabora de manera benéfica con una fundación llamada Pequeño Deseo, una forma de acercar el mundo del arte contemporáneo a los más pequeños.
La feria cede un espacio a esta fundación para el desarrollo de la actividad. Arco- Kids será un espacio en el que los niños crearán una obra de arte propia que luego incorporará a una creación común “El mundo de los Deseos”.

Artistas y voluntarios de la propia fundación serán los encargados de llevar a cabo esta labor solidaria que tiene como principales dos objetivos, permitir que los niños entren en contacto con el arte contemporáneo y ayudar a niños enfermos hospitalizados.

Creo que esta idea es una muy buena iniciativa ya que se aprovecha para acercar a los más pequeños al mundo del arte y a la vez crea la participación solidaria. ¡Que ya era hora! Porque aunque las actividades con niños en museos y exposiciones se hacen cada vez más comunes la iniciativa de aprovechar estas para la labor solidaria hasta ahora nunca se había propuesto.

OCTAVIO OCAMPO, UN ILUSIONISTA

2012-01-24T12:51:00.000-08:00

Por Mónica Alda Sanz

Siguiendo con el tema de la percepción, que hemos estado tratando en clase y en el blog algunos compañeros, el otro día recordé a un artista mexicano muy conocido por su pintura metamórfica. Se trata de Octavio Ocampo, al que posiblemente conozcáis. Sus trabajos consisten en la yuxtaposición magistral de distintas imágenes en una sola. Son tan elaborados como sorprendentes. Ha realizado retratos biográficos con su peculiar estilo “metamórfico” para personalidades como Jimmy Carter, Miguel Alemán Valdés, José López Portillo, Jane Fonda, César Chávez o Cher. Aquí están algunos de sus trabajos, muy curiosos la verdad.

Lewis Lavoie

2012-01-24T12:45:00.000-08:00

Lo propone Mónica Alda como ejemplo de estructuras perceptivas en competencia (efecto Arcimboldo)

La licencia Creative Commons

2012-01-24T12:40:00.000-08:00

Por Eva Orellana

Navegando un poco por lo que aun nos queda vivo de internet, encontré esta página web (legal del todo) que ofrece licencias para obras. Según la web, que recomiendo enormemente a todos, "poner vuestras obras bajo una licencia Creative Commons no significa que no tengan copyright. Este tipo de licencias ofrecen algunos derechos a terceras personas bajo ciertas condiciones. "Posteriormente a aparece un cuadro explicativo de las condiciones que pueden tener los usuarios de una marca o una obra que has registrado en Creative Commons. La verdad es que es muy sencillo. Se trata simplemente de un tipo de registro más seguro que nos permite compartir nuestro trabajo y acceder fácil y seguramente al trabajo de los demás para conocerlo. Sería muy beneficioso para los artistas el empleo de ese tipo de licencias para poder establecer una red de comunicaciones que beneficiara a todos de la misma manera. La guerra de internet ha comenzado. Hay que elegir bando. ¿Legal o ilegal?. Como la elección es dificil, simplemente doy una idea.

http://es.creativecommons.org/licencia/

2012-01-23T05:18:00.000-08:00

Por Eva Orellana Moreno

Quería compartir con todos esta noticia que, aunque es antigua (20 de noviembre de 2011), recuperé hace poco de entre los recortes del periódico. La crónica de El Mundo, publicaba en noviembre de 2011 la historia ya conocida por algunas redes sociales de internet de Aliaa, una cairota de veinte años, estudiante de periodismo que publicó en su blog (Diario de una Rebelde) unas fotos de ella desnuda (únicamente ataviada con unas medias de encaje y unos zapatos rojos), como acción reivindicativa por la situación que sufren las mujeres en su país.
Se trata de tres copias de una imagen idénticas, excepto por el rectángulo amarillo que en cada una de ellas aparece tapando pubis, ojos y boca, semejando la censura de la expresión el conocimiento y la sexualidad de las egipcias. Aliaa explicó que no esperaba una difusión tan amplia de las imágenes y que en ningún momento pretendió utilizarlas con fines sexuales, al contrario, su objetivo era el de mover a la comunidad de internautas y a los egipcios a la denuncia por el sexismo y la hipocresía a la que están sometidas las mujeres en el país, donde, en muchas ocasiones, son simplemente tratadas como un objeto sexual.

La situación que la joven vivía en casa, bajo un padre tremendamente intransigente que, entre otras cosas la acompañaba cada día a la facultad para que no pasara tiempo con su novio, Karim, la obligó a huir de casa. Pero según muchos, debería huir de nuevo, esta vez de su país. Fue criticada duramente por un sector de la pobalción de Egipto que había emigrado a los países del Golfo y que ahora regresaba a su país impregnados de las estrictas ideas wahabíes que censuran cualquier idea artística e imponen a las mujeres el niquab (prenda negra que cubre todo menos los ojos). También un sector de los liberales consideran su acción perjudicial para sus aspiraciones en el gobierno. Y por supuesto las autoridades religiosas y la Coalición de Licenciados en Derecho Islámico la han denunciado, solicitando que se la condene a latigazos o a pena de cárcel.

Lo más alarmante de la situación, es sin duda el lugar en el que se ha producido. Las críticas que Aliaa ha recibido preocupan a muchos por las posibles represalias que se tomen contra ella. Porque si te haces una foto en pelotas y la subes a internet en España, o acabas teniendo fama por guarrilla o eres la más atrevida del "insti", o incluso, en Bellas Artes, podrías estar haciendo la performance del año. Pero si lo haces en Egipto lo más probable es que salgas a por el pan y te acaben linchando o apedreando antes de que vuelvas a tu casa. La reivindicación debería ser libre para todos, pero en un país que mata a puñados y encima nos intenta convencer de que la mujer debe estar sometida a un velo negro, da miedo protestar por cualquier cosa. Cuando las críticas se hacen desde el teclado de un ordenador, que importa lo que duelan. Cuando pasamos a las manos... mal va la cosa.

Otra iniciativa "sin ánimo de lucro"

2012-01-22T15:45:00.000-08:00

El pasado día 17, se presentó en la sede de COTEC, el portal www.romanicodigital.com, dirigido por Peridis... El portal es la iniciativa más reciente de un proyecto de mucha solera, que arrancó con una propuesta de restauración sumamente interesante: la del monasterio de Santa María la Real de Aguilar de Campoo, ideada por el propio humorista gráfico en su faceta de arquitecto...

¿Por qué presentó el portal en COTEC? ¿Qué es el COTEC? COTEC es una Fundación privada, según dicen ellos mismos, diseñada siguiendo instrucciones del Rey, integrada por instituciones oficiales y grandes empresas españolas (BBVA, Repsol, Telefónica, El Corte Inglés, La Caixa, Mercadona, Endesa, Prisa, etc.) que tiene por finalidad:

"1. Promoción de la cultura tecnológica y de actitudes innovadoras. La Fundación aspira a que se consolide la innovación tecnológica como valor cultural y como norma de conducta empresarial.

2. Análisis de los efectos de la innovación. Cotec debe contribuir al conocimiento de las consecuencias que el cambio tecnológico tiene para las empresas y para la sociedad en general.

3. Presencia institucional. Esta visión empresarial debe ser transmitida a las instituciones, para que sea uno de sus puntos de partida, a la hora de diseñar sus actuaciones de contenidos tecnológicos e industriales."

La letra parece buena, pero la música...

En definitiva, los gestores eligieron para presentar el portal un foro que puede interpretarse como concreción material del estabilishment hispano, el lugar donde se manifiesta la endogamia entre el poder político y el poder económico; esa endogamia que, en la actualidad, tiene claro por dónde lanzar tijeretazos para aliviar el déficit público.

Flashback. El monasterio, el Instituto, el centro de estudios y la explotación turística

El monasterio, que había llegado a "tiempos modernos" en muy mala situación, sufrió varias campañas de restauración discutibles en los años centrales del siglo XX. Las intervenciones erráticas cambiaron radicalmente hacia 1978 cuando La Asociación de Amigos del Monasterio de Aguilar de Campoo comenzó a tomar iniciativas que culminaron de un proyecto de restauración ideado por Peridis. El proyecto, relativamente innovador para la España de aquellos tiempos, suponía un golpe de timón radical a las prácticas restauradoras empleadas, hasta entonces. Lo más relevante de la idea pasaba por convertir una parte importante de la antigua institución religiosa (desamortizada) en un Instituto de Educación Secundaria y dejar el resto de las dependencias —que se rehabilitarían progresivamente— para funciones diversas, entre las que destacaban (en el proyecto inicial) la obvia explotación turística y la creación de un Centro de Estudios. La fórmula parecía ideal para recuperar la integración social de un edificio que, de otro modo, estaba condenado a convertirse en una amalgama confusa de restos arqueológicos. Las piezas más relevantes ya estaban almacenadas en el Museo Arqueológico Nacional desde el siglo XIX...

Durante los últimos años he visitado el monasterio en varias ocasiones y mi impresión sobre el proceso evolutivo no es demasiado positiva. Hace cuatro años el visitante se encontraba con una instalación de focos, distribuidos por diferentes lugares, hasta convertir la iglesia en el centro de un espectáculo de gusto afín a los que pueden verse eventualmente durante el verano en cualquier sitio. Ignoro si continuarán con esos "espectáculos", pero debo manifestar mi discrepancia con ellos, en especial, si la interpretación histórica ofrecida al turista es tan sesgada como suelen ser las habituales lecturas de nuestro pasado medieval.

Con esos antecedentes, aparece ahora el mencionado portaldigital, con el siguiente planteamiento:

"La Fundación Santa María la Real es, conforme a la Carta Fundacional de 24 de junio de 1994, una Fundación Cultural privada sin ánimo de lucro de duración indefinida y ámbito nacional, domiciliada en el Monasterio de Santa María la Real de Aguilar de Campoo (Palencia).

MISIÓN. Generar desarrollo basado en la valorización del patrimonio cultural, natural y social.

VISIÓN. Ser referentes en la creación y puesta en marcha de modelos de desarrollo solidarios basados en el patrimonio.

VALORES.

Equipo comprometido: El equipo humano que compone la Fundación Santa María la Real es su mejor activo. Es un equipo comprometido con los objetivos estratégicos de la organización. Representa el liderazgo de la Fundación Santa María la Real en la creación de desarrollo a partir de la valorización del patrimonio natural, cultural y social.

Transferencia de conocimiento: La Fundación Santa María la Real apuesta por la transferencia de conocimiento mediante procesos de comunicación interna y externa. La institución es consciente del papel educativo que le corresponde en temas relacionados con el Patrimonio natural, cultural y social.

Innovación, la creatividad, la calidad, y efectividad: Las aportaciones a la sociedad de la Fundación Santa María la Real parten de la innovación, la creatividad, la calidad, y efectividad. Los procesos de trabajo basados en estos principios se diseñan y documentan como herramientas para la evolución y adaptación a las necesidades sociales.

Responsabilidad social: La Fundación Santa María la Real es responsable socialmente con las comunidades y territorios en los que impulsa cambios tendentes a la creación de desarrollo social y económico".

Deben haber recibido subvenciones del Ministerio de Fomento y del Ministerio de Industria, Turismo y Comercio, puesto que aparecen los banner correspondientes a ambas entidades.

En la página web, además de los datos históricos sobre las actividades de la Fundación, ofrecen los siguientes "productos":

1. Una muy amplia Enciclopedia del Románico en España, que "es uno de los proyectos más ambiciosos acometidos por la Fundación Santa María la Real". Los precios de cada volumen oscilan en los alrededores de los 100 €.

2. Publicaciones de naturaleza diversa, guías, fotografías, maquetas, audiovisuales (incluida la colección Las claves del Románico de TVE), por supuesto, a precios de mercado.

3. También podemos encontrar en la web información gratuita sobre "rutas románicas" (no las he comparado con las que ofrecen en las guías de carreteras), una "base de datos" y una enciclopedia on line sobre la misma temática. Obviamente esos recursos no están concebidos para hacer la competencia a la enciclopedia que ellos mismos ofrecen y mucho menos para ser un instrumento demasiado útil, contando con los repertorios que en la actualidad puede manejar cualquier aficionado a la cuestión cultural.

4. En un alarde de generosidad sin precedentes, permiten descargar gratis un recortable de la iglesia de San Cornelio y San Cipriano en Revilla de Santullán.

5. También hay un foro que, nació hace 14 meses y, al día de hoy, contiene un único post, con una denuncia sobre la situación de la iglesia de San Román de Fuente Humorea. Es de suponer que se incrementarán las aportaciones, teniendo en cuenta las campañas publicitarias que harán en ciertos medios de comunicación...

¿Generar desarrollo basado en la valorización del patrimonio cultural, natural y social? ¿Página de información sobre el románico o simple web publicitaria o de "servicios culturales"? No hay dinero para mantener abiertos ciertos museos pero sí para iniciativas como ésta, "sin ánimo de lucro"...

Si el lector es parado o mileurista y desea consultar páginas que le ayuden en la aproximación al fenómeno románico, deberá buscar entre las habituales: en la Wikipedia, en la página de A. García Omedes, que contiene un amplio repertorio de referencias, en la del Románico Catalán, en la de Arteguías, etc. mientras permanezcan abiertas, porque tal y como están las cosas...

El arte al servicio de los grandes

2012-01-22T11:15:00.000-08:00

Por Jesús Moreno Fresneda

Como hemos visto en los bombardeos noticiario-televisivos, el pasado jueves 19, con dos meses de retraso para poder cuadrar con la agenda de la homenajeada, se inauguró la muestra Expo party; acogida dentro del festival Cáceres Pop Art. Pasadas ediciones fueron dedicadas a personalidades como el rey Juan Carlos o Fidel Castro. Esta vez ha sido el turno de una de las grandes de verdad, la archiconocida Cayetana Fitz-James Stuart y Silva, también llamadaduquesa de Alba.

Tiene su gracia la exposición ya que aunque en todos los medios se presenta como un gran homenaje a la recién casada, da la sensación de que detrás de toda esa atmósfera se esconde cierta ironía. Una serie de guiños y críticas ingenuas sobre un sujeto fácilmente caricaturizable. Estaría bien hablar con muchos de los treinta artistas participantes para aclarar su admiración hacia quien va dedicada su obra, ya que así han sido vendidas. ¿Por qué apoya la duquesa esta iniciativa? ¿Es que si no hubiese hecho acto de presencia habría sido una exposición mucho más humorística y ridícula de lo que ya resulta?

Espal

2012-01-22T11:11:00.000-08:00

Por Clara Fernández Núñez

Como todo el mundo sabe ya, se ha procedido al cierre de megaupload por el FBI.
La verdad es que cada vez comienza a ponerse más serios con las leyes antipiratería en todos lados, pero me gustaría recordar un suceso que pasó aquí, en España, con el cierre de otras páginas web.
Existían unas páginas con el nombre de ESPAL: esplapsp, espalds y espalwii. En estas páginas se hablaba sobre todo de las máquinas y los juegos a las que están referidas. Había enlaces (a megaupload en su mayoría) para bajarse juegos “piratas”, pero además había foros con miles de usuarios que comentaban simplemente experiencias con los juegos, programas nuevos que ellos mismos habían creado, o hasta cosas que no tienen nada que ver con las consolas.
Como hubo una temporada en la que la ley SINDE parecía que se iba a poner más seria, la comunidad ESPAL creó una nueva página llamada espalzone. En esta página colgaban todos los enlaces al megaupload, dejando así libre de “piratería” las otras 3 páginas en las que solo había información sobre los juegos y los foros.
En junio de 2010 un juez de Cádiz ha ordenó el cierre de todas las páginas ESPAL. Se detuvieron durante una noche a 4 webmasters. En todos los casos los detenidos estaban acusados de delitos contra la propiedad intelectual como presuntos responsables de los mencionados sitios web.
José Manuel Tourné, presidente de la Federación Antipiratería ha señalado que la denuncia interpuesta hace un año tenía como objetivo acabar con la piratería de estos cuatro portales, los más importantes del sector. “No queremos que los videojuegos o las películas de nuestros socios circulen por Internet sin el permiso de sus legítimos dueños, en ningún caso vamos contra los usuarios ni contra las opiniones”.
La verdad es que para no ir en contra de las opiniones de nadie han cerrado 3 páginas en las que solo había opiniones de gente, y una página en la que solo había enlaces a servidores, lo cual en España no es ilegal, al menos hoy por hoy. Lo único que es ilegal es lucrarse con ello, es decir, vender el acceso a estos enlaces, cosa que estas webs no hacían.
¿Entonces porque se cierran? Es un atentado a la libertad de expresión, simple y llanamente.
Estás páginas volvieron a empezar desde cero, ahora solo existe una que se llama espalteam donde ya no existe ni la más mínima alusión a la “piratería”, pero sigue habiendo los mismos foros que antes, donde se hablaba de todo. Los mismos foros que cerraron.

Fuente: http://www.adslzone.net/article4069-ataque-a-la-libertad-de-expresion--espalwii-espalnds-espalpsp-y-espalzone.html

¿Qué veis?

2012-01-22T11:06:00.000-08:00

Por Ana María Castañeda

Al ver en el blog la entrada que ha escrito Eva López he recordado que hace tiempo vi esta imagen que aquí os presento. Y bien, ¿qué veis?

Han sido muchas las investigaciones que se han realizado acerca de si existen imágenes que no podemos ver al ser individuos socialmente condicionados. Como ya ha dicho Eva, se ha demostrado que la cultura y el entorno influyen en la percepción visual de cada uno de nosotros y que depende en gran parte de la sociedad en la que nos educamos y a la que estamos acostumbrados. Sin embargo, al ver esta imagen concluyo que estos no son los únicos factores que afectan a la percepción: también el desarrollo personal de cada persona, la madurez (en este caso supongo que la madurez sexual) toma mucha relevancia.
En la imagen que adjunto la mayoría de las personas adultas ven una pareja de amantes mientras que los niños, en su lugar ven delfines y son incapaces de ver a la pareja. En teoría, esto es así debido a que ellos no tienen los conocimientos previos para asociar la imagen con el sexo, pero al llegar a la adolescencia consiguen ver ambas figuras. Por otro lado, he leído (y comprobado) que las personas adultas que ven por primera vez esta imagen tienen dificultades para encontrar los delfines, que por cierto, son un total de nueve. Y vosotros… ¿los encontráis?

UN NUEVO GUGGENHEIM EN…HELSINKI

2012-01-22T11:01:00.000-08:00

Por Mónica Alda Sanz

La famosa fundación neoyorquina Solomon R. Guggenheim ha propuesto la construcción de un nuevo museo, esta vez, en la ciudad de Helsinki.
La pasada semana los representantes de la fundación entregaron oficialmente el estudio conceptual y de desarrollo para la creación de un nuevo y potente Guggenheim. Este estudio fue encargado a principios del año pasado por el ayuntamiento de Helsinki, el cual llevó a cabo una serie de meditaciones sobre la propuesta de ubicación, su financiación, el programa expositivo y educativo del museo, etc. Según la fundación, esta nueva institución "contribuiría a contextualizar el arte, el diseño y la arquitectura finlandesas dentro de la tradición del arte moderno, y a la vez daría al público de aquel país la posibilidad de contemplar obras de arte procedentes de todo el mundo". Además, consideran que el museo "probablemente incrementaría el turismo cultural y, de este modo, podría favorecer el aumento de las cifras de audiencia globales a otras instituciones artísticas de la ciudad".

En esta ocasión, por lo visto, la idea no parte de una propuesta arquitectónica que abra el camino y la atención hacia el nuevo museo, sino al revés. Se deja de lado el atractivo arquitectónico, a diferencia del de Bilbao, y la visión focalizada en el continente, para dar más prioridad al contenido. Las conversaciones han incluido a profesionales de muchas disciplinas tanto de Estados Unidos como de Finlandia y otros países nórdicos: otras instituciones culturales, especialistas de programación, educación, asesorías legales y financieras, logísticas y de marketing.

El nuevo Guggenheim en Helsinki se levantaría en el puerto sur de la ciudad, en pleno centro urbano, y tendría una superficie de 12.000 metros cuadrados, de los que una tercera parte se destinarían a exposiciones. En cuanto al tema económico y de coste del nuevo edificio se ha estimado que serán unos 140 millones de euros, y se calcula que podría atraer entre 400.000 y 650.000 visitantes al año, de los que cerca del 40% serían turistas extranjeros.
Juan Ignacio Vidarte, el director general del Museo Guggenheim Bilbao, que formó parte de las reuniones, declaraba que la construcción de este nuevo centro en Helsinki podría ser compatible con el centro de arte moderno y contemporáneo de la capital vizcaína y que ofrecería a este nuevas oportunidades.
Los trámites para materializar la idea del Museo Guggenheim Bilbao comenzaron en febrero de 1991, cuando los responsables de las Administraciones Vascas se pusieron en contacto con la Solomon R. Guggenheim Foundation para proponerle su participación en una parte del plan de revitalización de Bilbao y del País Vasco en general. Se aprobó, localizaron el solar adecuado, a orillas de la ría de Bilbao, en una zona denominada Abandoibarra, y contrataron al arquitecto canadiense Frank O. Gehry para la construcción del edificio. Seguidamente se llevó a cabo una serie de acuerdos y formalidades durante los siguientes años hasta que en octubre de 1997 quedó oficialmente inaugurado.

La característica más llamativa del museo es el innovador edificio en el que se emplaza, constituido por formas curvilíneas y retorcidas, recubiertas de piedra caliza, cortinas de cristal y planchas de titanio, un material que mantiene muy las condiciones de preservación y mantenimiento. En su conjunto, el diseño de Gehry crea una estructura singular, espectacular y enormemente visible, consiguiendo una presencia escultórica como telón de fondo al entorno de la ciudad. La Institución cuenta con una superficie total de 24.000 m², de los cuales 11.000 m² están reservados para las exposiciones, distribuidos en 19 galerías. El edificio estaba creado con la finalidad de que existiese una estrecha armonía entre las formas arquitectónicas y los contenidos de cada galería. Sin embargo aquí, y a diferencia del de Helsinki, la arquitectura es el gancho principal que debe a traer a los visitantes del museo.

Transcurrido menos de un año, más de un millón trescientos mil visitantes habían visitado ya el Museo vasco. Y es que el Guggenheim en sí mismo es una máquina de hacer dinero. Con alrededor de 10 de millones de visitantes acumulados desde su apertura, un estudio realizado por el propio museo, estima en 1.571 millones de euros el PIB generado desde que se abrió hasta ahora, posiblemente algo más, lo que se traduce en más beneficios económicos para la hacienda vizcaína. Pero no se debe de olvidar que el Guggenheim costo unos 126,5 millones de euros, a los que había sumar otros 32,3 millones de la colección permanente, lo que trajo una gran polémica pues por lo visto los fondos para construir el edificio salieron exclusivamente de los presupuestos del Departamento de Cultura del Gobierno Vasco. Se criticó el que no hubiese salido mejor de otras áreas como Industria, ya que consideraban que era una inversión más bien de carácter empresarial más que cultural, y que dejaba a la cultura vasca sin fondos durante esos años.

Visto lo visto ¿la creación de este nuevo proyecto en Helsinki podría suponer una “amenaza” para los ingresos económicos de la ciudad de Bilbao? Podría ser. Se plantea un nuevo proyecto en otro país, con características similares a las de Bilbao pero con ciertas innovaciones, y con un determinado atractivo, y claro ¿qué significa esto? Menos afluencia de visitantes, en concreto extranjeros, en la otra institución, ya que posiblemente lo prefieran por la cercanía a sus países de origen y por ser un proyecto nuevo e innovador, con cual se traduce en menos beneficios económicos para el País Vasco. Pero siendo objetivos España posee más tirón cultural que quizás los países nórdicos. Así que en lo que respecta a este tema no habría porque preocuparse…

Vidarte es positivo y aclaró que el nuevo proyecto es compatible con el museo bilbaíno y no supone ninguna amenaza, dadas sus grandes diferencias conceptuales y la lejanía geográfica entre ambas ciudades. "Más que un museo, el proyecto de Helsinki es un espacio expositivo porque sería una institución sin colección propia, con una visión muy dirigida hacia el diseño y la arquitectura, y con un énfasis en la utilización de la tecnología". Además afirmó que el Guggenheim finlandés ofrecería al museo vasco la posibilidad de crear proyectos conjuntos innovadores."Hay áreas que, para el museo de Bilbao, son interesantes para profundizar en el futuro, como la educación, la tecnología y el diseño". Destacó también que la capital vizcaína puede aportar una experiencia muy valiosa al proyecto del nuevo Guggenheim de Helsinki. "Yo creo que el museo de Bilbao es una referencia. Helsinki y su alcalde se han mirado mucho en el espejo de Bilbao en cuanto a lo que un museo puede suponer en la transformación de una ciudad desde el punto de vista cultural, social y urbanístico".
Veremos cómo termina todo este proceso y si a la larga funciona o no.

Fisuras en el modelo catalán de gestión cultural

2012-01-21T16:09:00.000-08:00

Ya hemos recogido el caso del Centro Niemeyer... pero hay otros muchos, con periplos afines o distintos. Es probable que crezca el número de museos y centros culturales cerrados a causa de los ya famosos tijeretazos.

Durante las vacaciones de Navidad, encontramos dos casos curiosos en Tarragona: el Museo Paleocristinao (de la Necrópolis Paleocristiana) y el Mausoleo de Centcelles. Fue imposible documentar con seguridad las causas de las anomalías, que las fuentes consultadas relacionan con un antiguo problema de tesorería —anterior a la crisis—resuelto por las autoridades culturales según la fórmula de Juan Palomo. Las mismas fuentes nos aseguraron que no era previsible la rápida resolución del problema.

Hasta ahora hubiera jurado que el modelo de gestión cultural catalán era modélico...

Derechos comerciales contra creatividad

2012-01-20T11:19:00.000-08:00

Los recientes acontecimientos desencadenados por las iniciativas legislativas norteamericanas (SOPA y PIPA) han culminado en una disyuntiva descrita hoy mismo por The New York Times.

"But many Internet companies, including Google, Facebook, Twitter and Reddit, saw the bills as a threat, and said they would stifle creativity on the Internet while forcing search engines and social media to become police officers for the Department of Justice".

Supongo que dejarán de exhibirse públicamente los pesebreros que hacen bandera de "los derechos de los creadores" para respaldar a las entidades que generan plusvalías especulado con la creación cultural.
En la situación actual, si se aprobaran las leyes de la discordia, la Wikipedia correría serio peligro y también todas las páginas que tienen por objeto permitir el intercambio de información o el uso de obras (literarias, científicas o de cualquier otro tipo) de acuerdo con la voluntad de sus autores.
Se les cae la máscara a los pesebreros porque ahora la noble intención de defender los derechos de los "creadores" se ha transformado en una situación surrealista. ¿Qué pretenden empresas como la Motion Picture Association of America, the Recording Industry Association of America y las grandes editoriales? ¿Que les paguemos a ellos para poder ofrecer nuestros vídeos, composiciones o textos a los demás? ¿Conducirán a Guantánamo a quienes no pasen por el aro?
Los legisladores norteamericanos están ofreciendo una imagen más inquietante que las de los países supuestamente no democráticos.

Vargas Llosa y el Cervantes

2012-01-20T10:05:00.000-08:00

Vargas Llosa ha dicho no al nombramiento como presidente del Instituto Cervantes; según cuentan, la propuesta fue comunicada al "escritor nobelado" por el mismísimo Rey.

¡Qué desagradecido!

El edificio Pelli de Sevilla

2012-01-20T09:53:00.000-08:00

"El Ayuntamiento de Sevilla ha decidido pedir a Cajasol que paralice la construcción en altura de la Torre Pelli, pero no el resto de las obras, tras el informe de la Unesco que advertía de que el rascacielos podría hacer perder la categoría de Patrimonio de la Humanidad de varios monumentos de la ciudad".

Según informan los medios, el problema se resolvería si el proyecto, concebido para 43 plantas, se limitara a una altura "prudencial", cercana a la actual (16 plantas).
El proyecto es de César Pelli, uno de los arquitectos vivos más acreditados, autor de edificios espectaculares como las torres Petronas (1997-1998) o la Torre de Cristal de Madrid (2008). Como el edificio se está construyendo sin ninguna anomalía administrativa conocida, es decir, con todos los permisos municipales necesarios, una decisión en el sentido mencionado, activaría una importante indemnización, que debería pagar el Ayuntamiento sevillano, es decir, los contribuyentes sevillanos... A ello deberíamos unir lo que reclame el arquitecto y, por supuesto, el coste del sobredimensionado constructivo.

En este caso me sorprende la reacción de la Unesco porque el edificio está en la Isla de la Cartuja, en zona relativamente alejada del centro histórico, urbanizada para la Expo-92, donde existen otros muchos edificios de concepción arquitectónica "moderna" y sobre todo, porque, en su concepción inicial, no creo que creara ninguna interferencia al perfil urbano de la zona más conocida de Sevilla. La Giralda y la Torre del Oro están al otro lado del río Guadalquivir y apenas son visibles desde los alrededores más inmediatos. A ello aún deberíamos añadir las cualidades del proyecto de Pelli, suficientes para acrecentar el patrimonio arquitectónico de la ciudad con un nuevo edificio singular, que habría dejado testimonio de los valores estéticos de nuestro tiempo.
Advirtiendo que no soy partidario de proyectos de este tipo, también debo indicar que, conocidos precedentes afines como lo sucedido en Ávila con el edificio de Rafael Moneo, que, por razones especulativas, alteró radicalmente el carácter de una de las plazas más emblemáticas de la capital castellana, no entiendo el sentido del conflicto actual. Supongo que, como de costumbre, circularán corrientes subterráneas ajenas al interés general... ¿Quizás la incapacidad de Cajasol para hacer frente a las facturas de la constructora?

Será divertido ver cómo se justifica de cara a los electores y a ante César Pelli una decisión tan "bananera"...

En definitiva, si se hacen edificios singulares, pierde el contribuyente; si se detiene su construcción también.

También será divertido conocer cómo el gracejo sevillano manifiesta su creatividad: ¿Torre mocha? ¿La torre del quiero y no puedo? El engendro arquitectónico resultante dará medida de una sociedad como la nuestra... tan peculiar.

Aunque los proyectos de César Pelli sean socialmente discutibles, es indiscutible su fotogenia... A continuación, imágenes de la Torre de Cristal de Madrid.

Flesh Love

2012-01-20T05:29:00.000-08:00

Por Andrés Escribano

Nos encontramos inmersos en la sociedad del envase, cada compra que realizamos viene acompañada de su conveniente envase individual, algo que nos agrada, pues el producto conserva su frescura, es más higiénico. Se perdieron los olores de mercado, los fuertes aromas que golpeaban la memoria con recuerdos nostálgicos; y con ellos una infinidad de cosas más.

Hechos como éste fueron posiblemente los que llevaron a éste artista japonés a crear la serie de fotografías: “Flesh Love”. Amor carne, o más bien Amor fresco o Amor envasado. Éstas parejas envueltas en plástico, envasadas al vacío, nos llevan a la reflexión del tratamiento materialista, casi comercial, que en muchas ocasiones se da al sentimiento humano en nuestros días. La compraventa del amor o sus relaciones más intimas.
http://www.photographerhal.com/

SOPA Y PIPA

2012-01-19T14:42:00.000-08:00

Por Eva López

La noticia se encuentra en todas partes: En la BBCnews (http://www.bbc.co.uk/news/technology-16642369), en el Mundo (http://www.elmundo.es/elmundo/2012/01/19/navegante/1327002605.html), el País (http://cultura.elpais.com/cultura/2012/01/19/actualidad/1327003171_243063.html), el Economista (http://www.eleconomista.es/empresas-finanzas/noticias/3683171/01/12/Cierran-Megauploadcom-Megavideo-uno-de-los-portales-mas-grandes-de-contenido-compartido-del-mundo-.html), ABCnews (http://abcnews.go.com/Technology/wireStory/apnewsbreak-feds-shut-file-sharing-website-15396093#.TxiOhKVdx2A)... el mundo está pendiente de ello.
Según nos podemos informar a través de las noticias, el FBI ha participado de manera activa en este proceso en el cual han sido detenidos varios representantes de Megaupload y Megavideo. También se verán afectados webs terceras, todo ello girando alrededor del delito por no respetar los derechos de autor o copyrights y compartir archivos ilegalmente.
La noticia ha surgido justo después de la manifestación internauta que se produjo el pasado 18, ayer, por la cual varias páginas webs de las más reconocidas y visitadas cerraron temporalmente o bien cambiaron su diseño por banners y wallpapers en contra de las nuevas leyes conocidas como S.O.P.A. (Stop Online Piracy Act) y P.I.P.A. (Protect IP Act), las leyes Sinde, en versión americana.

Megaupload ha sido la primera en caer, pero son muchas las páginas en el punto de mira de estas leyes, que se podrían ver afectas en un futuro si esta situación continúa avanzando. Desde Google hasta Youtube, pasando por Wikipedia, por ejemplo. Esta última sigue manteniéndose en pie luchando por el derecho al Conocimiento (http://wikimediafoundation.org/wiki/SOPA/Blackoutpage), por otro lado, Youtube no se ha pronunciado tanto aunque es más que sabido la cantidad de usuarios que se verían afectados.

Si, por ejemplo, fuésemos ilustradores o artistas plásticos y un buen día nos enteramos de que alguien, una persona desconocida en cualquier parte del mundo, ha conseguido copias ilegales de nuestras obras y las estuviera vendiendo, obteniendo así un beneficio económico, lucharíamos por el cese de esta situación, reivindicaríamos nuestros derechos de autor, el esfuerzo que supuso la creación de esa obra y el deseo de ser remunerados porque a fin de cuentas es fruto de lo que obtenemos por nuestra profesión, no por un hobby. Y dado que es una profesión que no dispone de un sueldo fijo mensual, más todavía si cabe nos enfrentaríamos al acto ilegal cometido, sin nuestro consentimiento, a nuestras espaldas, con algo que nos pertenece.

Descargar películas y música por internet es más que habitual para muchísimos.

Pero esta situación sabemos que es más compleja que lo que acabo de describir. Porque hay Información y Cultura de por medio. Se encuentra en juego el derecho al conocimiento, al saber.
Llevamos décadas adentrándonos en el movimiento de la Globalización, un mundo más pequeño, donde Internet ha jugado un papel importante: ha roto las barreras que el tiempo y el espacio se interponían entre las distintas partes del mundo, ha logrado que la información llegue a todos lados casi instantáneamente. Y ahora, sin embargo, parece lucharse por regresar al pasado, dar un paso atrás en la evolución social, poner límites entre las distintas sociedades.
Internet todavía seguía siendo en ciertos aspectos el único método para poder conocer elementos de otras culturas que no se venden en las tiendas, ni se puede ver por la tele, o no existen libros de las bibliotecas que lo traten.
La polémica se ha desatado con el cierre de Megaupload y Megavideo. Hay comunidades internautas que ya han empezado a dar pegar gritos y algunos locos promueven un ataque o hackeo como respuesta a este suceso. Hay quien se atreve a decir que todo es un montaje, una falsa esperanza para los pobres que acababan de pagarse una cuenta premium y se han quedado a dos velas, ojalá tuviesen razón.
Y solo se les ha ocurrido en este preciso momento, en mitad de una terrible crisis, entre subidas de impuestos, pérdida de empleos y bajada en los salarios. Está claro que no pueden quitarnos el derecho a saber, es como quitarnos el derecho a respirar.
Y nos están asfixiando."

¿Qué está pasando con el arte español?

2012-01-19T10:03:00.000-08:00

Por María Gil y Clara Fernández

Navegando un poco por Internet, hemos dado con el resultado de varias subastas de arte de artistas españoles y de todo el mundo. Nos podríamos hacer los sorprendidos pero no es así. Haciendo un balance de lo que pagan por obras extranjeras y obras españolas, estamos muy lejos de ser considerados un referente en el terreno artístico, y eso que sacaron nuestra mejor artillería. Aquí van unos cuantos ejemplos:
- MadamSouty reclinada en un sofá, considerado el mejor desnudo de Ignacio Zuloaga, por 713.250 libras (829.368 euros), un precio récord para este pintor español.
- El cuadro Tristeza andaluza, de Julio Romero de Torres, se vendió por 99.129 euros. Otras dos obras del artista cordobés, Adela Carbone, La Tanagra (1911) y Retrato de dama joven no encontraron comprador.

- I can seethewholeroom and there'snobody in it!, de Roy Lichtenstein, ha sido vendido por 43,2 millones de dólares(31,2 millones de euros)

- La obra Silver Liz, de Andy Warhol, alcanzó los 16,3 millones de dólares (11,7 millones de euros).

- White Cloud, del expresionista abstracto Mark Rothko, se adjudicó por 18,5 millones de dólares.
- El dibujoÚtiles Trabajos, una obra de 26,3 x 18,6 cm realizada por Francisco José de Goya y Lucientes se subastó por 2,5 millones de euros.

- CrouchingNude (1961), de Francis Bacon ,vendida por 9,24 millones de euros.

- Untitled (1981), un cuadro del estadounidense Jean-Michel Basquiat,, vendido por 6 millones de euros.
- El lote Duerckheim está fechado en los años sesenta y setenta, que incluye trabajos de Georg Baselitz, Gerhard Richter y SigmarPolke. alcanzaron los 67 millones de euros.
- Faena de muleta , de Barceló, por 3,9 millones de libras (4,4 millones de euros), -

- Antonio López, con su obra Madrid desde Torres Blancas alcanzó en 2008 los 1,7 millones de euros.

- La escultura de Juan Muñoz (1953-2001)Esquina positiva (1992), que alcanzó los 3,4 millones de libras (3,7 millones de euros).
- Otra obra de Barceló, España económica ,se vendió por 457.250 libras (509.112 euros).
- Matèriadamunt tela i collage paper, de Tàpies, alcanzó las 505.250 libras (562.556 euros).
- Häuser MIT BunterWäsche, "Vorstadt" II, del pintor austriaco EgonSchiele ,24,6 millones de libras (27,6 millones de euros).
- Femme à la voix de rossignoldans la nuit ,de Joan Miró, se vendió por 4,7 millones de libras (5,3 millones de euros.
- Sunflower and dog (1937), del artista británico Stanley Spencer, se ha subastado por 5,4 millones de libras (6,1 millones de euros), triplicando su precio máximo estimado y marcando un nuevo récord para una obra del artista. También el cuadro Workmen in theHouse alcanzó los 4,7 millones de libras (5,3 millones de euros), muy por encima de su precio estimado.
- Boyon a Sofa (1944), una de las obras tempranas de Lucian Freud, se adjudicó por 1,5 millones de libras (1,7 millones de euros) , doblando su precio estimado y marcando el récord para un trabajo en papel del artista.
- RockingChair (1950), de Henry Moore, se vendió por 2,5 millones de libras (2,8 millones de euros), muy por encima de su precio máximo estimado.
- Una Familia (1972), del artista colombiano Fernando Botero, por 988.840 euros

- Un autorretrato de Andy Warhol, se vendió por 38,4 millones de dólares (26,9 millones de euros) con lo que se convierte en el autorretrato de este artista más caro jamás vendido en subasta (el anterior récord estaba en 32,56 millones de dólares).

- SixteenJackies, de Andy Warhol lideró la subasta de arte contemporáneo al venderse por 20,2 millones de dólares (14,06 milones de euros).

- Nutcracker (Cascanueces), una escultura de metal del artista estadounidense John Chamberlain (1927), lideró con 4,78 millones de dólares (3,33 millones de euros)

- Seis obras de Pablo Picasso (1881-1973) por un importe total cercano a los 37 millones de euros, entre ellas Femmeslisant (DeuxPersonnages), de 1934, que con un precio de 21.362.500 dólares (14.371.000 euros) fue la pieza más cara de la puja, aunque no cubrió la expectativas de la casa de subastas, ya que partía con un precio estimado entre los 25 y los 35 millones de dólares (16,8-23,5 millones de euros).

- Mujer tahitiana agachada, un grabado de Paul Gauguin ha sido vendido por 577.250 libras (685.243 euros)

Según los datos de ventas en subasta correspondientes a 2010, China representa un 33% del valor total mundial de las ventas, Estados Unidos un 30%, el Reino Unido un 19% y Francia un 5%. ¿Dónde está España?

Cierran el Museo de las Gemas el día de su inauguración

2012-01-19T09:49:00.000-08:00

Por María Gil

Hoy, a 18 de enero de 2012, el Museo de las Gemas no ha podido abrir sus puertas como estaba previsto por falta de seguridad. Según su directora, Nela Santana, la policía y bomberos han hecho una inspección y el museo no contaba con la documentación necesaria, con lo que han procedido a su cierre alegando falta de seguridad. También se ha podido recoger en los medios que “el centro carece de licencia de apertura y de permiso de los Bomberos”. Ante esto, Santana ha echado la piedra sobre el tejado del Ayuntamiento diciendo que les están poniendo ciertos problemillas para facilitarles la documentación. Pero el tema no acaba aquí, según algunos diarios digitales el enfrentamiento entre Museo y Ayuntamiento viene de lejos, y es que cuando en el año 2006 se presentó el proyecto ArtNatura, que incluía el Museo de las Gemas y los dedicados a Ciencias de la Vida y Ciencias de la Tierra, se firmó un contrato con el Ayuntamiento en el cual se fijaba como fecha límite de inauguración en 2008, plazo que fue incumplido. Tras varios intentos en los Tribunales por parte del Museo para aplazar la fecha de inauguración éstos han sido rechazados, y como respuesta de la organización han decidido abrir sus puertas el último día del plazo establecido. La gran incógnita de esta inauguración era ver con qué fondos abriría el museo contando con que ayer estaba completamente vacío: ni vitrinas, ni piedras preciosas, ni mobiliario alguno. Eso sí, se han anunciado unas visitas guiadas y la entrada gratuita hasta el próximo mes de febrero. Y yo me pregunto, ¿Visitas guiadas a dónde, a contemplar las paredes de la antigua Tabacalera? Y visitas gratuitas, ¿Acaso pensaban cobrar por visitar un museo vacío? Y por último, ¿cómo tendrán previsto hacerlo, si no tienen licencia para abrir? Vaya tela. Un museo completamente vacío que ha costado 30 millones de euros.

Cristina Moroño, un soplo de aire fresco

2012-01-19T09:22:00.000-08:00

Por María Gil

Debido a preguntas surgidas en clase como ¿Qué hago después de la carrera? O ¿Para qué sirven cuatro años de BBAA? Y el pesimismo que reina entre nosotros preocupados por nuestro futuro, quiero que conozcáis a una persona: Cristina Moroño, salida de esta santa casa. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, especialidad de grabado. Posteriormente continuó en el programa de Doctorado en el Departamento de dibujo y grabado en la misma facultad de Bellas Artes.Desde el 2003 vive en Nueva York, donde ha estudiado Fotografía en el International Center of Photography (ICP) y técnicas de estampación y serigrafía en Parsons School of Design.

La última vez que hemos podido verla en nuestro país fue para la Feria de Estampa de este año, donde expuso cuatro obras. Ha recibido diferentes premios, dos veces en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid 1999 y 2001, y dos veces premiada por la DGM de la Comunidad de Madrid en 2000 y 2005, entre otros. Ha sido becada dos veces para asistir a La Fundación Miró de Mallorca.

Ha recibido el Premio a la "mejor artista Estampa 2007" convocado por la Comunidad de Madrid y la comisión directiva de Estampa y, en el 2008, el Premio "Hotel Puerta America", convocado por la Fundación DEARTE.
Su trabajo esta representado en numerosas colecciones tanto publicas como privadas, incluyendo la Biblioteca Nacional, La Calcografía Nacional de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el Museo de Madrid, entre otros. Su trabajo ha sido expuesto en numerosas exposiciones, individuales y colectivas en España, Francia y Nueva York.

BLANCA Y RUBIA

2012-01-19T09:05:00.000-08:00

Por Alicia Núñez
La cantante estadounidense Beyoncé, de raíces afroamericanas, desata la polémica con la fotografía promocional de su último disco.
Al ver esta imagen muchos podrían pensar que más que la cantante podría tratarse de su hermana gemela sueca, ya que, sea debido a la luz, al encuadre o al mero photoshop, sale completamente blanca y luciendo una imagen completamente artificial y alejada de la realidad.
La cantante ha dado mucho que hablar a costa de la fotografía en cuestión, una fotografía que ha enfurecido a muchos, no sólo por mostrar una imagen completamente irreal sino porque la han interpretado como un mal gesto hacia su herencia afroamericana.
Algunos medios informativos aseguran que no se sabe si la imagen ha sido realizada así a propósito o ha sido un contratiempo con la iluminación o en el procesado final. En mi opinión todo está medido y calculado, pues en estos casos nada se deja al azar.
¿Que pretende conseguir la cantante luciendo en dicha imagen una rubia melena y una tez mucho más pálida de lo normal? ¿Crear polémica y volver a ser portada? O quizás sea la nueva Michael Jackson…

WARHOL EN ZARAGOZA

2012-01-19T09:03:00.000-08:00

Por Alicia Núñez

A partir del 19 de enero se podrá contemplar en España gran parte de la obra de Andy Warhol, uno de los artistas más influyentes del siglo XX y creador del Pop Art.
La cuidad elegida para tal actividad ha sido Zaragoza. Extraño que no hayan sido ni Madrid ni Barcelona, aunque Warhol ya visitara Madrid en otra ocasión, en 1983.
La exposición, organizada por la Obra Social Ibercaja en colaboración con The Andy Warhlo Museum de Pittsburg (entidad que maneja el legado del artista), traerá,bajo el título "Andy Warhol: Portraits 99 obras que el artista realizó a lo largo de cinco décadas, desde 1940 a 1980.
Considerada una de las colecciones gráficas más profusas del artista, llega por primera vez a Europa, y cuenta con pinturas, impresiones, dibujos y fotografías, reuniendo así mismo fotografías de su juventud o sus primeros retratos a lápiz.

Al abarcar cuatro décadas, dicha exposición supone una buena oportunidad para hacer un recorrido por la evolución artística de Warhol, pudiendo contemplar facetas suyas menos conocidas, como sus dibujos o fotografías.
Además de estas obras, se podrán observar sus conocidos retratos pop de famosos cantantes, actores o escritores, tales como Prince, Sylvester Stallone, Jane Fonda, Arnold Schwarzenagger, Lizza Minelli, Mao, Yves Saint Laurent, Jean Michel Basquiat, Tenesse Willians…

Adjunto este video que he encontrado de 1983, cuando Warhol visitó España, con las opiniones de “un elenco de representantes de nuestra cultura”,así como con los coleccionistas de obras de arte más importantes del país.Todos ellos se encargan de rememorar la visita, analizando el legado de Warhol en la creación contemporánea y el influjo que tuvieron esos encuentros en su obra posterior.

Los fotógrafos del Congreso se rebelan contra la censura impuesta por Rajoy

2012-01-18T15:26:00.000-08:00

Por Raquel Asiaín
Tras la polémica surgida a causa de la publicación hace unas semanas de una fotografía en el diario El Mundo, donde se podía ver y leer con claridad un SMS recibido por el diputado socialista Alfredo Pérez Rubalcaba, los fotógrafos del Congreso se han rebelado contra la censura impuesta por Rajoy.
En dicho mensaje se le anunciaba al diputado socialista, el nombramiento de Alberto Ruiz-Gallardón como ministro de Defensa. Esta acción fue calificada de “intolerable” por parte del presidente de la Cámara baja, y del propio Rajoy.
Como consecuencia de este acto el presidente del Gobierno junto al presidente del Congreso, formularon una serie de normas que advertían de que de que "solamente los informadores gráficos acreditados podrán efectuar fotografías en el recinto del Congreso", y ello mediante los accesos que se determinen, sin poder captar imágenes en aquellas áreas que se señalen expresamente como prohibidas para tal actividad. El apartado 5 del documento, bajo el epígrafe "límites", contiene una única disposición que señala: "En el desempeño de la actividad autorizada, los redactores gráficos deberán respetar los derechos fundamentales de los diputados y demás personas que prestan sus servicios en la Cámara".

Estas normas, que entraron en vigor el pasado 1 de enero de 2012, provocarán que los que los fotógrafos que difundan imágenes de los móviles, papeles o anotaciones de los diputados (aunque no vulneren su intimidad) perderán la acreditación para seguir entrando en el Congreso y serán expulsados de los plenos. Pese a la restricción los informadores gráficos han advertido que continuarán haciendo su trabajo "como hasta ahora", ya que consideran ilegal la instrucción, y así se lo manifestaron al presidente de la Cámara, Jesús Posada, al que exigieron la retirada de la norma, sin éxito. Anuncian que no están "dispuestos a trabajar bajo amenazas, ni a aplicar la autocensura"
Y como respuesta ante tales circunstancias su reacción no se ha hecho esperar y han difundido una serie de fotografías a través de agencias donde se puede ver al jefe del ejecutivo sacando la lengua, con la boca abierta, con cara de perplejidad e incluso de terror. No son pocos los que aseguran que la difusión de estas fotografías, tomadas el miércoles, corresponden a una venganza de los informadores gráficos contra las nuevas normas que entraban en vigor el pasado miércoles en el Congreso.

Referencia:

http://www.larepublica.es/2012/01/los-fotografos-del-congreso-se-rebelan-contra-la-censura-impuesta-por-rajoy/

2012-01-18T15:06:00.000-08:00

Por Eva López

"Hablando de Percepción, recientemente tuve ocasión de observar esta imagen que quiero compartirla. Reflexionando unos segundos, mientras se contempla la imagen ¿Qué es lo que ves?

¿Y bien? Resulta bastante sencillo. Esta imagen pertenece a un estudio analizado por vez primera a finales del siglo XIX por Robert Laws, un misionero escocés que estuvo trabajando en Malawi, África. Se trata de un análisis de cómo influye la cultura y el entorno en la percepción visual.
Lo que cada persona ve dependerá en gran medida de dónde vives en el mundo.
La mayoría de los participantes de este estudio pertenecientes al África del este decían que esa especie de rectángulo situado sobre la cabeza de la mujer se trata de una especie de caja que está manteniendo en equilibrio. También se indica que el conjunto de individuos conforman una familia sentada alrededor del tronco de un árbol.
Por otro lado, en las culturas occidentales, esa especie de caja y las dos líneas verticales son relacionadas con elementos arquitectónicos, tratándose de una familia sentada alrededor de la esquina entre dos paredes, dentro de una casa, y la caja con una ventana que da al exterior."

Enlaces: Youtube https://www.youtube.com/watch?v=_di83KPJY3s&feature=player_embedded

Web Percepción: http://www.eyes-and-vision.com/influence-of-culture-on-visual-perception.html

LA PERSISTENCIA DE LA GEOMETRÍA

2012-01-17T15:33:00.000-08:00

Por Marcos Casero

Líneas rectas, cubos, esferas… La geometría nos acompaña en nuestro día a día, de un modo funcional, queramos o no está ahí, oculta bajo los objetos cotidianos, incluso detrás de los elementos naturales.
Estos días y hasta el 25 de Marzo la podemos observar en su vertiente artística. ¿Dónde? En el CaixaForum de Madrid. Se trata de una exposición bien organizada con folletos informativos a todo color y paneles aclaratorios en las salas (como nos tiene acostumbrados esta institución).

Se exponen una serie de obras pertenecientes a la colecciones de arte contemporáneo de la Fundación “La Caixa” y del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, el MACBA (motivo por el cual seguramente este museo haga tanta promoción de la entidad bancaria como hace unas cuantas entradas se resaltaba).

En la muestra se pueden ver tanto obras escultóricas como instalaciones desde los años sesenta hasta la actualidad. Participan multitud de artistas, figuran grandes nombres del arte de las últimas décadas como Bruce Nauman, Donal Judd, Richard Long o Damián Ortega entre otros.
Obras que rozan el minimalismo, otras que interactúan con su entorno, unas que evocan a la naturaleza y algunas que juegan con la luz y el color. Una serie de obras que, si estás interesado en la geometría no te puedes perder.
Si tuviese que poner un pero, sería en mi opinión la escasez de obras expuestas, quizás me esperaba algunas más que las 96 que están presentes (muchas de ellas en foto y proyecciones), me quede con ganas de más, pero aún así la recomiendo a todos aquellos que quieran pasar una buena tarde disfrutando del arte.

Si tuviese que poner un pero, sería en mi opinión la escasez de obras expuestas, quizás me esperaba algunas más que las 96 que están presentes (muchas de ellas en foto y proyecciones), me quede con ganas de más, pero aún así la recomiendo a todos aquellos que quieran pasar una buena tarde disfrutando del arte.

Museo de las Colecciones Reales

2012-01-16T14:04:00.000-08:00

Por Lucía Risueño

Este museo ahora en construcción, se encuentra en la explanada situada bajo la Catedral de la Almudena y el Palacio Real y esta destinado a albergar 42 colecciones de todo tipo de objetos propiedad de la Corona Real como tapices, carruajes, armas, instrumentos musicales, pintura, escultura y fotografía.

Sus arquitectos son Emilio Tuñón y Luis Moreno Mansilla, que en 2002 ganaron el concurso para el proyecto, el cual comenzó a construirse en el 2006, y cuyo final se ha ido demorando (actualmente se sitúa en el 2016) por falta de presupuesto y problemas en su construcción. Se trata de la obra de mayor envergadura abierta en Madrid en la actualidad, con una superficie de 46.000 metros cuadrados dividida en 6 plantas, con una fachada de 150 metros de longitud y 40 de altura. El edificio se construye de arriba abajo mediante la excavación del espacio situado bajo la explanada, apuntalando los muros con tirantes para vencer los empujes del terreno, con una complejidad estructural propia del emplazamiento. Durante la excavación previa al inicio de las obras se encontraron restos de la primitiva muralla árabe, cubierta ahora con una mampara de vidrio para ser vista por los espectadores.

El presupuesto del que cuenta el proyecto es de 130 millones de euros (45 de ellos puestos por el Ministerio de Hacienda) y fue ideado en los años 90, con el gobierno del PP y refrendado por el gobierno del Partido Socialista como obra de “interés cultural”.

Los arquitectos comentan que los principios en los que se han basado han sido los siguientes: la integración del edificio en el paisaje arquitectónico-natural de la zona y mantener la visibilidad abierta de la catedral de La Almudena, preservar las vistas de los parques y jardines hacia el oeste desde el mirador de la Plaza de la Armería. El edificio, según ellos, intenta suponer el menor impacto en el entorno de la cornisa del Palacio Real.

Ahora bien, se habrán preocupado de no estropear las vistas desde la Almudena, pero lo que no han tenido en cuenta son las magníficas vistas a la Sierra que teníamos desde la calle Bailén (de la que soy residente, por eso el motivo de esta entrada), concretamente desde el Puente de Segovia. De un día para otro, nos encontramos con un mazacote de hormigón que tapaba la mitad de la Sierra, pero de eso nadie dice nada. Así que sugeriría a estos señores que se pasearan por el Viaducto y viesen si su edificio esta integrado o no en el paisaje. Realmente no creo que les importe, pero ahí queda.

A parte de esto, opino que el proyecto es descomunal para albergar algo como el patrimonio de la corona, y el presupuesto desorbitado para los momentos en los que estamos. Pero ya se sabe que para ciertas cosas nunca falta el dinero…

Referencias:
http://www.elpais.com/articulo/madrid/gigante/excavado/Palacio/Real/Almudena/elpepuespmad/20100301elpmad_2/Tes
http://www.espormadrid.es/2011/06/tercera-y-ultima-fase-del-museo-de.html
http://www.espormadrid.es/2010/02/el-futuro-museo-de-las-colecciones.html

Cambios en el festival de Gijón

2012-01-16T13:58:00.000-08:00

Por Ana Oriyés

Al borde de cumplir su cincuenta aniversario, el Festival Internacional de Cine de Gijón, pierde al director que llevaba ocupándose de este evento desde el año 1995. Se trata de José Luis Cienfuegos, quien ha logrado que durante la última etapa el FICX pudiera tratarse de una referencia internacional. Hasta ahora el festival ofrecía una programación de cine independiente que cada vez estaba adquiriendo mayor prestigio y generaba así evento cinematográfico único en España. Además de las proyecciones, en cada edición del certamen se realizaban otras actividades culturales como conciertos y exposiciones, además de una animada vida nocturna que impulsaba a la hostelería de la ciudad.
La decisión del cese ha sido del actual gobierno de la región, Foro Asturias, que apuesta por una renovación de la imagen a manos de Nacho Carballo, ayudante de José Luis Garci. Las nuevas propuestas buscan un festival sin cine independiente con el que atraer a todos los públicos a través de una variación temática y de una ampliación su oferta con producciones televisadas, 3D y animación digital. Así mismo, se ha planteado la posibilidad de poner alfombra roja para que asistan personajes famosos y esto atraiga a más espectadores. Después de Rosina Gómez-Baeza (ex directora de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial) y Natalio Grueso (ex director de la Fundación del Centro Cultural Internacional Óscar Niemeyer), la nueva víctima de FAC es José Luis Cienfuegos.
Tras la sorpresa al recibir la inesperada noticia, buena parte de la población gijonesa ya ha puesto en marcha una iniciativa en la que pide al gobierno que se devuelva a Cienfuegos su antiguo cargo (http://actuable.es/peticiones/cienfuegos-como-director-del-festival-cine-gijon). Es lamentable que se destruya otro de los eventos que estaban concediendo una buena reputación tanto a la cultura de la comunidad autónoma como a la del país por su temática independiente, y me duele pensar que Gijón pueda convertirse en la sede de un “Festival de Telecinco”.
Una vez más, se demuestra en Asturias que la cultura no adquiere importancia hasta que no está al servicio del que manda.

GRAFIKA, ARTE URBANO EN EL INSTITUTO CERVANTES

2012-01-16T13:35:00.000-08:00

Por Mónica Alda Sanz

Desde el pasado mes de Octubre se puede ver, de forma gratuita, en el Instituto Cervantes de Madrid, la exposición Grafika. Se trata de una muestra de trabajos en conjunto de 30 artistas urbanos españoles que trabajan desde diversos medios y técnicas, pintura, escultura, fotografía, pasando por vídeo e instalaciones. Estos artistas, Javier Calleja, Rorro Berjano, Álex Castañeda, Nuria Mora, Pepa Prieto, Almudena Rodríguez, J. J. Rosado, Gonzalo Rueda, Rubén Sánchez, Savage Girl, Seleka, Marta Serna, Sixeart, SpY, Emilio Subirá, etc, trabajan utilizando las calles y la ciudad como fuente de su inspiración y como taller para llevar a cabo sus obras, todo ello en un contexto cultural alternativo de lo que ellos laman “hazlo tú mismo”. Trasladan lo que está sucediendo en los muros de nuestras ciudades a una sala de exposiciones.

Estas creaciones comenzaron en un principio como un fenómeno contestatario, rebelde, anárquico, crítico con el sistema y un tanto al margen de la ley, pero gracias a la aceptación y admiración del público y a los especialistas del campo del arte actualmente podemos ver estas obras dentro del circuito comercial. Galerías de arte y museos prestan sus salas para exponer las pinturas, objetos e instalaciones. Se podría decir que el llamado arte urbano ha conquistado las instituciones. Un tipo de expresión artística muy original, fresca y creativa que posiblemente a los amantes del arte más común no les despierte el más mínimo interés, pero que de una vez por todas parece abrirse camino en el mundo del arte. Porque, ¿no es “arte” también el arte urbano?

El Museo Episcopal de Vic

2012-01-16T11:30:00.000-08:00

Tenía intención de progresar en la actualización de mi fichero fotográfico y para ello, me interesaba fotografiar algunos objetos del Museo Episcopal de Vic, en especial, los pocos de origen hispanoislámicos que había conocido y estudiado muchos años atrás, cuando el museo, fundado a finales del siglo XIX, ofrecía un aspecto más próximo a los palacios de los coleccionistas decimonónicos que a las instituciones convencionales.

En 1995 el obispado de Vic, el Ayuntamiento y la Generalitat firmaron un convenio que debería culminar en la construcción de un nuevo museo. El proyecto, de Federico Correa y Alfonso Millà y financiado por la Generalitat, culminó en 2002, cuando fue inaugurado con un criterio expositivo bastante tradicional que, sin embargo, ofrece al visitante unas instalaciones bien ajustadas a sus expectativas y a las características de las obras, ordenadas según criterios cronológicos, funcionales y "estilísticos".

Por el exterior, el museo ofrece una fachada de concepción arquitectónica discutible, vigilada por una escultura en acero inoxidable del abad Oliva, obispo de Vic y abad de Ripoll y de Cuixà, que ofrece un lema excesivamente explícito y perfectamente sintonizado con la imagen que se ha "reconstruido" de ese personaje fundamental para la historia de Cataluña: "Pau y Treva". Invariantes castizos de la cultura catalana institucionalizada.

Como la página oficial del museo es elocuente y bastante completa, sólo deseo destacar la impresionante colección de telas antiguas, entre las que destaca el llamado "paño de las brujas", obra de telares andalusíes (¿alrededor del siglo XI?), que se conservó en magnífico estado, vinculado a funciones litúrgicas cristianas, como casi todos los fragmentos llegados a nuestros días, frecuentemente asociados a reliquias o a ajuares funerarios.

Lo más lamentable: nadie supo indicarme dónde estaban dos piezas que deseaba fotografíar, concretamente, sendos acetres hispanoislámicos, que registré en blanco y negro en la instalación museística antigua. Las personas que me atendieron —sumamente amables— me recomendaron dirigir un correo electrónico al director... Lo haré cuando tenga previsto regresar, tal vez, el año próximo.

Supongo que, si no se trata de un simple despiste mío, los acetres estarán en el taller de restauración, esperando turno detrás de otros muchos objetos metálicos no islámicos... o esperando que alguien invente una "sección" de acetres.

Tío Vania, de Chéjov, en los Teatros del Canal

2012-01-15T16:31:00.000-08:00

De nuevo, un montaje excesivamente sencillo sirve para ofrecernos las representaciones de Tío Vania, obra de reconocida solvencia, que Andrei Konchalovsky, director polifacético, llevó al cine en 1971, en contexto soviético... acaso para intentar mejorar la versión de 1963 (Laurence Olivier).

La actual versión de Santiago Sánchez es digna en cuanto a su resultado dramático global, aunque ofrece algunas carencias importantes. La más grave opera en la faceta interpretativa. Los actores no están mal, pero es notoria la escasa adaptación a los personajes de la obra; y ni el maquillaje ni el vestuario colaboran para ofrecer un resultado verosímil. El carácter de Ivan Petrovich Voinitkii (Tío Vania) no se puede entender en este montaje como el campesino austero que ha sacrificado su vida por la carrera falsaria de Alexander Vladimirovich Serebriakov. Y los mismo podríamos decir del resto de los personajes con excepción de Marina. Elena Andreevna no se aproxima a la idea de mujer joven bellísima de Chejov ni de lejos. Pero la máxima inadecuación corresponde a Sofía Alexandrovna (Sonia), que cuesta entender como campesina sacrificada y sobrina del tío Vania.

Antes de comenzar la representación, se escucha un comentario en ruso por megafonía... ¿Para crear una ambientación sociocultural rusa? Podrían haber recurrido a la ensaladilla rusa, los filetes rusos, los polvorones de la Estepa... como en el popular chascarrillo. Por desgracia, salvando el telón de fondo con textura visual de abedules y algún utensilio, apenas nada de lo que hay en el escenario nos remite a ese universo tan peculiar, dominado por el frío, por el agua y por los las estaciones desequilibradas.

La disposición de la sala, sobreelevando las butacas de la platea para crear un espacio escénico próximo al de los teatros griegos, incrementa la capacidad descriptiva de la mirada del espectador y esa circunstancia no beneficia el resultado porque devalúa perceptivamente a los actores, que se ofrecen con la escasa prestancia acentuada por un vestuario, a mi juicio, poco afortunado. Tampoco es muy afortunada la configuración del escenario cuadrangular, en el patio de butacas, rodeado de espectadores por tres lados, porque la concepción escenográfica casi siempre se ofrece frontalmente, para que adquiera entidad plástica el fondo de abedules.

Como de costumbre, el público aplaudió con fervor un espectáculo que, a mi juicio, estaría bien en el seno de una asociación cultural de pueblo de la España profunda.

Quizás dentro de unos años, el señor Boadella se haga las preguntas del tío Vania... por haber sacrificado su talento a una empresa tan condicionada por la cuenta de resultados. Esperemos que no se deje arrastrar al caos por "El demonio de madera" o que no decida proponer una versión aún más barata como la de The Reduced Shakespeare Company, que prefigurando criterios liberales en tiempos de crisis, comprimió la obra de Chéjov en tres renglones.

2012-01-15T12:16:00.000-08:00

Oliver Domingo propone este vídeo.

AEROPUERTOS FANTASMA

2012-01-15T08:24:00.000-08:00

Por Mikel Escobales

España, hoy por hoy, dispone de 49 aeropuertos públicos, de los cuales solo 11 no presentan perdidas económicas, incluyendo los helipuertos de Algeciras y Ceuta, es decir, el 77% de los aeropuertos españoles se quedan en números rojos. ¿Como se explica esto?
La verdad es que hasta para hacer aeropuertos les falta sentido común, la incoherencia y el desastre que ha provocado la política de construir aeropuertos a diestro y siniestro en todas partes, lo estamos pagando caro y tanto que caro, carísimo. El resto de los aeropuertos, tuvieron el año pasado un resultado operativo imputable negativo y entre ellos destaca, Madrid-Barajas, con más de 300 millones de pérdidas y una deuda que supera los 6.000 millones de euros. Este no es el único que destaca, también podemos hablar del aeropuerto de Castellón, todo un éxito, su construcción costó cerca de 190 millones de euros que han sido pagados por toda la comunidad y no hay vuelos, eso sí a la entrada del aeródromo nos encontramos con una escultura de cobre de 20 toneladas y 24 metros de altura que tanto revuelo ha causado, ya que ha costado 300.000 euros. Este monumento realizado por Juan Ripollés dicen que se parece a Carlos Fabra, ex presidente de la diputación de Castellón, aunque el artista lo ha desmentido públicamente diciendo que "la escultura tiene cuatro caras y de la cabeza sale un avión", añadiendo también que el regala todas las obras públicas, que no cobra dinero por ellas, claro, menos mal que el cobre esta barato. A todo esto añadir que el director del aeropuerto sigue cobrando 84.000 euros al año, es en estos momentos cuando pienso "SPAIN IS DIFFERENT".

Ciudad Real también fue noticia cuando la compañía aérea Vueling, anunció que dejaría de operar a partir del 29 de octubre de 2011 por problemas de rentabilidad. Esta infraestructura privada que ha costado 450 millones y tiene poco más de dos años de vida, va a echar el cierre temporal de un año debido a una deuda de más de 300 millones de euros.

Otro caso similar es el de Badajoz, que tiene nada más y nada menos que 35 empleados que siguen acudiendo puntuales a sus puestos de trabajo para encontrarse con un aeródromo fantasma. El ejecutivo regional ha declarado que su intención es mantener este servicio, al que destinará dos millones de euros en sus presupuestos de 2012, por el momento, la junta seguirá buscando una aerolínea que pueda operar en esta región.
Es esta la noticia que me llegó el sábado pasado mientras escuchaba la radio y todavía no logro entender como el gobierno permite semejantes proyectos (barbaridades), teniendo al 20% de la población activa en el paro. ¿Acaso pensaban que iba haber cola para volar desde Castellón, Burgos, Ciudad Real, Murcia, Vitoria, etc...?

Sabemos que vivimos en un país “formidable”, sin paro, sin problemas, sin delincuencia, no te fastidia!! Nos han jodido la vida, no hay puestos de trabajo, la gente joven como yo estamos estudiando, los que tenemos suerte claro, ya que otros ni eso, pero ¿para qué? ¿dónde vamos a trabajar? ¿ qué va a ser de nuestro futuro? ¿qué país nos está quedando y que país vamos a dejar a nuestros descendientes? Nuestros padres en el paro, conocidos, amigos, gente con 55 años que ya no tiene opción a trabajar, con la dignidad por los suelos...! Eso sí, de Castellón puedes ir en avión hasta el fin del mundo, porque en todos estos aeropuertos está invertido parte del dinero que nos podría haber ayudado un poco a salir de esta situación tan caótica.
Es un desastre!

Richard Rogers frente a la arquitectura neomudéjar. Las Arenas

2012-01-15T05:36:00.000-08:00

Richard Rogers, que pasó a la historia de lasa grandes aportaciones arquitectónicas hace muchos años, después de haber firmado varios proyectos excepcionales, como el Centro Pompidou (con Piano) (1972-78), el edificio Lloyd's (1978-86), el muy discutido y discutible Milenium Dome (1999) o la T-4 (con Antonio Lamela, 2005), fue el encargado de acometer en Barcelona una empresa difícil de evaluar desde la propuesta promotora. El encargo consistía en conservar la fachada de la plaza de toros de la Arenas —inaugurada en 1900, según proyecto de Augusto Font i Carreras— para convertir su interior en un centro comercial de diseño y planteamiento poco convencionales, después de vaciar todas las estructuras supeditadas a la función inicial y de "calzar" la fachada sobre una cimentación nueva. ¿Quién dijo que la levitación era físicamente imposible? Las razones "aparentes" de un encargo tan excepcional: según los arquitectos municipales Las Arenas necesitan una intervención radical porque muchas de sus estructuras amenazaban ruina.

El nuevo centro comercial se inauguró a finales de marzo de 2011 con un éxito comercial absoluto: se habían alquilado todos los espacios comerciales, entre los que hay un gimnasio de lujo, que ocupa una de las plantas superiores y ofrece un circuito de running "por el cielo de Barcelona", las tiendas habituales, un museo del Rock, varias salas de cine, algunos espacios de uso diverso y un conjunto de restaurantes colocados en la terraza superior.

Con una inversión de 200 millones de euros, el resultado, desde la perspectiva del visitante ocasional, es brillante, espectacular y sorprendente. Rogers ha convertido el cilindro proyectado por el círculo de la antigua plaza de toros en espacio exento, que gestiona la distribución de luz y los medios de comunicación vertical, básicamente mediante tramos de escaleras mecánicas propias del metro de Moscú, por su longitud. El conjunto se cierra mediante un voladizo, que convierte la última planta en un paseo callejero con vistas espectaculares sobre la ciudad, y una bóveda que es imposible ver en todas sus cualidades desde el exterior, por razones perspectívicas obvias.

La "política" municipal catalana, empeñada en convertir la ciudad en un museo de arquitectura contemporánea ha añadido un nuevo capítulo al catálogo firmado por los arquitectos más prestigiosos del momento: Richard Meier (MACBA), Jean Nouvele (Torre Agbar), Normand Foster (Torre de Collserola), R. Moneo (Auditorio), Calatrava (Bac de Roda), Bofil (Teatro Nacional de Catalunya), etc.

Dentro del grupo de nuevos edificios sobresalientes, acaso sea uno de los más interesantes de Barcelona desde el punto de vista constructivo, que por sus peculiaridades, deja en juego de niños la fachada de la antigua central eléctrica sobre la que Herzog & Meuron diseñaron el edificio de Caixa-Forun en Madrid.
Pero más allá de la dificultad constructiva de sustituir la cimentación de la fachada de una plaza de toros, en este caso destaca el juego propuesto por Richard Rogers para proyectar una "intervención" que conjugue su manera de entender la arquitectura —lanzando la instalaciones hacia el exterior— con el condicionante de mantener la antigua fachada. El resultado es un panorama visual que, en sus cualidades perceptivas, nos hace recordar todas las leyes de la Gestalt. Aunque los conductos de las instalaciones que se intuyen desde el exterior fueron pintados en tonos vivos, la imagen de conjunto sigue dominada por la contundencia estructural (estructura visual) y significante de la fachada neomudejar, definida mediante agrupaciones de arcos, retículas de vanos, "cenefas" o "brocados" de arcos de herradura y piezas cerámicas, pilastras, etc.. El orden, la simetría, la regularidad, el ritmo simple de la antigua plaza de toros se impone a los detalles puntuales, repartidos aleatoriamente por la fachada. Sin embargo, perdida la función estructural, la antigua fachada se ha transformado en un "telón exento" o "vestido flotante", puesto al servicio de las ideas más elementales del movimiento high-tech, en un edificio comercial acotado mediante un cerramiento prácticamente invisible desde el exterior.

Reconocidos los méritos del proyecto de Rogers, queda preguntarse si es razonable la fórmula empleada para armonizar la conservación del Patrimonio Histórico-Artístico con las pretensiones especulativas... ¿He dicho armonizar...? ¿Dónde está el edificio de Augusto Font i Carreras? No hace mucho, Martín M. Checa Artasu (Colegio de Michoacán) se planeaba la cuestión en un texto sumamente interesante cuya lectura recomiendo: "Refuncionalizaciones polémicas, plazas de toros y arquitectura neomudéjar: algunos ejemplos en España" (enlace).

Sí, ya sé que en toda la aventura ha pesado mucho la voluntad de manifestar la animadversión que producen los festejos taurinos en ciertos sectores de la burguesía catalana y entre las generaciones jóvenes. El 28 de diciembre de 1988 —¡vaya inocentada!— la Asociación para la Difusión de la Tradiciones Taurinas de Cataluña (ADITAC) solicitó al Departamento de Cultura de la Generalitat, la incoación de un expediente administrativo para la declaración de la plaza de toros de "las Arenas", como bien de interés cultural. La solicitud fue denegada porque en Cataluña las cosas del poder y del dinero son muy serias y porque, según la autoridad competente, "la plaza de "las Arenas" no constituye un edificio con suficiente interés histórico o artístico".
Los de ADITAC interpusieron recurso contencioso-administrativo y el Tribunal Superior de Justicia de Cataluña les dio la razón en 13 de julio de 1991. Lógicamente, la Generalitat apeló al Tribunal Supremo... El texto de Checa Artasu recoge muchos aspecto del conflicto político entre "catalanistas" y "taurinófilos", que culminó en la "solución salomónica" hoy ofrecida: conservar la fachada y redefinir su funcionalidad.

El proyecto de Rogers acaso sea una maravilla, pero entre quienes toman las decisiones políticas ha de medrar el virus de la estupidez... también en Barcelona. De otro modo no se comprendería una visión de la arquitectura tan inclinada hacia lo aparente y distanciada de lo funcional. Porque en coordenadas de interpretación histórica la obra de Rogers se aleja radicalmente de los postulados high-tech para caer en la órbita de las corrientes antifuncionalista, con excesivo arraigo en España.

Si prevalece este modo de interpretar la Ley del Patrimonio Histórico Español y la defensa de la arquitectura "antigua", se podrían plantear proyectos que "conserven" las catedrales españolas del mismo modo: salvando la fachada para colocar dentro centros comerciales. Podrían empezar por la catedral de Barcelona...

¡Qué locura!

HERITY. El museo del teatro de Caesaraugusta

2012-01-14T11:08:00.000-08:00

El museo consta de un edificio de la antigua judería, reconstruido al efecto, que se comunica con los restos del teatro, descubiertos en 1972 y "protegidos" por una cubierta traslúcida de policarbonato; el conjunto se inauguró en 2003, tras un gasto próximo a los 12 millones de euros. En aquella época eramos ricos...

Cobran 3 € por entrar y como imaginará el lector, a pesar de la relación con el British y con el Palacio de Cibeles, no concentra excesivo interés del turista medio, entre otras razones, porque es posible ver el teatro desde la calle. Es de suponer que sus posibilidades crezcan con el estío, cuando sea posible organizar eventos de cierta ambición escenográfica, siguiendo las pautas de Mérida.

Junto con los de la termas, el puerto fluvial y el del foro, forma parte de una iniciativa, nominalmente destinada a incrementar el potencial cultural y turístico de Zaragoza y sujeta a un patrón de valoración nacido en Roma en 2002, al amparo de un organismo amparado por la Unesco, conocido por las siglas HERITY, acrónimo que fusiona los términos "Heritage" y "Quality". Herity materializó las actividades de sus miembros activos en la Segunda Conferencia Internacional celebrada en Roma hace tres años en varias conclusiones que parecen tomadas del "manual de estilo" de Alicia en el país de las maravillas, pero que son el fundamento generador (motivacional) del "turismo cultureta", por el lado de la demanda:

1. Cultural Heritage value is perceived in different ways by residents, tourist and other stakeholders. This whole of perceptions represents a collective richness and a chance for better understanding past experiences when designing strategies for the future. In that sense, it lets us to improve quality of life;
2. Not only outstanding value can be reported, it is possible to highlight also other characteristics which make possible to consider common places and human activities remains "unique" due to the specific experience you may live when visiting them. Anyway, Cultural Heritage value can be perceived only if it is possible to understand its message(s) in a clear, complete and efficacious way;
3. Cultural Heritage value can be measured and described to the public. Plain systems, familiar to persons who live and travel all over the world, should be adopted while involving people in understanding and preserving Cultural Heritage value. As a result, transmitting of its meaning(s) should be considered a common responsibility;
4. Cultural Heritage value understanding contributes to mutual comprehension among people and cultures as well as to the success in terms of economic and social development, especially through tourism and related activities. This is why it should be supported implementing adequate systems of description and diffusion in developed, developing and least developing countries, also in period of crisis.

Confiemos en que estas propuestas encuentren eco entre quienes están obsesionados con el déficit y con no perder prerrogativas.

La Seu d'Ègara, una intervención ejemplar...

2012-01-13T16:12:00.000-08:00

Al sacar la entrada, la persona que nos atendió entreabrió la puerta del esperpento, al decirnos que estaba prohibido hacer fotografías en el interior de las iglesias.Y me acordé del MACBA... Por fortuna, él mismo la cerró amablemente, al indicarnos sin demanda alguna, que si deseábamos hacerlas, bastaría con dejarle nuestro nombre y dirección... Aún me pregunto por qué y para qué... ¿Quizás por saber a quién perseguir si, de la noche a la mañana, desaparecía "el espíritu" de alguna pintura?

Durante los años pasados, mediante un acuerdo suscrito entre la Generalitat de Cataluña, la Diputación de Barcelona, el Ayuntamiento de Tarrasa, el obispado de Barcelona y la parroquia de Sant Pere, se ha planteado y ejecutado un proyecto de estudio, restauración e integración urbana del conjunto de las antiguas iglesias de Tarrasa, cuyos resultados ya es posible contemplar, a salvo de algunos "remates" de menor entidad (en el acceso). Por fin conocemos con cierto detalle el desarrollo histórico de una zona muy activa en lo religioso desde la Antigüedad.

Tras varios años de esfuerzos (el primer proyecto se planteó en 1994 y los trabajos comenzaron en el 2000), el resultado es espectacular y un magnífico ejemplo de cómo afrontar intervenciones en el patrimonio histórico-artístico de titularidad episcopal sin que suenen trompetas apocalípticas o surjan disyuntivas dramáticas o estúpidas, como las que son habituales en otras "regiones españolas".

No conozco en Europa caso mejor resuelto que éste... Sé que se está trabajando en algunos yacimientos italianos y franceses con planteamientos afines, pero me temo que, durante algún tiempo, el conjunto de Égara definirá modelo a seguir. Deduzco que el reconocimiento será general y culminará en la catalogación del conjunto como "Patrimonio de la Humanidad".

Como existe una web con información bastante completa, me limitaré a enfatizar algunos aspectos que me han interesado especialmente y aquellos que me parecen discutibles...

El edificio del museo está entre los primeros, contando incluso, con la escasa confortabilidad de las baldosas de vidrio, imprescindibles para poder contemplar lo que no podríamos ver de otro modo.

Me ha encantado la fórmula elegida para ofrecer al visitante el desmesurado caudal informativo proporcionado por las excavaciones arqueológicas, contando incluso, con la previsible crítica de los "puristas", que podrían considerar inaceptable la "interpretación" visual ofrecida al público. A mí me parece que el resultado es espectacular y sólo le veo una circunstancia negativa, imposible de subsanar: la desmesurada complejidad del caudal informativo ofrecido al visitante.

San Miguel

Me ha alegrado mucho contemplar que, por fin, se clasifica esta pequeña iglesia de acuerdo con lo que "parecía" evidente. Si la iglesia es de planta "central" (orientalizante); si sus fórmulas constructivas —de cierta complejidad— parecen tardorromanas... o, mejor, de gran influjo bizantino (cimacios de gran desarrollo), lo lógico sería considerar que este edificio fue construido hacia el siglo VI. Esa atribución zanja un problema asociado a este edificio: los capiteles reutilizados empleados. Si el edificio fue construido durante el siglo VI, los capiteles —manifiestamente reutilizados— deben ser anteriores.

Los capiteles de hojas lisas ofrecen estructura compositiva perfectamente homologable con las fórmulas romanas del siglo II.

Los otros, que algunos eruditos han juzgado "visigodos", son piezas derivadas del orden jónico, según fórmulas de interpretación local, que no presentan influjos orientales y, en consecuencia, también podrían haber sido tallados hacia el siglo II o incluso antes.

También me ha alegrado la rectificación de las hipótesis de Puig i Cadaflach, que transforman radicalmente su carácter ritual: San Miguel no fue baptisterio, sino un edificio dedicado a honrar reliquias de especial valor para la comunidad cristiana.

Los aspectos discutibles

Sobre esa clasificación del siglo VI, recogida en la página "oficial", a mi juicio, se deberían matizar algunas circunstancias importantes:

1. San Miguel contiene en los muros un conjunto de "restauraciones", reparaciones y todas suerte de "parcheos" que, con esa clasificación, ofrecen una imagen muy deformada de lo que pudo ser el edificio original. Como me consta que sería imposible ofrecer esa información sobre el propio edificio, echo en falta algún tipo de información complementaria que acote mejor lo que seguramente habrán observado los arqueólogos y restauradores.

2. El ábside contiene indicios claros sobre su realización, en un momento posterior al bloque principal. En esa dirección apunta la propia naturaleza estructural del ábside y, sobre todo, la forma de resolver la unión entre muro y cubierta que se aprecia desde el exterior. El saledizo de goterón se obtuvo en el ábside escalonando ladrillos con escaso vuelo, mientras que en el resto del edificio se empleó una fórmula mucho más práctica y muy difundida en todo el mundo mediterráneo, aprovechando las posibilidades tectónicas de las tejas curvas. Además, la mampostería del ábside, aunque presenta cierta similitud con la del resto de los muros, ofrece modalidades sensiblemente más pobres. En consecuencia, es lógico suponer que se realizó en un momento de menor capacidad tecnica, seguramente, con posterioridad al siglo X.

Y hablando de otras cosas...

Me ha dejado perplejo que no se hayan encontrado restos relacionados con los años en los que la zona catalana estuvo bajo dominio islámico... ¿Cataluña permaneció impermeable a los influjos culturales de Alándalus? Nadie lo diría sabiendo que el catalán tiene casi tantos "préstamos" de la lengua árabe como el castellano...

Tampoco entiendo bien las razones que pueden haber impulsado la colocación de unos paneles sobre Joan Maragall en el edificio-museo... O quizás sí. En Cataluña está muy clara la relación entre "lo cultural" y el sentimiento nacionalista.

El Macba. ¿Museo de arte contemporáneo o galería publicitaria?

2012-01-13T13:34:00.000-08:00

Hacía tiempo que no visitaba el MACBA, tal vez, porque en Barcelona hay demasiados lugares atractivos y mis necesidades se ven mejor abastecidas en el Raval, en la Baceloneta o en las Ramblas, por donde circulan las personas que alimentan ese "seny" tan grato a quienes somos mediterráneos de secano. Además, las necesidades estéticas se alimentan mejor bajo motivaciones profesionales o cuando sobra el tiempo. No obstante, con gran complejo de culpabilidad por el tiempo transcurrido, estas vacaciones nos propusimos dar un paseo por sus salas de alba geometría.

Desde mi prisma invernal, el MACBA se ha convertido en algo muy parecido al primer Reina Sofía, para bien y para mal. Para bien, porque aún conserva la voluntad de ser un centro de gran proyección cultural y acaso lo consiga. Para mal, porque las salas contienen "lo de siempre", lo que dictan los manuales de Historia del Arte rendidos a la preponderancia del MOMA y porque comparte con el madrileño muchas de sus flaquezas y alguna más. Ahora resulta que en el interior del MACBA sólo se pueden hacer fotografías a los espacios diseñados por Richard Meier, pero no en las salas donde se exponen obras... ¿Para preservar el alma de las obras o los derechos de reproducción? Parece que sus gestores tienen claro el orden de prioridades...
Por fortuna, los ojos de Atenea captan casi todo, incluso las obras de Tàpies, que cada vez me inspiran menos interés, salvo la prevención inducida por la necesidad de circular bajo la cama desmesurada... Es sabido que ciertos artistas de arraigo catalán no se distinguen por "colgar" sus cosas con demasiada seguridad. Lo saben hasta en Suiza.
La anomalía anti-icónica, que fue casi universal en algunos lugares de Barcelona, sintoniza con otra circunstancia turbadora: la multiplicidad de carteles publicitarios de cierta entidad financiera. ¿Estará en fase de privatización...?

Al entrar en el museo el espacio de Maier deslumbra por su nitidez y funcionalidad... A la salida, al girar la cabeza y contemplar las galerías que facilitan la circulación y la difusión luminosa, me dio la sensación de que el MACBA, de blancura-pladur impoluta, se ha convertido en prisión de tercer grado, donde la popular institución financiera guarda y vigila para evitar demarrajes extremistas, como los de Hans Haacke, agitador que tuvo la osadía de enfatizar los inframundos de las acciones sociales motivadas "por amor al arte". Lo sublime es demasiado serio para dejarlo en manos ingenuas.

Pero nadie deduzca que impera la orientación elitista en la personalidad social del museo, porque aunque sean escasos sus visitantes —el vulgo prefiere la plaza de Canaletas o el centro comercial de las Arenas—, entre sus parroquianos hay un grupo de personas de manifiestas limitaciones económicas, que han convertido el espacio comprendido entre la plaza de les Camarelles y los jardines de Torres i Clavé —es decir, buena parte del complejo MACBA—en su hogar: habitan en los alrededores, hacen vida social cerca del acceso principal y guardan sus pertenencias junto a la puerta del "Aula 0". En Madrid la autoridad competente hubiera enviado un batallón de "seguratas" para expulsarlos a hostias o hubiera cerrado los accesos a las plazas, como en el "espacio Nouvele" del Reina. En Barcelona impera la mesura, por supuesto, debidamente reglamentada. Es sabido que los catalanes "de buen tono" tiran de manual hasta para mear.

Acaso lo más llamativo de cuanto pudimos contemplar fuera el proyecto comisariado por Jorge Díez, que ha convertido las paredes del museo de una pintoresca exposición de carteles de apariencia "escolar", con textos de la constitución de 1812, entre los que destaca una bandera republicana de dimensiones estimables... ¡Con la que está cayendo! Ideas como ésta justifican hacer 600 kilómetros: incluso en un lugar tan engolado como el MACBA puede surgir la chispa sorprendente, el gesto divertido, la propuesta agitadora. Y uno, en su ingenuidad, llega a la conclusión de que merece la pena viajar a Barcelona, aunque cada vez sea más caro comer en cualquier chiringuito.

“WITH CHILD”: HOWARD SCHATZ.

2012-01-10T11:05:00.000-08:00

Por Oliver Domingo.

“With child” es el nombre del proyecto que ha publicado recientemente el fotógrafo Howard Schald. Este hombre americano, se especializó en oftalmología, pero siempre tuvo un gran interés por retratar a mujeres embarazadas, y a día de hoy, tras varios años trabajando en la consulta, ha pasado a dedicarse por completo a la fotografía. Desde su primer año de residente, nunca dejó de hacer fotos a las mujeres embarazadas, pero fue más adelante cuando descubrió que lo que realmente le fascinaba era la forma escultórica que adquiría el cuerpo en las últimas semanas de gestación. Es aquí donde comenzó a explorar sobre el tema.

Muchas de las modelos del proyecto son bailarinas, lo cual ha aportado otro grano de creatividad al trabajo artístico de Howard. Dice que la mayoría de las modelos acudieron a él por el simple boca a boca. Al principio contactaba con ellas a través de ginecólogos y enfermeras, y no se las pagaba con dinero, sino con las fotos y la experiencia de hacerlas. Comenzó a hacer las fotos en California, y más adelante se trasladó a Nueva York.

Principalmente, su arte es el juego de las formas, y poco a poco, fue sacando más partido a la iluminación y al uso de materiales para cubrir la piel. Al colocar a la modelo, siempre procura ponerla de tal modo que se aprecie bien la forma, y por ello, nunca hace las fotografías de espaldas o de frente.

Este trabajo comenzó hace veinte años, y una vez que los niños nacieron, Schatz fue fotografiándolos anualmente. Posteriormente, las madres de estos niños, entregaron al fotógrafo las prendas de la actividad favorita del niño, acompañadas de un cuestionario que rellenaron sobre su vida. Todo esto fue guardado por Schatz sin leerlo como si se tratase de una cápsula del tiempo, que no abriría hasta que los niños tuviesen los dieciocho años de edad. Todo este material, lo empleará para su próxima obra: “Growing Up” (crecer).
Este libro con 150 fotografías, forma parte de su larga lista de publicaciones. Howard ha expuesto en prestigiosas salas y museos, y ha recibido reconocimiento internacional por su trabajo. En 2010, fue nombrado Fotógrafo del año por el “Prix de la Photographie de París”. Actualmente, vive y trabaja en Nueva York con su mujer, que también destaca con publicaciones como “Asuntos de luz” (Aperture, 2005), y ha recibido premios prestigiosos de fotografía como el del “International Center of Infinity Award” en 1997.

2012-01-10T11:00:00.000-08:00

Por Clara Fernández y María Gil

Érase una vez Pablito, un pobre joven que estudió Bellas Artes con la ilusión de ser artista. Un día, Pablito terminó su carrera y llegó lo difícil, buscar trabajo. Se paseó por toooooodas las Galerías de Madrid, pero claro, no era ni reconocido ni se apellidaba Rembrandt, y al pobre se le cerraron todas las puertas. Pasaron los meses y los años, y ese trabajo temporal que había cogido para mientras tanto se alargó años y años.
Érase otra vez un niño llamado Samuel que vivía en Camerún. Mientras jugaba un partidillo con los amiguitos del cole, un señor muy bien vestido se le acercó y le dijo:
“¿Te gustaría venir a España a jugar en el Real Madrid?”
Y Samuel, lleno de alegría e incredulidad, le respondió:
“Claro que sí”.
Y ese niño que jugaba en una campo de tierra, con apenas dinero para comer, se convirtió en un rico y famoso jugador de futbol llamado Samuel Eto’o.
Moraleja, en la vida hay que tener suerte y ser bueno en lo que haces, o bien, tener un padre que se apellide González-Sinde.
Con esto queremos decir que un joven artista si no tiene una oportunidad para entrar en el mundo del arte (galerías, museos…) seguirá divagando por algún empleo mediocre con tal de trabajar en lo que verdaderamente le gusta, que es el arte. De igual forma, si un jugador de futbol no consigue que un ojeador le vea, pasará su vida en campos de tercera con el sueño de formar parte de un club.
En resumidas, que el mundo del arte y el futbol están más unidos de lo que parece:
MOMA vs Real Madrid
Galería Soledad Lorenzo vs Rayo Vallecano
Bar El brillante vs CD Fortuna

2012-01-10T10:43:00.000-08:00

Por María Gil y Clara Fernández

Érase una vez un futuro Presidente de Gobierno que en su programa electoral proponía un cambio en la ley de Educación. La modificación consistía en aumentar un año más de Bachillerato con el fin de disminuir el fracaso escolar. Pues bien, durante los días de campaña en las tertulias eso no sería importante porque no lo comentaron, pero llegó el día. El 20 de Noviembre de 2011 Mariano Rajoy es elegido Presi.
Pasados unos días empezaron a pasarse las carteras a los nuevos miembros del Gobierno para que pudiesen ver la deuda que tenía el país y ajustar los presupuestos. Aquí viene la gracia. De repente, el líder de la oposición, Alfredo Pérez Rubalcaba, se dio cuenta que para hacer el cambio en la ley había que gastar dinero ¡Qué sorpresa! En los fantásticos programas de televisión de por la mañana, donde hacen esas tertulias tan amenas, decidieron seguir con el tema. No sabemos por qué pero nos sorprendimos de que todos se preocuparan de lo mismo: ¡¡que hay que invertir dinero señores!! Y nadie se preocupó si la enseñanza mejoraría con el cambio o no, y eso que en los mítines es uno de los temas que más preocupan.
Con lo cual, que seguimos en las mismas, la pela es la pela, y donde esté un buen coche para un ministro que se quite la educación.

ANSELM REYLE: DEL LIENZO AL ARMARIO FEMENINO

2012-01-09T08:10:00.000-08:00

Por Ana María Gómez

¿”Y quién es él”?

ANSEL REYLE es un joven artista alemán (1970) que vive y trabaja en Berlín. Su obra se ha calificado como abstracta y de tintes informales. Él confiere actualidad a géneros clásicos en la Historia del Arte como el Expresionismo Abstracto o el Minimalismo.
Sus obras son famosas por sus colores ácidos y creaciones simples, realizadas con técnicas mixtas utilizando plásticos, cromo, esmaltes... En cuanto a sus pinturas aunque con una amplia temática, quedan unidas por un ácido nexo común, la agresividad de la iluminación de neón junto las paletas de colores psicodélicos.
¿Por qué este artista es hoy carne de revistas femeninas de moda tipo “Elle” o “Glamour”?-. Ya antes era famoso porque galeristas poderosos como Gagosian o Saatchi habían apostado por él, convirtiéndole en habitual de las subastas y ferias de arte contemporáneo y así ha cautivado a coleccionistas legendarios como Francois Pinault.

La noticia de actualidad es que hace poco Delphine Arnault (hija del “dueño” del poderoso grupo LVMH), y General Manager de Dior, llamó a la galería de Reyle para plantearle una colaboración. Delphine Arnault había seguido su obra y coleccionaba sus piezas desde hacía tiempo. Hubo acuerdo por ambas partes y hoy la colaboración con la casa Dior es una realidad. (La colección de accesorios Reyle-Dior está ya disponible).

A la legendaria pregunta de si la moda es arte, Asnselm Reyle responde que no. Para él los bolsos son sólo bolsos y nada más. Sin embargo envidiable es su discurso cuando explica que esta colección abraza la paradoja de que aunque sea “de camuflaje” utiliza colores ácidos y de neón (ampliamente discreto todo ¿verdad?). Al parecer tuvo una formación clásica en Bellas Artes (debió realizar mucho bodegón) y siempre quiso servirse de colores fuertes e imposibles. El matiz reivindicativo del artista tenía que aflorar por algún sitio….

Aún así debemos alegrarnos por él y reflexionar sobre el hecho de que entrar en el circuito del gran consumo no tiene porqué ser malo. Llevemos arte o “lo que sea” a esos mundos, porque además nos lo pagan a veces bien…..¿Por qué Delphine Arnault no nos hace una visita?.

El cine como vehículo de ideas

2012-01-09T05:54:00.000-08:00

Por Jesús Moreno Fresneda

Conocimos la noticia en enero del pasado 2011, pero hace poco volví a escuchar algo sobre ello.Al margen de otros documentales y telefilmes que se ruedan de la BBC o la HBO por ejemplo, Hollywood está preparando una película sobre la vida de Julian Assange, fundador del polémico portal Wikileaks. Los encargados para esta tarea son nada más y nada menos que la compañía DreamWorks, de Steven Spielberg, quienes compraron los derechos del libro "WikiLeaks: la guerra de JulianAssange con la confidencialidad".
Coincide además que me llega esta información con un reportaje en el País Semanal en el que Spielberg declara en portada “Hollywood no es una herramienta política”. Creo que no meditó demasiado esa frase. Es muy difícil separar un mundo que mueve tanto dinero de intereses políticos. Cierto es que gracias a numerosas películas el cine de Hollywood se permite el lujo de tocar temas delicados y complejos (aunque siempre sin ahondar mucho y bajo frases como “basado en una historia real”) saliendo impune, haciendo caja y, sobretodo, dejando claro el lado del que hay que estar y la opinión que se debe tener sobre cada “batalla”. Todo ello sin que nadie les rinda cuentas.

Y no sólo me remito a Hollywood, aunque pueda ser quien más difusión e influencia tenga en esta nuestra sociedad occidental asolada pro la crisis. El cine, la imagen real, puede ser y es vehículo de ideas que digerimos sin esfuerzo y tomamos como verdaderas sin quererlo. Crea mundos paralelos muy parecidos al nuestro y esto hace que salgamos de las pantallas con muchas metáforas y comparaciones con nuestras vidas.
Habrá que ver ahora cómo funcionan“en la realidad” tramas de publicación de documentos secretos, etc. El caso es que el historia tiene de todo. Guerras en Iraq y Afganistán, líderes mundiales, teléfonos pinchados, escuchas, conspiraciones contra el protagonista… un señor guión. ¿Dejará de ser una vida real?.¿En qué punto se dejará a un personaje capaz de sacar a la luz secretos de estado? Seguro que en uno muy alto, nos encantan los héroes que luchan por la verdad.

Los del PP ven los Simpsom

2012-01-09T05:14:00.000-08:00

Me lo envía Óscar Riquelme

La ministra Sinde como El Cid...

2012-01-09T05:00:00.000-08:00

Me pasan un enlace interesante sobre el desarrollo de la Ley Sinde, asumido por el nuevo gobierno del PP

http://torrentfreak.com/us-threatened-to-blacklist-spain-for-not-implementing-site-blocking-law-120105/

LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE FORQUÉ

2012-01-09T04:18:00.000-08:00

Por Jon Iparraguirre Martínez

En el diario nacional EL PAÍS aparecía el pasado sábado 24 de diciembre una pequeña entrevista a la hija de la actriz Verónica Forqué y el director de cine Manuel Iborra, María Forqué (no pasa desapercibido el hecho de que se haya puesto el apellido materno en primer lugar, que curioso) estudiante de tercero de Bellas Artes en la Complutense, por si alguien no se había enterado aún.
Sin ninguna consideración para con su madre, titulaban la entrevista como La hija del anticristo, pues así fue como denominó a la susodicha el performer Luzio Vega al conocerla, en una fiesta de una revista de moda.
Sobre su obra apenas dedican una frase en todo el artículo, definiéndola como “redefinición pos-punk de Egon Schiele” y desde luego no aparecen imágenes de esta. Pero, ¿a quién le importa su obra?

No quiero que este escrito se entienda como un ataque hacia su persona o su obra, pues no conozco ninguna de las dos. Tan sólo me gustaría resaltar lo elocuente del artículo, sobre una artista plástica en alza, pero en el que prácticamente no se habla de su obra. Ella misma se muestra muy consciente de sus circunstancias y reconoce que “todo lo que me ofrecen es por ser hija de, sé cómo se mueve esto”.
Desde luego, esto no constituye ninguna novedad, sin embargo uno podría preguntarse “¿para qué estudiar Bellas Artes?”. María parece tenerlo claro: “voy a la facultad, no a clase”.

La gente no es tonta...

2012-01-09T04:12:00.000-08:00

Me lo pasa Irene Muñoz

D.E.P. Centro Cultural Óscar Niemeyer

2012-01-09T03:39:00.000-08:00

Por Ana Oriyés

Mientras que la oposición del gobierno asturiano imploraba a Foro Asturias la ejecución de un acuerdo para la restitución de la Fundación Niemeyer a los edificios que gestionaban hasta hace unos días y que les fueron despojados el pasado 15 de diciembre, el gobierno regional ya se ha encargado de tomar la primera medida para marcar su nuevo territorio, llamando al Niemeyer el nuevo “Centro Cultural Internacional de Avilés”. Se culpa de la ruptura de estas negociaciones a la Alcaldesa de Avilés, Pilar Varela, al no aceptar una auditoria externa sobre la gestión del centro, pero ésta asegura recurrir a la vía judicial para que la Fundación Niemeyer pueda recuperar el uso de los edificios.
El futuro que le espera al conjunto arquitectónico avilesino parece bastante confuso y desmoralizador. Durante los últimos días la prensa informa de los preceptos de la nueva gestión del complejo, provisionalmente en manos de la empresa pública “Recrea” que denuncia a los antiguos gestores el mal estado de las instalaciones y que comunica que los próximos contenidos del centro correrán a manos de la Dirección General de Patrimonio. El “Centro Cultural Internacional de Avilés” dispondrá de 800.000 euros, es decir, la misma cantidad que obtenía anteriormente del Principado para costear la programación, lo que resulta angustioso teniendo en cuenta que con la anterior gestión se empleaban sólo 1.000.000 euros para mantenerlo sin contar con la programación, lo que implica una clara reducción del presupuesto al no disponer de la participación de una fundación privada de la que se ha prescindido por una supuesta opacidad a la transparencia de cuentas. Se tratará de una infrautilización, pues está por ver cómo piensan sacar adelante su mantenimiento y qué tipo de acontecimientos acogerá, pues para seguir el modelo de centro cultural tradicional que se pueda costear con los escasos fondos públicos es una pena utilizar unas instalaciones tan prestigiosas.

El porvenir se presenta oscuro. Me temo que, lamentablemente, seremos los espectadores del progresivo deterioro tanto de las estructuras como de las propuestas culturales del nuevo “Centro Cultural Internacional de Avilés”. Tras la esperanza que se sembró en nuestra región hace menos de un año con la implantación de una Fundación internacional capaz de traer a nuestra pequeña comunidad proyectos artísticos contemporáneos reconocidos fuera de nuestras fronteras y así mismo, gracias a la trascendencia de la Fundación, impulsar a los jóvenes artistas asturianos. Está claro que actualmente el centro sigue ahí y sus puertas no están cerradas, pero dentro de ellas lo único que se encuentra son las ruinas de un modelo cultural que en su momento dejó entrar a Asturias un rayo de luz.

Arte y decoración. Diálogos escultóricos. El Corte Inglés Castellana. Hasta el 31 de diciembre de 2012.

2011-12-30T05:58:00.000-08:00

Por Martín Peño

El Corte Inglés ha inaugurado en Madrid (Paseo de la Castellana, 85) una galería de arte contemporáneo, que bajo el nombre "Espacio de las Artes", organizará exposiciones temporales en las que participarán "tanto creadores consagrados como otros nóveles, pero que ya demuestran un talento especial" en las distintas expresiones artísticas. Sus obras estarán a la venta en el propio espacio expositivo, siguiendo la dinámica habitual de cualquier galería de arte. Contará con una asesora profesional (María Porto, ex directora de Galería Marlborough Madrid). También se plantea como una iniciativa con la que acercar el arte contemporáneo al gran público.
La primera muestra, ofrece un recorrido por la escultura española de los siglos XX y XXI. Trece artistas españoles que exhiben un total de sesentaicinco obras, entre las que se incluyen esculturas, grabados y dibujos.
Sin duda alguna lo primero que hace movernos hacia esta “cita” es la curiosidad. Pero también saber cómo está presentada, dónde se ubica, que categoría de obras nos encontraremos, qué ambiente habrá... sobre todo el ambiente.

Encontramos un espacio que no difiere de los que se encuentran a su alrededor, para quien no esté familiarizado; estancias que se distinguen entre sí por el género y si acaso el pasillo por el que realizar la “procesión”. Ambientado en el edificio de decoración e interiorismo, a pesar de la voluntad de hacerlo creíble, la cabeza no deja de traicionarnos y hace que comparemos la barbaridad de €uros que aparecen junto a los títulos de las obras, con las reproducciones de muebles y figuritas de lugares exóticos, dormitorios ostentosos por donde se han repartido libros de arte, diseño, arquitectura a diestro y siniestro. Y mientras, podemos oír la conversación de currelas del lugar que van a desmontar algún espacio de muestra y no dejan de repetir lo de “como yo no entiendo...”. Un joven con el pelo engominado, de clase alta, ejecuta la llamada pertinente y se deja aconsejar por su asesor. La desolación del lugar y el aburrimiento de las personas que con su uniformidad atienden, no se sabe si evidencian el período de vacas flacas que toca vivir o que ciertamente no es el contexto más adecuado.
Nosotros, la verdad, nos fuimos un poco desilusionados. Esperábamos el ambiente repleto de criaturas haciendo peligrar lo colocado, con sus padres histéricos, o indiferentes y aburridos; exabruptos y mofas de gente que ocasionalmente pasase por allí; la desaprobación de que aquello ¿es arte?; el rincón de las baratijas concurrido por despistados; el desagrado ante el ambiente de quién se hubiera acercado con intención... En fin, unas expectativas que no se cumplieron del todo. Posiblemente porque quizás tendríamos que habernos ido a otro lugar, donde hubiéramos deseado que acaeciese el evento.

GAGA. La musa y máquina de hacer dinero

2011-12-29T09:46:00.000-08:00

Por Ana Blázquez

Que Lady Gaga sea un icono mediático, es algo que sabemos desde hace un par de años. La cantante llama la atención allá a dónde va.

Según la revista Forbes, es la cantante femenina que más dinero gana. En este último año ha obtenido la friolera cantidad de 90 millones de dólares.

Pero Gaga no sólo gana , sino que también proporciona dinero a los demás. Recientemente, el cantante Tony Bennett ha realizado un dibujo de la cantante, mientras ésta posaba para la famosa fotógrafa Ana Leiboitz (Rolling Stone, Vanity Fair). El dibujo resultante está a subasta en Ebay; la puja más alta está en 4.900 euros por el momento y el dinero será destinado a obras benéficas.

Qué decir del dibujo del cantante a parte de las manos de garza que le ha puesto y las sombras recortables.
El veterano cantante no es el único que ha utilizado a la diva del pop como musa. El dúo de fotógrafos holandeses, van Lamsweerde y Vinoodh Matadin , han realizado un retrato de tres cabezas de la cantante. La pareja de fotógrafos que ya han trabajado con otras celebridades (Björk, Kate Moss, Scartlett Joanson, Natalie Portman), afirman que no existen fronteras entre arte y moda.
Para concluir la noticia, hay que plantearse la cuestión de si ¿vale realmente la obra ese precio en relación a su calidad o es el personaje retratado lo que hace decidir el precio final?. Esta cuestión era y es palpable en el mundo del arte: desde la obra de Warhol llena de un surtido de caras famosas, pasando por el Beckham durmiente de Sam Taylor Wood , hasta la Kate Moss de Marc Quinn.

Ministerio de cultura; descanse en paz

2011-12-28T09:00:00.000-08:00

Amortajado de "c "minúscula, el Ministerio de Cultura ha sido enterrado entre sonoro vuelo de gaviotas reidoras; falleció en hedor de inoperancia, servilismo, "corrupción legal" y endogamia... Podría parecer una noticia irrelevante de ese universo que llaman "la superestructura", pero...

De esa decisión, justificada por razones de austeridad, deduzco que el problema del Patrimonio Histórico Español seguirá valorándose como han hecho los medios de al hablar de los derrumbes del Coliseo: la culpa es de los turistas y de la contaminación producida por los automóviles. La penuria en la inversión de la conservación del Patrimonio Histórico no tiene importancia. Para conservar el patrimonio histórico, debemos limitar las cifras de visitantes y prohibir el uso de automóviles. Y, por supuesto, lavar el cerebro a los ciudadelanos, repitiendo la "explicación" una y otra vez (Goebbels dixit)

Una sugerencia: que el Consejo de Patrimonio Histórico pase a depender del Ministerio de Industria. A lo mejor los empresarios hosteleros imponen cordura...

¿Los sentidos nos engañan?

2011-12-23T16:33:00.000-08:00

¿Quién se fijaría en el ángulo inferior izquierdo de esta fotografía?

Albertosis I, el Grande, cede el báculo a la señora Botella

2011-12-21T16:59:00.000-08:00

Madrid se va a convertir en la ciudad más divertida del mundo. A continuación el "montaje" de yomebajo.tk

LA “ROTOSCOPIA”, UN REPASO EN LA HISTORIA DE LA ANIMACIÓN.

2011-12-20T13:00:00.000-08:00

Por Oliver Domingo.

El pasado sábado día 3 de diciembre tuvo lugar en la ciudad de Berlín, la 24º edición de los “Premios del Cine Europeo”, y la película “Chico y Rita”, recibió el premio al mejor largometraje de animación. Esta película, realizada por los conocidos directores Fernando Trueba y Tono Errando, junto con el dibujante Mariscal, fue llevada a cabo en nuestro país el pasado año con capital español y británico. Hasta el momento, ha sido reconocida con varios premios como: el “Premio Goya” a la mejor película de animación en 2010; el “Premio Fnac” al mejor largometraje en el “Festival de Annecy” en 2011; la nominación a la mejor película en los “Premios Annie”; y recientemente, como ya he dicho, ha sido reconocida por los “Premios del Cine Europeo”.

Chico y Rita

Se trata de una animación ambientada en la Cuba de finales de los años cuarenta, y el centro de la animación es la historia de amor entre un joven pianista de jazz y una cantante. Respecto a la técnica empleada para la animación, en principio, Fernando Trueba mostró discrepancias, pero cabe destacar que en el campo de la animación, esta técnica ha sido utilizada en numerosas ocasiones a lo largo de la historia. Es un recurso más, pero como muchas veces ocurre, su enemigo puede ser ese falso valor del “mérito” o el “virtuosismo”, y lo que no se puede negar es el valor artístico de la obra. La técnica de la “rotoscopia” como se suele llamar en animación al proceso de calcar cada cuadro de ésta sobre una película filmada con personajes de carne y hueso, fue inventada por el estadounidense Max Fleischer en torno a 1915. Pionero de los dibujos animados, trajo a personajes como “Betty Boop”, “Koko el payaso”, “Popeye” y “Superman”. Fue para realizar a “Koko el payaso” para lo que utilizó como referencia un vídeo de su hermano al que vistió con ropas propias del personaje. Patentó este método en el año 1917, y posteriormente, en los ya citados, “Superman” y “Betty Boop”, también utilizó esta técnica; para “Betty” concretamente lo hizo en tres series de bailes.

A Scaner Darkly

Entrando en los años sesenta, es cuando los animadores empiezan a explorar la técnica a un nivel más estético. En una de las famosas películas que se puede apreciar esto, es en algunas escenas de “Yellow submarine” de los “Beatles”, con un objetivo claramente estético. De hecho, ha sido una técnica muy recurrida para videos musicales, y en los años ochenta, podemos verlo en temas famosos como en la canción “Save me” del grupo Queen; o la de “Take on me” de “A-ha”. En estos años, también se realizó una película titulada “American Pop”, que al igual que la de “Chico y Rita”, se trata de un drama musical, y a través de cuatro generaciones de músicos, van contando la historia musical de América. El mismo director también había realizado otro proyecto de rotoscopia anteriormente (“El Señor de los anillos” a finales de los años setenta), y tras ello, quiso adentrarse en algo más personal.

Waking Life

Años más tarde, ya en la década de los noventa, el animador Bon Sabiston, inventó el “Rotoshop”, un programa de edición de gráficos que utiliza la técnica de la “rotoscopia interpolada”. Al igual que en “Adobe Flash”, el “Rotoshop” permite la interpolación entre fotogramas clave, y una vez que se han dibujado los fotogramas clave en el inicio y el final, el programa genera automáticamente los fotogramas intermedios. Este proceso ha sido utilizado posteriormente en las películas de Richard Linklater, “Waking Life” en el año 2001 y “A Scanner Darkly” en el 2006. Se puede decir que Linklater, fue pionero al utilizar este tipo de rotoscopia digital en una película entera. Y con este mismo software, en el año 2005, Charles Schwab realizó una campaña publicitaria bajo el lema "Hable con Chuck."

Walking Life

Después de todo este repaso en la historia de la animación, está claro que a pesar de las polémicas que surgen por el desconocimiento, esta técnica siempre ha sido tan válida como cualquier otra en este ámbito. A pesar de que pueda ser “diferente” al tipo de animación que la gente está acostumbrada a ver en los “cines comerciales”, creo que responden a una buena estética, por no hablar del buen acompañamiento sonoro, y desde luego, hay que valorar más este tipo de cine.

Más por menos

2011-12-19T12:43:00.000-08:00

Por Laura Madrid

¿Quién no se ha sentido ofendido estos días al contemplar la campaña publicitaria del metro de Madrid?
Realmente, no sé si es que piensan que somos tontos o simplemente son ellos los únicos que se creen su propio eslogan. Me pregunto cuántos de los que han ideado esta publicidad viajan diariamente en metro…Además, como el precio del billete sencillo es tan barato, seguro que a principios de año lo subirán hasta alcanzar la tarifa correspondiente al altísimo nivel adquisitivo de los usuarios, por supuesto.
El caso es que, las reacciones de la gente de a pie no se han hecho esperar y ya se ha creado hasta una contracampaña que desde luego es mucho más objetiva y realista…

El arte al escaparate

2011-12-19T12:39:00.000-08:00

Por Patricia Puchol Carabaña

La situación que se vive en estos momentos tanto en el mundo del arte como en otros aspectos es muy difícil. Por lo tanto la inauguración de un nuevo local interactivo dedicado en exclusiva al mundo de la fotografía me parece que se puede considerar casi un milagro actualmente en nuestro país.
La reconocida escuela de imagen y fotografía Efti inauguró el pasado Martes 13 de Diciembre un anexo a sus dos anteriores locales en Madrid. Uno Nueve (nombre otorgado a la sala), se ha concebido como un espacio multidisciplinar: sala de exposiciones y conferencias, plató fotográfico tanto para uso de profesionales como para los alumnos de la escuela…
Con motivo de su inauguración Efti apostó por la exposición de una serie fotográfica realizada por Manuel de los Galanes (antiguo alumno de la escuela y actual profesor del master que allí se imparte). La serie denominada “No tan felices” se compone por 15 instantáneas en las que se muestra una visión diferente de los cuentos tradicionales. Los personajes han sido encarnados por diversos actores del panorama nacional de mayor o menor relevancia, y este es el objeto de mi comentario.
Como resultado de la participación de los intérpretes, durante la inauguración de la sala la atención se mantuvo centrada completamente en la presencia, los movimientos, y la promoción de los actores, en lugar de prestarse atención a las fotografías y a su autor.
Usando como excusa el interés por el arte y la fotografía, alrededor de un centenar de personas abarrotaban la sala, vestidos para la ocasión, por supuesto. Y yo me pregunto si en parte la culpa de la mala situación del arte no es culpa del mismo grupo que se apena y se compadece por su estado. Teniendo en cuenta que las mismas obras que allí se exponían, ya estaban vendidas en lugares tan dispares como Nueva York y Tokyo, ¿por qué aquí ni siquiera se las reconsidera?
Será quizá porque, como se ha dado en este caso, a la gente le llama más la atención el aparentar, hacerse una foto con el famoso de turno, pedirle un autógrafo, observar y criticar su vestimenta, su apariencia, incluso su actitud y comportamiento, que la obra de un gran fotógrafo que se nos planta ante nuestras narices.
Cierto es que nunca hay que generalizar y hablar por boca de todos…pero en este caso debo decir que si existe un grupo que dice y aparenta interesarse por el arte pero que en realidad está interesado por la apariencia que esa actitud aporta. Es decir, utilizamos el arte para colocarlo en nuestro escaparate hacia los demás, hacía un mundo que aunque le pongan lo verdaderamente bueno en sus narices siempre girara la cabeza hacia lo superficial.

El estado de las cosas: el poder de una imagen

2011-12-19T03:04:00.000-08:00

Por Martín Peño

Manuel Marín (expresidente de la cámara) quiere que su retrato para la galería de expresidentes del Congreso, sea una fotografía de Cristina García Rodero (Puertollano, 1949; Premio Nacional de Fotografía) pero el presidente de la Cámara, José Bono, le ha pedido que lo reconsidere y ha avanzado que, si opta por la foto en vez de una pintura, él no la colgará en el pasillo correspondiente. Noticia aparecida el catorce de septiembre de 2011.
Hemos querido retomar esta noticia, porque de fondo aparecen cuestiones extrapolables que a menudo se dan en los ámbitos artísticos y sus gentes. Cuestiones que aunque parezcan claras o superadas, no sólo no pasan de moda sino que tienen una vigencia estremecedora.
A semejanza y relación, nos han llevado a recuperar lo de José Bono y su veto a la fotografía en el Congreso: la cuestión de establecer una jerarquía o clasismo en el hecho de la creación. Ideas que sostienen la primacía de unas artes o disciplinas artísticas sobre otras, marcando unas pautas muchas veces deudoras de criterios de épocas pasadas, mantenidas incluso ya en el siglo XXI. Hablo de situación extrapolable, porque el artículo se centra en alguien, que en principio identificamos como ajeno al mundo del arte, pero que esto mismo se hace presente en los ambientes puramente artísticos y en todos sus campos, así que emplearemos su figura como una “actitud” identificable de carácter general. La anécdota es una invitación a la reflexión sobre muchos de los temas que además sugiere.
El hecho de que Marín elija una fotografía como imagen resulta ser revolucionaria cuanto menos debida la respuesta de Bono... tal es el poder de la imagen. Desde luego la desaprobación está respaldada por argumentos que el presidente esgrimió.

Que el Señor Presidente de la Cámara lo considere más o menos arte, aunque "respetando el arte de la fotografía y a la autora del retrato, Cristina García Rodero” nos quedamos con el alegato de la artista, “una técnica no es más digna que otra; y los tiempos cambian" y sobreentendemos que no halla ningún sentido peyorativo. Añadiendo que “un retrato ha de ser creativo, da igual si es pintura o fotografía”.
Bono remarcó que la galería del Congreso es "una pinacoteca, probablemente la pinacoteca de retratos políticos más importante de España". A nuestro juicio, la importancia de una colección de arte, su categoría, se establece por baremos referentes a la calidad de las obras y su autoría, no por su cantidad. Con lo cual habría que conocer con amplitud todos los museos y colecciones del país donde aparezcan retratos de políticos y mandatarios (y de todas las épocas), como para afirmar esto con rotundidad. Se podría pensar que si hay un reconocimiento en torno al arte y el hecho de formar una colección, sería un buen comienzo, y a estas alturas, introducir otras formas de expresión que enriquezcan y revaloricen este patrimonio. Más allá de crear una pinacoteca, se le podría sacar provecho convirtiéndola en una colección de arte que reflejase el momento histórico y social con sus diferentes expresiones, alejándola de ese olor a rancio o por lo menos contextualizándola con los tiempos. Tomamos el comentario de la artista, “y como yo vengo de la pintura, sé perfectamente la poca creatividad que hay en muchos pintores que no tienen nada que decir ni nada que aportar. Hoy en día, la pintura está pasando por una etapa de crisis y sin embargo la fotografía está en un momento esplendoroso” Parece necesario incidir en el sentido que debe cobrar una obra de arte y su vínculo con el momento.

Otro de los argumentos, para Bono es el de la tradición. Los últimos retratos circulares del salón de Isabel II se colocaron en 1934 y fueron los de Niceto Alcalá Zamora y Alejandro Lerroux. A su juicio, reiniciar la tradición era de justicia:“si finalmente (Marín) creyera que debe enviarnos una fotografía en vez de un cuadro, como se ha hecho desde 1810, lo dejaría colocado en mi despacho para que la siguiente Mesa (del Congreso) decida qué hacen con la fotografía". Conociendo por encima la historia del arte y como bien ha señalado la fotógrafa “¡pero si en 1810 no había nacido la fotografía!” no aseguraríamos hasta que punto podría haber otro tipo de imágenes en los pasillos del Congreso (hay también escultura). Desde luego que la propuesta de Marín analizando el “entorno” se muestra como heroica, revelándose la respuesta como una cacicada. Además sería de interés crear una imagen más progresista del lugar y cercana al pueblo en general, puesto que hasta ahora sólo figuran hombres como autores de las obras expuestas, convirtiéndose así en la primera artista.
Alega el señor Bono como obstáculo, además, el precio del trabajo, que sería de 10.000 €uros; aunque no dice cuánto costaría un retrato al óleo alternativo. El comentario sobre el coste excesivo, evidencia el prejuicio y desconocimiento de Bono, al no valorar el trabajo como arte (sabiendo que cualquier lienzo de cierta entidad puede sobrepasar con creces ese precio), sino al valorar la imagen como un trabajo comercial al uso, con lo cual habría que preguntarle definitivamente, en qué rango sitúa esa colección de lienzos, y qué función desempeñan.
Quizás el motivo en el que sustentar la hipótesis del rechazo, y en este caso no se trata de una cuestión de lucha partidista (ambos son del PSOE), provenga de la opinión que la misma artista tiene de la clase política y sobre su interés en fotografiarlos: “he tratado con muy pocos. Y además siempre los he visto instalados en la parte del poder, y a mí el poder no me gusta. Cuando captas con la cámara tradiciones populares, como llevo yo haciendo más de treinta años, te das cuenta de cómo a la inmensa mayoría de la gente le están vedadas determinadas cosas que sí se les permiten a otros pocos porque forman parte del núcleo del poder. Vives muy de cerca esa circunstancia de tanta desigualdad, y eso siempre me ha producido rechazo” y claro, esto siendo Bono, suponemos que cala muy hondo.

El Macbeth de Helena Pimenta

2011-12-18T16:45:00.000-08:00

Al final de la representación y como suele ser habitual con las obras de Shakespeare, el público aplaudió a rabiar... Creo que sólo he sido testigo de una situación excepcional con El mercader de Venecia, hace años... En aquella ocasión hubo división de opiniones, seguramente, porque los ciudadanos tendemos a ser magnánimos ante los "productos culturales" de los profesionales.

Aún recuerdo la versión lamentable de Hamlet que hizo Juan Diego Botto... Esta no es tan discutible, pero... me ha hecho replantearme la intención de seguir las representaciones de las obras atribuidas a ese autor nacido en Stratford-upon-Avon

Helena Pimenta ha respetado el texto "original" según fórmulas habituales, "aligerándolo" de partes "poco importantes"; también ha intercalado fragmentos de la ópera de Verdi —matizados retóricamente por personajes con bombín— y con ello ha pagado el precio de sacrificar el ritmo original, tan importante para el resultado dramático global. Supongo que es una buena fórmula para hacer la obra más asequible al "gran público".

La imagen procede de Guía Cultural

El montaje escenográfico sigue la cada vez más frecuente moda de emplear proyecciones para abaratar la inversión global... A este paso, acabarán proyectando películas en las salas de teatro. En este caso, el resultado de las imágenes digitales es irregular; en ocasiones es espléndido; en otras, no tanto; en algunas situaciones, muy deficiente. A mi juicio, la fórmula acredita que las buenas ideas no sirven por sí solas para construir espectáculos interesantes; también hace falta dinero.

La inevitable relación con las versiones cinematográficas me ha hecho pensar en Orson Welles y, por supuesto, en Kenneth Branagh... Y me ha parecido que esta versión de Macbeth ofrece demasiadas concesiones a uno y otro; al primero por la "clave baja" aplicada a toda la representación —inevitable por el uso de proyecciones— . Y al segundo, por esa transposición histórica que, en este caso, apenas tiene sentido; situar la acción a principios del siglo XX armoniza mal con los juegos de poder de Macbeth. En todo caso, las comparaciones son odiosas...

Creo que la parte más débil está en una interpretación irregular que, intuyo, se debe más a la dirección que al trabajo de los actores, porque no puedo imaginar que en una compañía de tanta experiencia nadie se haya dado cuenta de la anómala declamación lineal del protagonista o los agudos gritos de Sacha Tomé. Por un instante he sentido un flash —tal vez, demasiado artificioso— y me he preguntado si Helena Pimenta habrá intentado un juego afín al del teatro kabuki. Si así ha sido, acaso por las carencias presupuestarias, el resultado es manifiestamente mejorable.

El espectáculo de la sala verde de los Teatros del Canal sería magnífico para un Colegio Mayor o para la capital de un Estado cuyos gestores entienden que el hecho cultural debe autofinanciarse. Una lástima.

Un toque de humor,,,

2011-12-17T05:32:00.000-08:00

Lo proponen Alicia de Manuel e Irene Muñoz

Más madera

La facultad de Bellas Artes se cae a cachos

2011-12-16T16:33:00.000-08:00

Por Marcos Casero Martín

Que la facultad de Bellas Artes de la Complutense no está pasando por uno de sus mejores momentos todos lo tenemos claro, que los edificios y los medios disponibles no son gran cosa también, pero de ahí a que haya que desalojar un edificio por peligro de que se nos caiga el techo me parece bastante preocupante.
Así es la noticia del día ha sido ésta. Según una inspección el edificio de los talleres de escultura no pasa la prueba, sus condiciones no son las adecuadas para que allí se impartan clases y por lo tanto hay que cerrarlo. El caso no es de ahora, según lo que la gente comenta esto viene de años atrás, pero no sé si es que hoy han dado un ultimátum o algo por el estilo. El problema parece ser que el techo o el entre techo se desprende o algo por el estilo (nadie nos ha dado la versión exacta, supongo que nos irán informando) y que la solución sería poner una malla. Teniendo en cuenta que en casos similares en otras facultades han tardado en realizar esta operación unos tres meses... ¿Qué va a pasar?
El caso es que todo alumno que tuviera obra en los talleres de escultura ha de recogerla si queire seguir trabajando en ella durante los próximos días porque el edificio estará cerrado y el paso no se permitirá hasta que solucionen el problema.
Ahora surgen varias preguntas ¿Quién tiene la culpa de todo esto? ¿Los políticos que no invierten en educación y probablemente sea por falta de dinero que la Universidad no lo haya solucionado ya? ¿La universidad por dejar pasar el tiempo, haciendo que el problema vaya a más y no solucionándolo cuando debía? ¿Alumnos y profesores por llevar años trabajando en estas condiciones y no haberse reivindicado? Lo único claro es una cosa, los que salimos perdiendo de nuevo somos los alumnos, perderemos espacios de trabajo, no sabemos cuanto tiempo va a durar esto ni qué pasará con las asignaturas que se han de impartir allí.

El personaje del año, según The Times

2011-12-16T10:51:00.000-08:00

Cardinal Sin

2011-12-16T07:48:00.000-08:00

Por Andrés Escribano

“En éstos momentos del año es fácil olvidar el verdadero significado de la cristiandad, las mentiras, la corrupción, el abuso […] No estoy seguro de quién se merece ser puesto en un pedestal o ser aplastado por uno.” Banksy.

El artista británico Banksy, ha entregado como regalo de navidad a la galería Walker de Liverpool ésta obra llamada: Cardinal Sin (Cardenal Pecado). Colocando un mosaico de azulejos en la cara de una escultura de un sacerdote del siglo XVII, creando el efecto Pixel que se suele aplicar en los videos para ocultar la identidad de las personas que han sido abusadas sexualmente.

Tracey Emin, profesora de dibujo clásico

2011-12-15T15:29:00.000-08:00

Por Ana Blázquez

La famosa artista británica ha sido recientemente nombrada profesora de dibujo de la Royal Academy of Arts de Londres, la escuela de arte más antigua del Reino Unido. Estas son las declaraciones de la nueva profesora ante el nombramiento:

"I'm really excited to be teaching again after so many years," ...

"I hope that I can add something constructive to the Royal Academy Schools."

El asunto ha levantado polémica dentro de los sectores más tradicionalistas de la Royal Academy; según el diario británico The Times, uno de los miembros declaró que “Emin tiene talento para ser famosa, pero no para dibujar”. Por otro lado, el director de la Tate señalo que "aunque mucha gente piensa que ella no cuadra en el perfil de profesor de dibujo clásico, se trata de un gran nombramiento".

Conociendo la obra de esta artista, no estoy segura de si su nombramiento sea una elección acertada. Para acercarse a su figura, podemos verla en el reality británico School of Saatchi. Crucemos los dedos para que sus futuros alumnos puedan obtener algo constructivo de ella en el campo del dibujo.

Por desgracia, no es preciso saltar a Inglaterra para encontrar profesores ejerciendo docencia en materias ajenas a su perfil o, simplemente, aulas sin profesores.

¿Consecuencias del plan Bolonia o de la precariedad presupuestaria?

¿Estimular el talento artístico de los jóvenes?

2011-12-14T13:54:00.000-08:00

En acto público al que asistió la reina, el otro día (12-12-2011) entregaron los premios de pintura BMW...Uno de ellos está dedicado al "talento joven":

"La ganadora del Premio BMW al Talento más Joven, Inés Rodríguez-Porrero, madrileña de doce años, recibirá una dotación de 4.000 euros que será administrada por los padres o tutores con la única finalidad de cultivar su talento artístico. Su cuadro, titulado “La casa gigante”, es una imagen urbana que permite la visión de los interiores con todos sus objetos y distribución".

Al ver la imagen de la pintura, me vienen a la cabeza ciertas incongruencias... todas inadecuadas para ser expresadas en público.

Un proyecto polémico de MVRDV

2011-12-14T12:26:00.000-08:00

Por Eva López

MVRDV es el acrónimo de una firma procedente de los Países Bajos dedicada al diseño urbano arquitectónico contemporáneo. Sus obras se mantienen en una línea moderna pero lujosa. Su filosofía consiste en el uso de una edificación densa y en el aprovechamiento del espacio. Una ciudad no se limita a la visión frontal, lateral y trasera que nos tiene acostumbrados cualquier bloque de apartamentos o rascacielos que rodeamos por la manzana a sus pies, sino que también se desarrolla arriba y por debajo. El nivel cero no existe y en su lugar conviven varias capas que a la vez se entrelazan y superponen unas sobre otras, permitiendo interconectarse entre ellas por medio de escaleras, rampas y ascensores donde lo lejano se reduce a la proximidad. La calidad espacial no se traduce tanto en geometría sino en la riqueza y la diversidad, en la presencia y en la proximidad.
Son numerosos los edificios ejemplares diseñados por este grupo de arquitectura, como el pabellón holandés de la Expo 2000 mundial realizada en Hannover, o el edificio Mirador de Madrid del 2005, así como los proyectos en progreso, centros y plazas culturales en Nanjing, Rotterdam en incluso un par nuevamente en España, una completa eco-cuidad en Logroño o la Torre Huerta que se encuentra en construcción en la ciudad de Valencia, en las que se incluyen viviendas de protección oficial de veinte metros cuadrados, con terraza y motivos vegetales como tema principal del diseño.

El pabellón holandés fue uno de los edificios más populares durante la Expo 2000, ganando el reclamo internacional. Fue el edificio más alto de todos (36 metros de altura) bajo el tema de “Holanda crea Espacio”. A través de seis paisajes provistos de un sistema ecológico fueron dispuestos para demostrar cómo un país puede aprovechar hasta el más mínimo recoveco. Los invitados accedían al interior a través de la planta más baja e iban ascendiendo a través de unas escaleras exteriores que rodeaban el edificio. En la última planta, la superior, reposaba un pequeño lago rodeado por molinos de viento, los cuales generaban la energía suficiente para el funcionamiento de la construcción. El plan inicial era poder desmontar el edificio y trasladarlo de vuelta a Amsterdam pero se determinó que lo más barato era reconstruir uno enteramente nuevo en su nueva localización.

Ahora bien, si contemplamos que ya de por si sus edificios destacan bajo su aspecto moderno, a veces demasiado, ha recaído en ellos una grave polémica con una de sus últimas ambiciosas creaciones. El proyecto acaba de empezar y habrá que esperar para darlo por terminado hasta, por lo menos, el 2015. El edificio estará situado en Korea del Sur, en la ciudad de Seoul. El complejo arquitectónico está destinado a viviendas y apartamentos de gran altura y lujo y consiste en dos torres conectadas por la mitad, a partir de la planta 27 por un complejo de niveles cúbicos que centrarán la atención desde la línea de horizonte en la costa de la ciudad. Alojará, además de las viviendas, numerosos centros de ocio, restaurantes, cafeterías y piscinas y otras actividades polideportivas. Se le conoce por el nombre de “La Nube”. La polémica viene nada más ver el diseño del edificio mostrado a través de versiones digitales ofreciendo la aproximación estética del mismo. Mucha gente se ha sentido ofendida dado que el edificio evoca al atentado ocurrido en el World Trade Center, el trágico 11S del 2001 en el cual, como todos sabemos, las Torres Gemelas fueron destruidas tras el ataque terrorista.

Muchos comentan que les recuerda justo al momento en que las torres explotan, inundando de una densa nube de fuego y humo los edificios a su alrededor. La furia de la gente ha sido tal que incluso ha enviado cartas e emails a la compañía constructora acusándoles de seguidores de Al-Qaeda. Otros, sin embargo, creen que esa evocación es producto de esa trágica experiencia y se sienten cansados de que piensen que todo gira alrededor de aquel suceso ocurrido en Estados Unidos. La MVRDV se limita a mantener la postura de que en ningún momento el edificio quiere evocar tal acontecimiento.
Pero incluso aquellos que no se han sentido identificados con esa inquietante relación simplemente piensan que el diseño es grotesco, repulsivo y un tanto escalofriante. Sin embargo, si echamos un vistazo a algunos de sus anteriores proyectos está claro que este no se sale de su estilo y su idea de aprovechamiento de espacio, de colapso. Intentan retar a la construcción en el vacío, la estabilidad sobre el aire. Parece que quieren que todo flote. Puede que esta vez lo hayan llevado a otro nivel. Dejando de lado la suma de dinero que es evidente que se mueve entre manos. ¿Dónde está el límite entre la innovación y la ausencia del buen gusto?