La "metáfora"(estética) se muerde la cola

Leo en BBC Mundo: "Siglos atrás, los grandes terratenientes empleaban a eremitas en algunas ocasiones para que reflexionaran desde su encierro sobre los grandes dilemas que aquejan a la humanidad. Hoy, el Museo de Manchester, en el norte de Inglaterra, busca recrear una experiencia similar encerrando a un artista en una de las torres del edificio para que, durante los 40 días que permanezca encerrado, busque soluciones para los males que sufre nuestro planeta". Y me pregunto si el objetivo metafórico será replantear los problemas expresados por Sir Vidiadhar Surajprasad Naipaul en Una casa para el señor Biswas, comprimiendo el desfase cronológico entre 1961 (cuando V.S. Naipaul escribió el libro) y la actualidad... ¿Se trata de una campaña publicitaria de quienes cobran los derechos del escritor inglés? ¿O se nos quiere decir que la vida del arte es como la de Mr. Biswas? En esta última hipótesis debo recomendar a quienes estén interesados en el asunto estético que no lean la novela... por cuidar la salud psíquica.
Seguro que a alguien se le ocurre colocarse un orinal en la cabeza, montarse en un "dos caballos" con un amigo flipado y lanzarse a recorrer el mundo para reflexionar sobre los problemas circundantes. ¿Nos estamos volviendo locos o vivimos bajo el imperio de la estulticia estética?

Sorolla para masoquistas

Esta mañana he intentado dar un paseo por la exposición Sorolla... Aunque parezca increíble, dada la promoción ofrecida por los medios de comunicación y el interés social que promueve su manera de entender el arte de la pintura, no había mucha gente ante las taquillas, donde existían unos pasillos encintados, de esos que utilizan para ordenar las aglomeraciones, y, aunque asimismo parezca increíble, los gestores del Prado se han manifestado con una iniciativa destinada a velar por la comodidad de los visitantes... Al verlo, casi caigo al suelo de la impresión: han colocado unos toldillos contra la canícula, que torgan a la sacrosanta institución cierto aire payero...

Mucho me temo que si, en los próximos días, cuando suban las temperaturas según la costumbre del estío mesetario, no desean convertir la explanada de la puerta de Goya en un escenario bélico para el famoso travelling de Lo que el viento se llevó, los "gestores" del Museo deberán inspirarse en Benidorm o Marbella, ampliar las zonas de sombra y, sobre todo, instalar máquinas expendedoras de refrescos.

Por desgracia, al llegar a la taquilla (eran las 12), informaban al visitante que no se podía acceder a la exposición de Sorolla hasta las 13, 15... Oh fatalidad, el ticket de aparcamiento me obligaba a recoger el automóvil a las 13 h... ¡A quién se le ocurre emplear el automóvil para ir al Prado, con lo bien que funciona el transporte público!

No sé si volveré otro día... Mi afición por Sorolla y por el disfrute estético no da para reclamar el martirio... Acaso por observar las previsibles aglomeraciones, me dé una vuelta el próximo domingo... Es previsible que el gentío supere lo sucedido con Velázquez.

Miquel Barceló en la Bienal de Venecia

Por Iría Rotaeche Ozores

La 53ª Bienal de Venecia, que ha cumplido más de cien años, es uno de los eventos de mayor prestigio internacional en el mundo del arte contemporáneo y España a elegido para que le represente al pintor mallorquín Miquel Barceló, premio Nacional de Artes Plásticas 1986 y Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2003.

Miquel Barceló arrastra consigo la polémica, la pasión o el desprecio, pero no cabe duda de que hoy es uno de nuestros artistas internacionales más conocidos y valorados. Todo empezó con su participación en la Bienal de São Paulo de 1981 , pero a raíz de la Documenta VII de Kassel de 1982, se consolid a como una de las figuras más revelantes del arte español. En la Bienal de Venecia, se vuelve a dar otra vuelta a su obra, ¿por qué? ¿a qué conduce? En principio la muestra, que lleva por título “Miquel Barceló” , gira en torno a temas ya tratados con anterioridad por el artista de 52 años : Primates, paisajes africanos y la espuma de las olas del mar retratados en esos tonos grisáceos y tierras que le caracterizan. Todo construido con esa materia tan rica y generosa a la que nos tiene acostumbrados. Pero ¿qué aporta de nuevo?: Sigue vivo, investiga, da que hablar. Es un pintor popular, fácil, a la gente le gusta. Es valiente, consecuente con su obra . Su iconografía está involucrada no sólo con el paisaje que le rodea, sino con la NATURALEZA con la que convive: No en vano ha dicho que su trabajo de Malí está hecho en colaboración con las termitas . Por esto quizás sus etapas son tan diferentes.

Aparte de su imaginación y creatividad, cuenta a su favor con que podía haberse fidelizado a los mismos cuadros que pintaba al principio de sucarrera en los años 80 y que tuvieron tan buena acogida por parte de un público adinerado y ávido por invertir en arte moderno. Pero no ha sido así. Siempre tiene algo nuevo que decir.

En mi opinión, también contribuye a su éxito ese formato enorme en el que trabaja ; si fuese la mitad de grande creo que no gustaría tanto. También considero que mantiene su estatus de referente para muchos artistas. En un momento en el que triunfa el arte que se apoya en un lenguaje más teórico-filosófico muy personal , donde la pintura casi está mal vista, Barceló, sin un planteamiento conceptual, se atreve a hacer un arte emocional que parece salir de las tripas. Esa es la parte que más me gusta y me llega de Barceló, es por encima de todo Pintor. Aunque su pintura no está exenta de ese concepto filosófico, no es meramente plástica. De hecho me vienen a la memoria esas series de cuadros llenos de libros en los que representa bibliotecas , o esas otras que nos hablaban de museos y exposiciones, aquello era una alusión clara a la cultura.

Pintor formado, curioso y sobre todo culto , sabe de lo que habla, y no solo se preocupa por aspectos formales aunque en su obra , qué duda cabe, la plástica tiene un peso importante ; de hecho, insisto que de su pintura eso me interesa especialmente. Por otro lado , todos hemos oído que sus cuadros no aguantan el paso de los años y algunos dicen huelen a podrido. Si él lo ha advertido a sus compradores y aún así se lo han llevado a sus casas no me parece mal, otra cosa sería que sin previo aviso, descubras que cada mañana tienes que pasar la aspiradora debajo de El Cuadro porque te encuentres un trocito de Barceló hecho migas por los suelos del salón. Pero es un artista que investiga infatigablemente, que no se acomoda a fórmulas ya aprendidas y que sigue aportándonos muchas cosas nuevas e inspiradoras a generaciones de artistas.

Aunque por otro lado , los jóvenes artistas que están especialmente interesadis en el arte social, critican a Barceló que siendo, tan importante y conocidono, no haya utilizado susu armas para contribuir a denunciar las injusticias sociales. Por otro lado la gente también critica el hecho de que siempre esté en voga, aludiendo que los inversores que compraron en su día sus cuadros, siguen moviendo al artista en el mercado para favorecer sus inversiones. (en fin , eso es como todo; vivimos en una sociedad capitalista, ¿qué puede esperarse cuando se ha encontrado un filón?)

Ya para terminar ni qué decir tiene que cuando encargamos la cúpula a un pintor que investiga sobre el terreno y pinta desafiando las leyes de la gravedad, se expone a que ocurra lo que todos conocemos. Mientras, ajeno a las críticas, se didica en cuerpo y alma a su trabajo. Sin comentarios…

Miquel Barceló reside actualmente entre París, Mallorca y Mali.

La Alhambra, otro caso de gestión "peculiar"

Recuerdo tiempos mejores, cuando visitar la Alhambra era una aventura apasionante pero trivial... tal vez, apasionante por trivial. Si empleabas el automóvil, buscabas aparcamiento en las inmediaciones, sorteabas a las gitanas que pretendían leerte la mano o "regalarte" una flor, te acercabas a la taquilla, entrabas sin otro condicionante que tu propia excitación por recorrer los mismos espacios de Boabdil... y añorar una forma de vida regida por la memoria de Epicuro (naturalmente, el "Epicuro del sentir popular"). Y el paseo se transformaba en recorrido hedonista irrepetible en cualquier otro lugar o situación... La visita nocturna era orgiástica.
Los gestores de la Alhambra dijeron que la masificación turística imponía reformas... Ya no hay gitanas, pero para mi gusto la situación ha empeorado, porque han cambiado el antiguo "impuesto" por otro de cuantía superior y además nadie te obsequia claveles ni te augura un romance venturoso. Y, por supuesto, los cambios han llegado mucho más lejos, acaso, demasiado lejos.

Para empezar, es preciso adquirir la entrada con antelación mediante los servicios de una entidad financiera; la entrada sólo sirve para unas pocas horas; si acudimos en grupo, debemos dirigirnos a una "empresa" de comisionistas (por supuesto, "legalmente constituida", que aplica una "mordida" del 30 %) porque el banco no entrega más de diez por petición en el mismo bloque horario. Se argumentan razones de "conservación" para limitar el número de visitantes diarios... Es fácil imaginar la cara del visitante interesado en la "cosa artística", cuando le digan que no puede entrar en la Alhambra porque el aforo está completo hasta el mes próximo...
El cómodo paseo de acceso se ha transformado en una penosa peregrinación desde los aparcamientos situados a unos centenares de metros... Por fortuna, la excursión no es tan larga como la de San Frutos del Duratón. ¿Razones? El ejercicio físico facilita la eliminación del colesterol y como el perfil sociológico de los "turistas culturales" bascula hacia la "tercera edad", sobran argumentos para justificar una medida que, además, tiene la virtud de alejar los automóviles de las zonas de mayor interés cultural; y es sabido que éstos destrozan la ambientación "temática"...
No se puede tocar nada, los itinerarios están marcados con sogas y vigilados por infinidad de vigilantes que me hicieron recordar el ambiente universitario de los años 70, cuando los estudiantes debían ser protegidos de sí mismos... ¡La puñetera manía de prohibir y vigilar!. Visto con otro criterio, es natural: un complejo palatino que ha padecido mil vicisitudes (abandono, saqueo salvaje de las tropas napoleónicas y otras circunstancias menores) se conserva tan maravillosamente bien desde que fue construido no se puede exponer a las veleidades de unos visitantes potencialmente agresivos...
Boabdil me susurra al oído que no diga tonterías, porque el actual palacio de la Alhambra es fruto de una "reconstrucción" demasiado imaginativa, que funde varias iniciativas constructoras y "restauradoras" en las antípodas del rigor arqueológico... El espíritu del rey llorón recuerda muy especialmente las labores realizadas por los gitanos poco antes de que llegara al trono José I y por las autoridades franquistas después de la Guerra Civil... En aquellos tiempos se hicieron verdaderas barrabasadas —me grita al oído. Acaso tenga razón el rey llorón porque es necesario ser un verdadero experto en arte hispanomusulmán para distinguir las zonas originales de las "reconstruidas" y aún así, no siempre están las cosas claras.
Y continúa diciéndome que, como de costumbre, las argumentaciones "oficiales" ("políticamente correctas") sólo son excusas para disimular la penuria inversora, la precariedad imaginativa y el resto de los pecados afines que dificultan la conservación, el disfrute y la explotación turísticas del inmenso Patrimonio Histórico-Artístico Español. Si no se limitara el número de visitantes, se producirían problemas de aglomeración, como los que existen en algunas zonas del palacio de Topkapi o en las salas más "populares" del Ermitage o de cualquier otro lugar de gran interés público, pero no de conservación. Y en el caso de la Alhambra, para resolver esos inconvenientes, con diversificar la circulación de los visitantes y, para ello, poner a disposición del público todas las zonas potencialmente interesantes desde el punto de vista arqueológico, que son muy numerosas en el recinto fortificado. Algo parecido han hecho en el Museo del Louvre y el resultado es bastante aceptable.
Han remodelado radicalmente el patio de la fuente de los leones transformando el antiguo jardín en superficies de gravilla, al gusto de las actuales modas "japoneses" y, por razones de conservación urgente, ha sido sustituido la fuente por un engendro postminimalista... ¿No se le ha ocurrido a nadie hacer una réplica antes de quitarla?
No dejan entrar en los baños porque, según dicen, los visitantes podrían causar graves inconvenientes... El espíritu de Boabdil se agita de nuevo.
En suma, hoy por hoy, la visita a los palacios de la Alhambra se ha convertido en un evento a medio camino entre un viacrucis por el Cerro de los Ángeles o por Cuelgamuros (La Cruz de los Caídos) y un paseo por los palacios del rey Minos...
Si deseamos contemplar el vaso medio lleno, a pesar, incluso, de las quejas del rey llorón, y de los inconvenientes asociados a los criterios de conservación según fórmulas rigurosas, subsiste la epigrafía árabe, la decoración tapizante, las sebcas, los mocárabes, los juegos de columnas con capiteles que estilizan radicalmente los ordenes grecolatinos, los aliceres, las techumbres de madera... Y la Alhambra sigue ofreciéndonos la posibilidad de imaginar cómo pudo ser aquella corte nacida de la decadencia del esplendor califal.
Boabdil me susurra , de nuevo, que para hacerse una idea de cómo fue su querido palacio faltan los colores, sobre todo, los colores... los tonos dorados, azules, rojos, verdes... Las sedas, los tapices, el mobiliario, los objetos preciosos, los servidores... ¡La lujuria del color! Y confiesa que se encuentra más cómodo en la sacristía de la Cartuja, que en esa "feria temática" fría y aséptica para sableo de guiris. Y me lo explica argumentando que el arte "merengario" (de merengue) que cubre sus paredes y la fastuosidad del camarín está más cerca de sus recuerdos que los actuales salones ofrecidos al público en una desnudez impúdica e incompatible con su sentido del placer visual.
¿Será verdad que la cultura hispanomusulmana subsiste en la ornamentación del barroco granadino?

El espíritu de Boabdil lanza una carcajada metálica y chirriante que me eriza el cabello: ¿No has comprendido aún que las últimas obras de Barceló participan de ese espíritu "merengario"...?

¡Por fin entiendo la canción de Miguel Ríos!

MAUS

Por Beatriz Rodríguez-Porrero Rodríguez-Losada

Sobre el cómic

Esta novela gráfica del dibujante americano Art Spiegelman fue publicada por primera vez en varias entregas de la revista Raw, en 1980. Está considerado como uno de los mejores cómics de la historia, como demuestra el hecho de ser la primera y única novela gráfica ganadora del Premio Pulitzer, en el año 1992. Además, fue ganador de una beca de la Fundación Guggenheim y dio lugar a una exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. "No ocurre muy a menudo que aparezca un libro que sea tan arriesgado como aclamado. Éste es uno de dichos libros." (Esquire) "El relato más efectivo y exitoso que jamás se haya hecho sobre el Holocausto." (The Wall Street Journal) "Un logro sin ruido, conmovedor y sencillo, imposible de ser descrito con precisión e imposible sino mediante el cómic" (The Washington Post)

La originalidad

Si bien es cierto que el holocausto es un tema más que utilizado, podemos decir que Maus es un cómic absolutamente original. En él, Vladek Spiegelman, un superviviente de Auschwitz, cuenta a su hijo las vivencias que tuvo durante la guerra, decidiendo éste escribir un cómic sobre su historia.
Por lo tanto, con un tema tan conocido y explotado ya, ¿qué hay tan original, tan maravilloso y destacable, que consigue convertir a Maus en el único cómic ganador del premio Pulitzer?
Para empezar, -porque hay tantos matices y detalles muy destacables en esta obra- Maus crea, por decirlo de alguna manera, un lenguaje completamente nuevo. Los saltos en el tiempo nos hacen sentirnos cerca del autor en el momento de concepción y autoría del cómic que tenemos en las manos, en la tarea de recopilación de información, e incluso las vivencias de Art durante su trabajo. Pero, con una gran agilidad nos sitúa de pronto y sin esfuerzo alguno 65 años atrás, en la guerra, en los campos de concentración y en unos sucesos completamente distintos. Tan pronto Art conversa con su mujer acerca de su relación con su padre, la irritación que este le produce en ocasiones, la preocupación que también siente por él…como nos vemos en el refugio que Vladek construyó para evitar que los nazis se los llevaran a él y a su familia. Es decir, se desarrollan dos historias paralelas, muy distintas pero relacionadas: la lucha por sobrevivir de un judío durante la Segunda Guerra Mundial, y la relación de un artista en pleno trabajo con su padre, quien es una carga a la vez que su inspiración.

Otro punto de originalidad es, sin duda, la forma que tiene Art de representar a los personajes: cada uno como un animal. En principio puede parecer algo extraño, que carece de la seriedad necesaria en el tema e incluso de la madurez y calidad que merecería una obra tan reconocida, pero nada más lejos de la realidad: La expresividad no queda mermada en absoluto; al contrario, Spiegelman crea unas figuras tremendamente expresivas, cargadas de simbolismo y facilitando la comprensión de la historia. Los judíos son representados como ratones; los alemanes, como gatos; los polacos son cerdos, los norteamericanos, perros… Esto no provoca ni mucho menos la pérdida de su dramatismo, con escenas que conmueven, asustan, sorprenden, e ilustran inmejorablemente la narración. Una tercera característica que hace a esta obra totalmente única, es el punto de vista tan lejos de manipulación y denuncia como no se había visto antes en este tema. El propio protagonista judío es en muchas ocasiones egoísta, tacaño y muy pesado. No pretenden vendernos la imagen consabida de los buenos y los malos, sino que simplemente nos cuentan una historia que pasó, en la cual sus protagonistas son personas como cualquier otra, con sus faltas y debilidades, con sus fallos.
Aparte es digno de considerar el punto artístico. Art Spiegelman es un dibujante notable, que crea figuras con movimiento, belleza y claridad; figuras muy humanas a pesar de lo que parezca, y que se convierten en perfectos protagonistas de la historia que narra.

Sobre el autor
Art Spiegelman nació en 1948 en Estocolmo, donde se habían establecido sus padres tras haber pasado por los campos de concentración nazis. Posteriormente, en 1951, se trasladaron a Nueva York. Comenzó a hacer trabajos profesionales de dibujante a la edad de dieciséis años. Art estudió en la neoyorquina Universidad de Binghamton. En 1977 se casó con Francoise Mouly. Al año siguiente ambos crearían la revista Raw, sinónimo desde entonces de vanguardia en el mundo del cómic. Será dentro de la revista Raw donde comience la serialización de Maus, la narración de Vladek Spiegelman y su familia durante la Segunda Guerra Mundial. Desde entonces, el trabajo de Spiegelman se ha repartido entre las tareas de ilustrador (colaboraciones en revistas como The New Yorker, o el libro The Wild Party ilustrando un poema clásico de Joseph Moncure) y las de magisterio (en instituciones como New York School of Visual Arts). Un condicionante de la vida de Art Spiegelman es el fallecimiento de su hermano Richieu durante la II Guerra Mundial a consecuencia del holocausto o genocidio judío (y narrada por supuesto en el cómic). Aunque dicha defunción tuvo lugar con anterioridad al nacimiento de Spiegelman, éste afirma en su obra Maus que siempre sintió rivalidad con la fotografía del hermano difunto al que nunca conoció y a cuya muerte nunca lograron sobreponerse sus padres.

Mujer desnuda sentada, 1914 (Egon Schiele)

Por Antonio Ferreira Martín

Mírame,
quién lo diría,
estoy masturbándome sobre tu cabeza
muerta, (a lo Jeffrey Dahmer)
sobre tu microcosmos
en forma de triángulo escaleno.
Egon da puñetazos
al otro lado del universo,
tú, en cambio, aplaudes
inundando tus manos
de todo el polvo no particular
en un ambiente intemporal,
ultra-sensorial…
tu mirada ultravioleta
atraviesa cualquier balada,
cualquier automatismo,
y tu ojo derecho me hace sentir
inferior… (estoy de acuerdo)
ya que la escritura automática
de tus parpadeos desacelera
cualquier idiosincrasia exacta.
Mujer de mil nombres,
y de ninguno,
mujer de una sola página,
de miles de lágrimas,
no entiendes, ni quieres entender
de conversaciones postmodernas,
porque lo supiste todo,
intuiste el desastre
guardado bajo las cerraduras metálicas
que encarnan tus labios.
Tú que te bañaste en la fuente
de R.Mutt,
tú,
que encierras
el azul de Yves Klein,
el negro de Malevich,
el blanco del infinito,
y el rojo del sufrimiento,
bajas mi cremallera indiferente,
porque intuiste el desastre…
La circunferencia entrópica de tu seno
bordea mi bulbo raquídeo transmutando mi percepción voluntaria
hacia la más feliz oligofrenia,
contigo no quiero llegar
al cuarto estadio del desarrollo
(¿Quién me guió al destructivo
cuarto estadio?).
Necesito estrangular
tu clítoris con una sonrisa,
oler la sangre de tus respiraciones,
pero tu ventrículo bidimensional
huye de cualquier ósmosis sentimental…
Mujer neurótica
jonkie
prostituta de mis reacciones neuronales,
mujer de trece gritos por minuto,
de un susurro eterno,
“la eterna novia desnudada
`por sus pretendientes,
incluso”,
nos enseñarás el secreto del arte
un segundo antes de morir…
no te molestan las
lágrimas de semen
ni los besos de cristal.

Concha García. "En lo profundo del bosque"

(Galería Fúcares, 25 de abril al 30 de mayo de 2009)

Creo que es la primera vez que doy noticia de una exposición comercial "homologable" (criterios selectivos de ARCO) en este espacio virtual... La excepcionalidad se justifica en razones personales que me conducen a un pasado casi remoto, en los abajaderos del Gianicolo, donde supimos que estábamos tan cerca... Desde entonces, Concha, que estaba enfrascada en procesos frenéticos de búsqueda, ha tomado un camino de reflexión estética por las laderas de la metáfora. De momento, tras desgastar muchas zapatillas entre guijarros y zancadillas, esos itinerarios le han conducido a fundir recursos que, como en este caso, emparejan cualidades propias de las estéticas objetuales con otras de origen cinematográfico, tomadas, en este caso, de Sir Alfred Hitchcock (Los pájaros). Y todo ello para indicarnos una reflexión a varias bandas que comprende la necesidad acercarse a las raíces naturales para encontrar la propia personalidad, la recuperación de los objetos (frágiles) de nuestra cotidianeidad y el enfrentamiento de nuestros miedos o temores... nuestra propia fragilidad. Fusión entre Platón, Nietzsche, Goethe y Freud, que encierra algunas claves de nuestras propias existencias... No imaginé que con tantos años de por medio siguiéramos tan cerca y pudiéramos compartir una cita que Concha ofrece resumida, según su conveniencia, para situar al visitante ante su obra. Permíteme, querida Concha, que la recoja en su integridad y alabe tu intuición para magnificar una reflexión existencial de esas que perviven aunque transcurran mil años:
"(Habla Fausto) Espíritu sublime, tú me has dado todo cuanto te pedí. Tú no has hecho que volviera en vano mi rostro hacia el fuego. Me has dado a la magnífica naturaleza por reino y fuerza para sentirla y disfrutarla. No sólo me concedes una visita fría y pasiva. Me permites mirar en su hondo pecho como en el pecho de un amigo. Haces pasar ante mí el conjunto de lo viviente y me enseñas a conocer a mis hermanos en las tranquilas frondas, en el aire y en el agua. Y cuando en el bosque brama y gime la tormenta, cuando los enormes pinos, agitándose, aplastan y tumban las ramas y los troncos vecinos, cuando con su caída retumba sorda y hueca la colina, tú me llevas a una segura caverna y allí me muestras a mí mismo y se me desvelan los secretos prodigios de mi corazón. Al subir ante mi mirada la suave luna, que todo lo apacigua, flotan sobre mí, por el húmedo bosque, en las laderas rocosas, formas plateadas que dulcifican el deseo de contemplación.
Ah, ya noto que no hay nada perfecto para el hombre. Además de este placer que me acerca a los dioses cada vez más, me diste el compañero al que no puedo renunciar, por más que, frío y descarado, me humille ante mí mismo y, con su palabrería, reduzca a nada todos tus dones. Él atiza en mi pecho el fuego salvaje que quiere atrapar esa bella imagen. Así me tambaleo yendo del deseo al placer y, una vez en el placer, ansío el deseo". Goethe, Fausto, El bosque y la caverna.
Por desgracia, los gestores de la galería Fúcares no han acertado con la distribución espacial y nos ofrecen "la obra" deslavazada, sin que sea fácil establecer la relación que integran copas, abetos, sillas y pájaros... Y para mayor sonrojo, el pasado miércoles, cuando acudí a visitarla, la primera sala era extraño almacenillo, donde convivían con la obra de Concha García objetos ajenos a ella. Una verdadera lástima.

Más sobre la Caja Mágica

Por Raúl Rodríguez Aguilar

Realmente, al bajar por la A-4 para incorporarme a la M-40 siempre pienso en lo mal que huele dicha zona por la planta de depuración existente…Ubicar ahí la ‘Caja Mágica’ hasta que se ejecute el citado parque del Manzanares (del cual se ha escogido parcialmente la propuesta de Perrault) hará que sea incómodo el disfrute de las instalaciones (por decirlo de alguna forma) cuando el viento no sea favorable.
De cualquier manera, parece que no es el único problema que tiene en la actualidad, puesto que dicha instalación ha sido ‘vendida’ como una dotación de infraestructura deportiva para el distrito de Usera, y para que pueda ser disfrutada por sus vecinos. Desgraciadamente, parece que se les ha olvidado el detalle de comunicarla por transporte público puesto que, de momento, sólo existirá una línea que lleve a dichas instalaciones desde la plaza de Legazpi y únicamente los días de eventos. Supongo que mejorará en un futuro lejano…
Respecto al edificio, la ‘Caja Mágica’ ha sido concebida como un proyecto especialmente flexible en sus usos y volúmenes. La capacidad de movilidad de sus cubiertas intenta generar diferentes espacios (que pueden quedar al aire libre), unido al hecho del uso de materiales que efectúan el juego de opacos y reflectantes durante el día y la noche. El complejo cuenta con 3 canchas cubiertas con capacidad para 12.000, 5.000 y 3.000 espectadores. También existen pistas exteriores y otras con cubierta fija.
Dominique Perrault, es un arquitecto francés que se hizo famoso por sus cuatro edificios en forma de libro que conforman la Biblioteca Nacional de Francia en París, que diseñó para François Miterrand. En Madrid parece haber encontrado un nuevo filón en otro megalómano, y ha ‘soltado’ ese cubo o caja en el distrito de Usera, aunque bien podría haberlo hecho en cualquier otro punto de la ciudad o del país.
Supongo que los arquitectos franceses estaban en oferta 2x3 (contrato dos pero les pago como a tres) y su nombre se puede unir al de Jean Nouvel, autor de la cosa que han pegado al Reina Sofía. Desgraciadamente, a Perrault habrá que sufrirle/disfrutarle (según gustos) nuevamente en el citado parque del Manzanares, donde colocará la ‘pasarela Arganzuela’. Como no hay dos sin tres, en León tendrán un recuerdo suyo con el Palacio de Congresos, que se acabará para el 2011.
Respecto al color azul de la pista de la ‘Caja mágica’, decir que ya ha sufrido críticas este fin de semana por parte de Nadal, que hacía un alegato de las tradiciones en contra del negocio/marketing. El discurso es muy bonito, pero al final del torneo él querrá cobrar su cheque de los organizadores (muy honestamente ganado, por supuesto) y, si éstos tienen que teñir una pista de azul porque uno de sus principales patrocinadores (Mutua Madrileña) la quieren en su color corporativo, pues lo hacen, porque a fin de cuentas lo único que pretenden todos, tenista incluido, es ganar dinero (es otro caso como el de las modelos recoge-pelotas y Hugo Boss). De cualquier forma, parece que el bote en la pista azul era irregular y la idea no prosperó hacia las demás, por lo que la ‘tradición’ está a salvo.

Algo huele a podrido en la Caja Mágica

Desde este púlpito deseo felicitar a quienes decidieron colocar la "Caja Mágica" en su actual emplazamiento, a escasos metros de la depuradora de La China, porque me parece una fórmula genial para convencer a los aficionados al tenis de las bondades de los olores fétidos. Según explican en una página web que no he podido volver a encontrar, el hedor es ideal para activar el sistema nervioso y el mejor ornato para la joya de las instalaciones deportivas madrileñas que optan a las olimpiadas del 2016. En consecuencia, se espera que aumente el rendimiento de Rafael Nadal... Como no entiendo de tenis, no puedo pronunciarme sobre el particular.Dicen que está previsto el cierre de la depuradora y la incorporación de sus terrenos que al parque del Manzanares... También dicen que los alrededores del Manzanares se transformarán en un vergel y que el aeropuerto de Cuatro Vientos será un parque regional... Se dicen tantas cosas... Me gustaría saber lo que dirán los muy selectos aficionados al tenis cuando sople el aire del sur y con el polvo sahariano lleguen otros efluvios.
Sin embargo, no seré yo quien critique el emplazamiento, porque me parece bien que estas dotaciones, adornadas de cualidades arquitectónicas excepcionales, se construyan también a los barrios del sur... incluso aunque las tierras rojas se disfracen del color de los pitufos y de don Alberto, que según fuentes generalmente bien informadas está pensando pintar en tonos de lapislázuli el antiguo Palacio de Comunicaciones.
Lamento no poder decir nada sobre las cualidades del edificio proyectado por Dominique Perrault, que sólo he visto desde la M-40 y desde esa posición parece un engendro cuadriculado...

Rastros de estética fascista en Madrid. El monumento a Eugenio (Eugeni) d'Ors.

En una ciudad caracterizada por la euforia transformista, sorprende que aún permanezca en el lugar para el que fue creado un "monumento" que puede interpretarse como quintaesencia de la estética fascista más rancia y vergonzante: el que se levantó bajo la dirección de Víctor d'Ors y con obras escultóricas de Cristino Mallo y Federico Marés a la memoria de Eugeni d'Ors (1982-1954), patrón de referencia estética del primer franquismo.
El conjunto escultórico, de cierta complejidad iconográfica, fue inaugurado el 17 de julio de 1863 y comprende una pared con una extensa y farragosa inscripción, que proporciona telón al grupo escultórico de fuente con señora y dragón-babosa picassiano; y por la parte posterior, un medallón con el perfil de "don Ugenio" (como pronunciaba con mucha retranca un viejo amigo "rojo" e iconoclasta). Según explicaron en su día los creadores (así lo recogieron los periódicos de la época), la mujer representa al clasicismo, lo angélico, la cultura y la norma, que se opone al pequeño dragón, trasunto de lo espontáneo, lo natural, lo demoníaco... es decir, lo que Hitler llamaba "el arte degenerado"
El texto de la inscripción, elegido por el propio Víctor d'Ors, a partir de pensamientos de su padre, dice:
TODO PASA: UNA SOLA COSA TE SERÁ CONTADA Y ES TU OBRA BIEN HECHA. NOBLE ES EL QUE SE EXIGE Y HOMBRE, TAN SOLO, QUIEN CADA DIA RENUEVA SU ENTUSIASMO; SABIO, AL DESCUBRIR EL ORDEN DEL MUNDO, QUE INCLUYE LA IRONÍA. PADRE ES EL RESPONSABLE, Y PATRICIA MISIÓN DE SERVICIO, LA POLÍTICA. DEBE SER CATÓLICA, QUE ES DECIR, UNIVERSAL, APOSTÓLICA, ES DECIR, ESCOGIDA, ROMANA, ES DECIR, UNA. UNA TAMBIEN LA CULTURA: ESTADO LIBRE DE SOLIDARIDAD EN EL ESPACIO Y DE CONTINUIDAD EN EL TIEMPO. QUE TODO LO QUE NO ES TRADICIÓN, ES PLAGIO. PECA LA NATURALEZA; SON ENFERMIZOS OCIO Y SOLEDAD. QUE CADA CUAL CULTIVE LO QUE DE ANGÉLICO LE AGRACIA, EN AMISTAD Y DIÁLOGO.
Como el texto es muy elocuente, sólo subrayaré las ideas "fuertes", para quienes estén poco familiarizados con las cosas de "don Claudillo":
-Alineación cultural dentro de las tradiciones más añejas del "nacional-catolicismo", que establecen una relación muy sólida entre el Bien, la Verdad y la Belleza
-Condena la innovación y, muy especialmente, la transgresión.
-Reivindicación del "clasicismo", entendido como expresión de habilidad y orden, con matices de ironía, como única concesión a "lo moderno"
-Defensa de una sociedad estamental jerarquizada, dirigida por "la nobleza".
Añade significación al "monumento", el lugar elegido, dentro de la franja espacial que une la puerta de Velázquez del Museo del Prado (relicario de nuestras más queridas tradiciones estéticas) con uno de los edificios de manifiesta orientación fascista que aún perviven en Madrid: el antiguo "edificio de Sindicatos", reconvertido actualmente en sede del Ministerio de Sanidad y Consumo, que fue diseñado por Francisco de Asís Cabrero Torres-Quevedo y Rafael de Aburto Renobales, siguiendo las ideas de los más destacados arquitectos mussolinianos (Mario Sironi, Adalberto Libera, Terragni...)
Para enfatizar los objetivos retóricos de Víctor D'Ors y las autoridades municipales franquistas de la época, el medallón con el perfil de Eugeni d'Ors da la cara al edificio de sindicatos, mientras la lápida se ofrece hacia el Museo del Prado...
¿Es imaginable un "monumento" más antivanguardista? Es difícil entender que las vanguardias homologadas internacionalmente no lo hayan convertido en "manifestódromo" y punto álgido de estética antifascista, porque para más INRI, el monumento armoniza mal con los elementos de su proximidad, es más feo que el "tag" de un analfabeto y ofrece una superficie que haría las delicias de cualquier "grafitero" ácrata. Debe ser el noble espíritu de "don Ugenio", que como cuando se hizo nombrar caballero, vela por su memoria día y noche.
Para finalizar me gustaría dejar claro que si dependiera de mí, este engendro de "monumento" permanecería donde está por toda la eternidad, para que no se nos olvide lo que sucedió en España durante aquellos lejanos años...

La miseria de los museos "menores"

Ayer por la mañana se me ocurrió visitar el Museo de Santa Cruz (Toledo)... antiguo escenario de confidencias y averiguaciones ingenuas, donde guardan piezas fruto de tantos esfuerzos generosos. El edificio está ocupado por una de esas exposiciones que parecen concebidas para cubrir unos cuantos minutos de la televisión regional y, como de costumbre, para proporcionar un buen puñado de euros a los amigos que regalan trajes a los muy nobles dignatarios. La recorrí con cierta rapidez porque mis objetivos eran las salas medievales...
Se podría decir que había más vigilantes que visitantes, porque aunque el conteo reflejaba otro resultado, más de la mitad de estos últimos eran veinte niños de corta edad (6 ó 7 años) en cuerda de presos más propia de la época franquista. Por lo demás: dos señoras de edad incierta pero "semi-seculares", un grupo de cuatro latinoamericanos especialmente interesados por las rosas del claustro, también cincuentones, otro de italianos (4 ò 5 personas) de la misma edad, cinco personas más vestidas como "ejecutivos agresivos" (traje oscuro y corbata, los hombres y vestido negro, las mujeres), acaso en la cuarentena y cuatro o cinco personaS más sin otra cualificación especial que la mucha experiencia acumulada.
La desagradable imagen de Fernando VII parecía lamentarse de su escasa capacidad de convocatoria... A mí tampoco me gusta su cara.
Para mi desventura, los pocos restos medievales (islámicos) accesibles están en el claustro, repartidos con criterios de museo "preconciliar"... Se diría que las relaciones de Toledo con el Islam no pasaron de meras anécdotas (casi cuatro siglos)... Según dijo la empleada que respondió a mi curiosidad, la "sección arqueológica" está cerrada al público desde tiempo inmemorial y no saben cuándo se ofrecerá de nuevo al público.
Francamente, no recomiendo a nadie que haga el esfuerzo de llegar a Toledo a ver la exposición, porque, según mi criterio, los efectos escenográficos del montaje (para mi gusto algo "forzados") no enjugan la pobreza del conjunto, con apenas media docena de pinturas destacables. Creo que tenga sentido ese empeño en hacer exposiciones sólo para atormentar a los niños y entretener a los viejos ilustrados... El perfil sociológico de los visitantes se acerca sospechosamente al de quienes acuden los domingos a misa en el barrio Salamanca...
Y regreso a Madrid cavilando mientras conduzco si realmente habremos dejado de ser súbditos... Acaso seamos ciudadanos, pero la gestión de los museos "menores" no ha mejorado mucho desde los tiempos del general innombrable.

Peter Smuthor

Por Raúl Rodríguez Aguilar


El pasado 13 de abril se nombró como ganador del premio Pritzker al arquitecto suizo Peter Sumthor. Este premio es otorgado anualmente desde 1979 a un arquitecto vivo por la fundación Hyat, llevando dicho nombre por la familia Pritzker, propietaria de la cadena de hoteles Hyat (de Chicago) que entrega la suma de 100.000 dólares al galardonado.
Siempre que se habla del premio Pritzker, se añade la coletilla ‘considerado el equivalente al Nobel en arquitectura’, calificativo exagerado que sirve para dotarlo automáticamente de un trasfondo de notoriedad y un valor del que muchas veces carece. Más se lo debería considerar como el ‘oscar’ de la arquitectura, dado que suele ser un premio destinado al ‘star system’ en general y a cualquier arquitecto americano en particular (recordemos que, de los 31 galardones otorgados hasta la fecha, ocho han ido a parar a manos estadounidenses, que son quienes lo financian y, al mismo tiempo, promocionan el producto patrio).
Tampoco queda claro el motivo exacto por el que es otorgado el premio, ya sea por la relevancia del premiado en la escena mundial o bien por el conjunto de toda su obra (o una colección de sus proyectos maestros), ya que muchos de los galardonados alternan proyectos muy destacables junto a auténticas y olvidables meteduras de pata, que les eliminarían directamente de la lista de posibles candidatos a un premio por toda una carrera.
Este año, el jurado del Pritzker se ha decantado por la vertiente más ‘conservadora’ de la arquitectura. Zumthor es una buena elección, que evitará con seguridad las críticas que hubieran existido de haber recaído el premio en alguna otra figura de perfil más mediático. Representa un respaldo a las cualidades más intemporales de la arquitectura y a la idea de que la arquitectura es fundamentalmente una profesión estética más que política. Este galardón sirve para polarizar aún más la dicotomía existente entre ambas tendencias, antagónicas, de la arquitectura actual.

Muchos foros de arquitectura coinciden en la idea de que los últimos premios Pritzker han sido entregados a arquitectos en los que “su fama supera notablemente su experiencia de obra construida”, justo lo contrario que en el caso de Peter Sumthon, cuya obra reflexiva destaca más por sus detalles y su equilibrio en los gestos que por sus innovaciones o grandes ideas, ya que se trata de un arquitecto muy alejado del gigantismo de las propuestas de los ‘galácticos’, basadas en las formas excéntricas e ‘imposibles’ que les permite el software de diseño digital. Sumthon, en contraposición, presenta un respeto por la arquitectura del lugar, los materiales y la propia historia de la arquitectura. Según sus propias palabras:
“Creo que la Arquitectura de hoy debe reflejar las tareas y posibilidades que le son inherentes. La Arquitectura no es un vehículo ni un símbolo para cosas que no pertenecen a su esencia. En una sociedad que celebra lo no esencial, la Arquitectura puede poner resistencia, puede contrarrestar la pérdida de forma y significado, y hablar en su propio lenguaje. Creo que el lenguaje de la Arquitectura no es una cuestión de un estilo específico. Cada edificio es construido para un uso específico en un lugar específico y para una sociedad específica”
Entre sus obras más destacadas se podrían citar las Termas de Valls, el museo de Arte Kolumba (en Colonia), el museo de Arte de Bregenz en Austria (que le valió el premio Mies Van der Rohe en 1999) y la capilla de San Nicolás (Suiza).
Para finalizar con estos apuntes, me gustaría citar un fragmento del artículo del historiador William J.R. Curtis, publicado en El País el 14 de abril de 2007, bajo el título ‘Los desvaríos del premio Pritzker’:
“El Pritzker ha surgido en un periodo en el que no hay un estilo o ideología dominante, en el que los arquitectos siguen ampliando, transformando, invirtiendo, e incluso manierizando la herencia de la arquitectura moderna anterior. Actualmente hay pocos arquitectos de primera categoría en el mundo, y los dos “maestros” indiscutibles ya tienen más de 90 años: el danés Jorn Utzon (Pritzker en 2003) y el brasileño Óscar Niemeyer (que tuvo que conformarse con medio Pritzker en 1988). El pluralismo predominante es positivo para el premio, porque le permite buscar cualidades diversas por todas partes. En ocasiones ha sido presa de modas pasajeras; en otras ha intentado ser serio y ha perdido oportunidades de identificar la verdadera calidad. El sistema actual de estrellas internacionales corre el riesgo de explotar el Pritzker y reducirlo a una “marca” de lujo en el mercado global de producciones cada vez más rápidas y superficiales. Si el Pritzker hubiera existido hace 20 años, es de suponer que se habría concedido a “maestros del movimiento moderno” como Le Corbusier, Alvar Aalto, Mies van der Rohe y Louis Kahn. En comparación con ellos, habrían salido mal parados arquitectos peores que vinieron después. La extravagancia formalista que es el Museo Guggenheim de Bilbao, diseñado por Frank Gehry (Pritzker en 1989), se torna insignificante al lado de la capilla de Ronchamp de Le Corbusier (1953), con su mágica fusión de forma, significado, espacio y luz. Puede que 31 años sean muchos en la historia de un premio, pero es un periodo muy corto en la historia de la arquitectura, por lo que lo mejor es mantener las cosas en perspectiva”.

EL CASO DE JOSEPH J. PYDUCH

Por Antonio Ferreira Martín

Ojeé rápida y rutinariamente la ficha que decoraba la superficie de mi pulcro escritorio: Joseph Jackson Pyduch. Nacionalidad desconocida, edad desconocida, varón, raza mestiza… Las observaciones del anterior centro psiquiátrico apuntaban un trastorno de la personalidad que le hacía creerse la encarnación del arte contemporáneo, además de una violencia impulsiva ocasional. “No es para tanto”-pensé; los enfermeros le sentaron y comencé con mi ritual de “bienvenida”.
-Encantado, Joseph, a lo largo de la jornada charlaremos un rato y realizará usted unos sencillos ejercicios, ¿Conforme? Bien, ¿Cómo se encuentra hoy?
- Va…vaya, bueno, los puntos ya se van, se están yendo de mi cabeza, señor. Me duelen los ojos aún, los malditos lo traducen todo a co…colores puros y las líneas del entorno se me exageran y la perspectiva baila a su antojo. Todo es un lienzo áspero, señor, y los párpados me inyectan blanco puro de vez en cuando. Todo se me reduce a lo esencial, a lo primitivo, pero… Estoy muy contento de que me haya invitado usted al Salon d’Automne, en 1906, gracias, mu-muchas gracias. Pero he perdido mis principios en la naturaleza lírica, ¡hay cargas de dinamita coloreada por todas partes! Tenga cuidado…
-Mmhh…-decidí no anotar nada aún y seguir hurgando en su psique trastocado- Joseph, recuerde que esto no es ningún salón, está usted en un centro mental, en 2005, ¿ok?, cuénteme, ¿por qué solicitó el traslado?
-Si, si, eh… ¡me asfixiaban los límites, señor! Rechazaba a todos esos maricones bien vestidos. Porque… la abstracción es emotiva, la expresión es emotiva. He de reconocer, no muy satisfecho, que tuve que asesinar a algunos cerdos impresionistas… estaba nervioso e inquieto, mi personalidad iba a explotar y… Me dijeron que aquí podría conocer al Bosco, a Goya, a Blake, a Delacroix… ¿es así, se…señor? Vaya, ¡la esencia profunda de la humanidad salta entre mis dedos! y quiero construir el puente para el jinete azul, que es amigo mío, porque, cuanto más terrible es el mundo, más abstracto soy yo, y… señor El ojo que piensa podrá al fin conversar con El punto y la línea en referencia al plano.
-Bien, me deja usted asombrado… le haré una pregunta para romper el hielo, ¿Qué opina de mi?- De repente se levantó y empezó a mirarme desde cerca, muy cerca, desde atrás, subido en la silla…- ¿Qué hace, Joseph?
-Debo ponerme al unísono con la naturaleza, no copiarla. Bien, eh… la delgada línea entre la figuración y la abstracción se ha difuminado, pero he de decirle que ¡es usted como la nueva visión pictórica del mundo!... Su esqueleto molecular y sus líneas rectas me agradan…pero debe usted fundirse mejor con las paredes, señor. El collage de sus gafas es como una explosión de realidad… pero tiene que acercarse más al lienzo… Lo siento, a veces descuartizo a la realidad, señor, pero otras veces lo descuartizado se me vuelve real. La perspectiva me dio calabazas… pero ya estoy mejor…
-Ahá…-psicópata en potencia, anoté- Si… ¿se siente cómodo en esta habitación, Joseph?
-¡Claro! nos completa a usted y a mi… Es clara y objetiva, como una guerrilla cultural, ja, ja, me gusta su tranquila exactitud, está rebosando números, se respira proporción. Es el orden dentro del desorden, el color ya no importa. Es necesaria, aunque efímera, siento decirle que nos terminará aplastando.
-Esperemos que aguante la sesión de hoy…carraspea usted mucho, ¿quiere un vaso de agua?
-¡NO!, ¡no, por favor! Es demasiado pura para mí, ¡y abstracta! , Orfeo me mataría. Señor, parece abstracta, pero su estructura interna es un cuchillo, una radial, un círculo frenético. Su vapor flotaría libremente en el espacio y nos ahogaría, inundará el universo, reduciría al hombre a mera línea y color, no habrá mundo exterior, sólo interior, ¡debemos improvisar!
-De acuerdo, lo siento, no traeré agua, tóme esto y escúchelo, le relajará- se puso como loco y le di un reloj de bolsillo con un tic tac pendular para que se relajase, en su lugar lo estalló contra el suelo y observó medio hipnotizado sus engranajes.
-Dios mío, que engranajes intestinales más magníficos, que destrucción más bella. He demolido el pasado y celebro los deleites de la velocidad y la energía mecánica. Esto sodomiza a la mismísima Vicky de Samotracia. Vaya, como brilla, como ruge, ¿se ha fijado, señor? Moriría y mataría por tener un motor de 16v en lugar de ventrículo izquierdo, para atropellar a esas enfermeras lascivas. Si las ve, dígalas que me encanta desayunar bombillas encendidas. Si no, Abriré mi cuerpo en canal y lo llenaré de engranajes, y así podré ir por fin a la ciudad de las gargantas metálicas, con su ruido y su movimiento.
-Muy bien, pronto podrá ir, pero tranquilícese o le trasladarán a su habitación…
-Señor, me relajaré, no me gustan las habitaciones que tienen, son muy picudas, y me dicen cosas ¡BLAST! ¡BLAST!/ Nombre de la revista vorticista más importante/ Tienen una energía brutal y dinámica, se alimentan de mí…La esquina, el vórtice, lo devoran todo, es la diagonal de la vida, la diagonal de la muerte, ése agujero negro en el plano… todavía no…todavía no…
-Correcto, todavía no…pensemos en algo divertido, ¿sabe usted algún chiste? ¡Cuéntemelo!
-¡Bien!, escuche con atención: HAUT, DA… DA… DA BOOM, L.H.O.O.Q. PLESIOSAURIUS, SI…SI DA…DA ANTI…ARTE…nxndefgvjflvhkr,…JA, JA, JA, JA,…- Así continuó varios minutos, vomitando sonidos sin sentido y partiéndose de risa…
-Muy gracioso….pare ya… ¡Pare! Está bien, ahora le daré un papel, debe usted dejar la mente en blanco y dibujar lo que le dicte su espíritu… ¿vale?- ipso facto propinó un cabezazo a la mesa y entró en trance, dibujaba y susurraba frases a la vez…
-El auténtico funcionamiento del pensamiento. La mente no ejerce control. Sin preocupación. Poesía, poesía. Cadáver exquisito, mmhhh… paisaje interior. Más allá de la realidad…-Me dio el dibujo medio en trance y garabateó la mesa. Le frené. Dibujó una manzana con sombrero.
-Ahora dígame que ve aquí, si es que lo puede explicar-le enseñé un folio en blanco.
-¡Grandioso! ¡Supremo! La forma supremamente elemental, rechaza a toda apariencia… ¡qué versátil! ¡Sutil! La materia no existe, el cielo no existe, es la libertad. El hombre se difumina hacia el infinito.
-Wau, ¡que imaginación tiene, Joseph! No bajemos el ritmo… ahora le daré 10 segmentillos de madera y tendrá que intentar hacer usted una línea lo más recta que pueda- esto lo hice para comprobar el estado de sus capacidades psicomotrices. Dispuso ágilmente 5 de los segmentos en horizontal, y los otros 5 en vertical, formando una especie de cruz, le dije que se explicase.
-Se… señor, ¿no lo ve? Acabo de plasmar el mundo: la horizontalidad de la tierra en relación al sol, y la verticalidad de los rayos con los que este nos obsequia. La matemática pura en la túnica de Platón. Señor… el objetivo del hombre es el estilo, y la abolición de todos los estilos. Estos colores, el amarillo de la radiación, el azul del cielo, el rojo de su cópula…todos flotan como una nube en la mesa, señor…-los segmentos eran blancos, pero no hizo caso y movió hasta la diagonal la parte superior de la cruz-Ahora, mucho mejor, no nos gusta la simetría, ahora podrá atravesar las paredes y el enemigo del caballete me recompensará.
- Aquí no nos gusta atravesar nada, Joseph. Bueno, antes de pasar a la sala anexa, tome, aquí tiene la ropa que usará durante su estancia… ¿le gusta? Póngasela, por favor.
-¡Vaaayaaa!, sus amigas las máquinas deben estar satisfechas… ¡qué creación tan geométrica y sencilla! Este uniforme eleva las necesidades físicas e intelectuales de la sociedad, ¡de nuestros camaradas! Así todos seremos iguales y podremos conjuntar con los muebles y las paredes, y saldré vistoso en nuestras revistas y carteles, ¡y películas! – Empezó a rozarse las mejillas con el traje- ¡áreas de colores puros! La utilidad y el material bailan muy agarrados. Con esta armadura podré construir por fin la torre de Tatlin y daremos la bienvenida al futuro, y mataremos a esos ismos inútiles… gracias, gracias, se…señor.
Se puso el “uniforme” muy contento y pasamos a una sala contigua más espaciosa, donde unos compañeros psiquiatras aguardaban impacientes su buffet libre de análisis de conducta. Juntos decidiríamos el diagnóstico del sujeto, política de empresa. Joseph J. Pyduch entró cabizbajo y agrietado a la sala. Le pregunté qué le ocurría.
-Aquí hay demasiada gente, señor, coexisten personalidades muy distintas, es peligroso. Nueva York es casi tan grande como esta habitación… es inútil, señor, se… señores, ustedes no pueden entenderme, son incapaces de traducirme. Yo fundo lo plástico y lo literario, la conciencia y la inconsciencia, lo ordenado y lo desordenado. No les gustará mi marcada planitud… en el vacio está la esencia, está la nada. No me interesa describir lo inefable, sólo voy a explorarme a mí mismo. Pero sepan ustedes que terminarán alabándome cuando mis procedimientos y actividades nos liberen de las imágenes, porque los problemas fundamentales sobrepasan palabras e imágenes. El fondo nos invade y el suelo se dilata, ¿no lo ven?, no… claro que no… nunca se fijan en el suelo- desde que entró, no paró de fijarse en las baldosas trazando movimientos amplios con su cadera. El mediterráneo se hunde y deja surgir nuevos colores. ¡Hay que actuar en el caos! ¡Llegar hasta el borde y no caerse! ¡En soledad!... en soledad, con uno mismo, porque la muerte nos llegará igual.
-Basta ya…. Señor Pyduch, tranquilo, ya queda menos… sabemos que está usted cansado, terminaremos lo antes posible. Realizará ahora una serie de fáciles ejercicios, con los que podremos comprobar su coordinación física, ¿de acuerdo?- Los absurdos movimientos eran tales como tocarse la punta de los pies, la nariz, abrir la boca, etc. Los realizaba de forma muy correcta; a la vez, como era de esperar, nos deleitaba con su incontinencia verbal.-
-¡Movimiento… no hay que representarlo, hay que serlo! Me siento ágil y ligero, el movimiento destruye lo material de los cuerpos, y lo ensalza. El tiempo galopa coordinado y la masa se divorcia del volumen, importa sólo la energía. ¡Soy la luz! ¡La luz! Yo defino mi figura. Soy como el libre balanceo del viento… pero ustedes también se mueven, y si lo hacen, yo lo haré también, irremediablemente. La densa e irreparable tuerca de la naturaleza… ya ven, no hay nada cierto, todo son posibilidades, se crea la ilusión mediante el movimiento ¡Viva el azar del cosmos!- De repente, se quedó congelado y empezó a delirar…- No… no… ¡no!, otra vez… mis ojos enloquecen… ¡No son fiables, todo es abstracto, exacto, formas que cambian sin moverse. Todo se mueve. Todo son ilusiones de los sentidos. La… la percepción se altera mul-ti-di-men-sio-nal-men-te… no distingo lo físico de lo psíquico. Los colores me mienten. ¡No hay nada que entender! Se crea el movimiento mediante la ilusión…
Se desmayó y durmió unas horas, pero le despertamos porque debíamos concluir el análisis lo antes posible, política de empresa…
-Joseph, elija entre los objetos de encima de la mesa el que más le guste, y explíquenos porque.- Las opciones eran: un cuchillo, de plástico, claro; una cerilla; un biberón y un zapato rojo de tacón. En su lugar eligió una lata de coca-cola vacía de uno de mis colegas, que no entraba en el ejercicio, pero le dejamos que se explicara.
-Si reúno muchas de estas latas podre hacerme rico…Son perfectas. Relatan el entorno y la mentalidad del consumidor por excelencia… nosotros. Está hecha en serie, ¡pero es única! Es el resultado de la megalópolis, de la revolución tecnológica, del aislamiento de la naturaleza. Es hija de la moda, del capitalismo y de la máquina. ¡Es efímera, popular, barata, producida en serie, ingeniosa, sexi, artificiosa y un buen negocio! Representa la banalidad del hombre mejor que ningún otro argumento… ¡Un momento! ¡Esperen! Tengo una idea, tengo i-de-as…-Empezó a golpearse con la lata en la cabeza, mientras decía: ¡Estoy destruyendo a la sociedad, fíjense en el concepto. Lenguaje. Lenguaje radical. Detrás del retrete todo es distinto! ¡Cualquier cosa! ¡Ninguna cosa! ¡Esto no es una lata si lo digo yo! ¡Fluxus! ¡Fluxus! ¡Azar! ¡No hay límites! ¡Del uno al infinito!
- Por favor, traed pañuelos…- le limpiamos la sangre de la cara. No había mucha así que no llamamos a seguridad ni a los enfermeros. Queríamos terminar cuanto antes. Eran las 23.00. Guardé el cuchillo por precaución- Joseph, sin rodeos, ¿qué opina de sí mismo?
-No…- estaba hierático, llorando sin lágrimas, tapándose con el pañuelo la mitad del rostro- No le sirvo al estado… ni a la religión. Soy aburrido, reducido hasta el extremo. Soy un autómata, un embalaje industrial. Nada. Soy repetitivo. Sin significado. Sin estética. Todos somos módulos idénticos, repetidos, formando una cadena hasta el fin.
-Lo ha hecho usted muy bien, Joseph- todos anotamos cabizbajos… Fue un discurso triste- hemos terminado por hoy, puede usted retirarse…- de repente, antes de que llamara a seguridad, se levantó muy excitado. Todos los” batas blancas” le miramos asustados.-
-No lo entiende… no lo entienden. ¡Les odio a todos! ¡Déjenme en paz! Sólo busco mi identidad. Odio mi minoría. Odio depender de ustedes, de sus infames mentes. ¡Soy un condón infectado de sida! ¡No encuentro la esencia, no tengo remedio! Soy como una mujer negra feminista en la edad del bronce. ¡No sirvo! ¡Solo quiero que no me tiemble la mano cuando coja el cuchillo que corte el firmamento! Soy… la metáfora… yo soy…- el diluvio de sus ojos se espesó y nubló su razón: cogió el zapato rojo, apoyó su cabeza en la mesa y, empezó a machacarse la sien con el inofensivo tacón.
J.J. Pyduch quedó en coma antes de que pudiéramos frenarle. Lleva así casi cuatro años, esperando a despertar, esperando a escuchar el diagnóstico que nunca pronuncié. La última frase que bordeo débilmente sus labios fue algo como: “Yo… soy…”.

Richard Serra y la difusión de la cultura española

La ministra de Cultura acaba de entregar la Orden de las Artes y la Letras de España a Richard Serra... Este honor, que hace pensar en la afición de los políticos españoles a la "nobleza de hábito" y a "hacerse fotos" junto a personalidades de "la cultura", fue creado a mediados del año pasado por iniciativa del Ministro de Cultura anterior, César Antonio Molina, "con el fin de reconocer la labor de aquellas personas físicas o jurídicas que se hayan distinguido en la promoción, puesta en valor y difusión de la cultura española y de la imagen de España dentro y fuera de nuestras fronteras" (art. 1 del Real Decreto 1320/2009 de 24 de julio). El primer nombramiento recayó sobre la mente preclara del egiptólogo Zahi Hawass, secretario general del Consejo Nacional de Antigüedades de Egipto y uno de los responsables de la exposición Faraón, que se paseó por varias ciudades, para definir un importante jalón en la explotación económica de los recursos culturales . ¿Sus méritos? "Consentir" que excaven en Egipto grupos de arqueólogos españoles... ¿para que sus resultados puedan ser explotados turísticamente en el futuro inmediato?

¿Los méritos documentados de Richard Serra? Ser hijo de español, haber sido seleccionado por la Fundación Guggenheim para "protagonizar" la inauguración de la sede bilbaína y haber resuelto el entuerto de una de los más vergonzosos incidentes de la museística española: la "evaporación" de una de sus obras (Igual-Paralelo: Guernica-Bengasi) de 38 toneladas... Richard Serra ha repetido la obra, al parecer, "altruistamente". Honores por cosmética... ¡Qué bien se entienden el arte y el poder!

Debo ser muy torpe, pero a mi juicio, ni Zahi Hawass ni Richard Serra se han distinguido especialmente en la promoción, puesta en valor y difusión de la cultura española y de la imagen de España dentro y fuera de nuestras fronteras... Sería más propio que buscaran a cualquier funcionario de las oficinas turísticas españoles, si quiera para evitar paradojas surrealistas como las acaecidas en la concesión de las Medallas al Mérito en las Bellas Artes.

Sleeping Beauty

Aunque está a punto de finalizar, tengo una deuda con la exposición que ha acercado a Madrid los fondos del Museo de Arte de Ponce (Puerto Rico). Sólo son diez pinturas y siete dibujos, pero merecen la aventura de enfrentarse con las colas, los guardias de seguridad y otras dificultades impuestas por los gestores "liberales" (a la par que progresistas) del Prado, que ya anuncian el encarecimiento de la entrada (8 € en taquillas y 7 si se adquiere por Internet). En Madrid es difícil ver pinturas de época victoriana y algunas de las recogidas son de calidad excepcional (según mi criterio). Es destacable "Sol ardiente de junio", de Lord Leighton, alarde de sensualidad, que los juicios de la beatería estética valoran como paradigma de "el arte por el arte" y a mí me parece precedente del erotismo suave del siglo XX. Si roban esa pintura, la policía debería empezar a buscar por mi casa... porque los tonos anaranjados armonizan con el color de la madera... y yo también formo parte del muy selecto club de los amantes del arte por el arte.

Julio González en el Reina Sofía

Según un amigo malintencionado, "cuando los gestores de algún museo español no tienen dinero o ideas para hacer nada, hablan con "los catalanes" y, de inmediato, se inventan una exposición de Julio González". Debe ser cierto, porque ya he perdido la cuenta de las veces que nos han enseñada la obra de este escultor catalán, adelantado de la moderna esculta en hierro. A fuerza de tanta familiaridad, en mi corazón ya ha cuajado un cariño infinito por "la Montse", especie de Anita Ekberg para motivación revolucionaria "a la española", que no se pudo bañar en la fuente de Trevi ni en la de Canaletas, por las circunstancias trágicas de su existencia. Pero para no engañar a nadie, debo manifestar que en ese sentido me siento más italiano que catalán y prefiero a Anita Ekberg, incluso, aunque la vistan con ropas talares...

Juan Muñoz

Con el patrocinio del Banco Santander, en el "fotofóbico" museo Reina Sofía, han inaugurado la ya "célebre" exposición antológica de Juan Muñoz (Tate Modern), artista que refuerza aquella metáfora que iguala a los artistas con los cerdos: mientras viven, se les alimenta con desperdicios; cuando mueren se aprovechan hasta los pelos. Dicen que en ésta han añadido algunas obras que no se pudieron ver en Londres...
No tuvo mucha suerte el compañero de Cristina Iglesias, porque murió cuando le llegó el reconocimiento internacional, un poco antes de que nuestros "expertos" comprendieran el alcance de una obra articulada mediante formas e ideas, que nos pone ante nosotros mismos, ante nuestras limitaciones y miserias, ante nuestras virtudes fingidas y ficticias, ante la tramoya que edulcora nuestra sociedad del bienestar.
Enanos, tentetiesos, clónicos "achinados" de sonrisas estereotipadas han ocupado las salas del antiguo hospital, como espectros de quienes lo habitaron hace muchos o pocos años, y ante la visita inquieta de los vigilantes de seguridad obsesionados con impedir la realización de fotografías (se podrían llevar el alma de las obras), los visitantes hacen cola para unirse a ellos en relaciones de comunicación imposible. ¡Qué oportunos son los espejos!

Fazal Sheikh en Mapfre-Azca

La Fundación Mapfre, en su sala del complejo Azca nos ofrece una exposición fotográfica que no deja indiferente a nadie, porque las imágenes, repertorio de miserias más o menos ennoblecidas, son de una elocuencia clamorosa. El comisario de la exposición y asesor de la Fundación Mapfre "sitúa el trabajo de Sheikh en la mejor tradición de la fotografía documental, la que va de Lewis Hine a Eugene Atget, de Walker Evans a August Sander; una obra que define como dotada de un vigor y un ansia de verdad que está ausente en otros fotógrafos contemporáneos que apuestan por un enfoque más distanciado de la realidad".
Según mi juicio, que puede estar muy equivocado, los elogios no sintonizan con mis "percepciones". Casi como si fuera una costumbre arraigada en los centros de la Fundación Mapfre, volví a sentirme decepcionado, porque es muy fácil encontrar magníficas fotografías de los asuntos mencionados en la exposición (en Magnum, sin ir más lejos) y las fotografías de Fazal Sheikh me parecieron impropias de un fotógrafo de calidad contrastada... o de unos criterios de selección poco afortunados. En la muestra podemos ver un repertorio muy variado de composiciones ingenuas y, sobre todo, un catálogo completísimo de cómo resolver sin habilidad los problemas más simples de profundidad focal.... No quiero decir que todas las fotos son malas, pero sí que si algunas enmascaran sus limitaciones técnicas bajo unas cualidades formales de especial capacidad empática...
Puedo estar muy equivocado, pero durante los últimos años algunos centros de reputado prestigio han organizan exposiciones fotográficas que justificaban la torpeza como testimonio de "inmediatez", "frescura" y "expontaneidad"... Según mi criterio, la fotografía por su propia naturaleza, es paradigma de inmediatez, frescura y expontaneidad, y valorar los defectos o las carencias como cualidades positivas es como redefinir el síndrome de Diógenes mediante "razones ecológicas", como "el estado de ánimo propio de quienes pretenden reciclar la basura con medios domésticos precarios".

El síndrome de Transnistria

De paseo por esos mundos de Dios o del Maligno materialista que lo invade todo, un amigo efímero me habló (en ese inglés que hace sonreír a Vera) de un extraño territorio, donde como en el Museo del Prado, está prohibido hacer fotografías: Transistria. Es un medio-país, implantado sobre una estrecha franja cerca del mar Negro, declarado independiente de Moldavia, que no ha sido reconocido por ningún país "importante". Al parecer, el sisema político es rezago del modelo soviético aunque, según parece (las noticias procedentes de Transistria son muy escasas), está evolucionando hacia fórmulas democráticas más o menos homologables. Aunque no me consta la existencia de museos, prohiben realizar fotografías... por "razones de seguridad". Los viajes a Transnistria son toda una experiencia, reflejada por la literatura contemporánea en un pasaje del ‘best-seller’ El Método, de Neil Strauss. La odisea incluye múltiples sobornos a la policía, camuflados en la necesidad de obtener todo tipo de ‘visados’ o ‘licencias’ ficticias, o en el pago de multas inexistentes. Se aconseja viajar con billetes pequeños de dólares por este motivo.

No me consta que el director del Museo del Prado, las monjas de San Andrés del Arroyo, los religiosos de San Isidoro de León, y tantos otros prelados de los asuntos místicos y estéticos, adornados de "fotografobia" hayan pasado por allí, pero no me extrañaría...

He recogido la imagen adjunta para que el curioso lector se haga una idea de por dónde andan los "transistrianos" y para que nuestras autoridades culturales y los prebostes celosos de la exclusividad iconográfica sepan con quienes forman grupo.

Turquía

Tenía pendiente visitar Bizancio (Constantinopla)... hoy, Estambul. He tardado más de veine años...
El viaje ha sido especialmente fructífero. Han reverdecido las propuestas que realicé sobre el llamado "arte mozárabe", que ocultaba un influjo directo de Bizancio en el noroeste de la península Ibérica, incompatible con la historia oficial de la "Iglesia Hispánica"... A mi juicio, la situación es particularmente diáfana: aunque a los monaguillos de Gómez Moreno les salga sarpullido, la diócesis de Astorga o una zona próxima a sus límites territoriales, "sufrió" un "influjo" bizantino directo, perfectamente documentado por unos cuantos capiteles con paralelos prácticamente idénticos en Estambul. Si no lo digo, reviento.

Desde las obsesiones que manifiesto en este espacio de comunicación, deseo destacar varios detalles:

1. Que las autoridades turcas no padecen "fotografobia": se pueden hacer fotografías en todas partes y sólo en algunos lugares nos obligaron a pagar por usar las cámaras, como hacen en los grandes museos rusos. En los museos de proyección educativa sólo prohíben el uso del flash y no cobran por entrar con la cámara. En las mezquitas no cobran la entrada y ni siquiera prohíben el flash. Tomen nota los responsables de la Conferencia Episcopal Española...

2. Las autoridades tienen muy claras las posibilidades turísticas y se afanan en acrecentar el flujo de visitantes recurriendo a fórmulas de probada eficacia. En Éfeso ofrecen "la casa de la Virgen María", acaso con la pretensión de crear un centro de peregrinación comparable a Santiago de Compostela. También presumen de la tumba de san Juan Evangelista y del sarcófago de Alejandro Magno... Me atrevo a vaticinar que en el futuro nos sorprenderán con ideas aún más exóticas., siempre respaldadas en restos artísticos de mayor o menor entidad.

3. Los museos ofrecen una imagen tan patética como los españoles... También allí prestan especial atención a los emblemáticos, con instalaciones museísticas de ingenuas y pretenciosas cualidades escenográficas; los demás subsisten. Sin embargo, pervive la función "pedagógica": en el Museo Arqueológico de Estambul permiten que los estudiantes de Bellas Artes se sientan en el suelo y copien o tomen notas de las esculturas helenísticas.

4. El "problema Santa Sofía". Primero fue iglesia ricamente ornamentada; más tarde, mezquita... Los musulmanes suprimieron de mala manera la decoración antigua, unas veces picando mosaicos y pinturas y otras, recubriendo las imágenes con enfoscados y enlucidos, que luego cubrieron con ornatos sumarios y de muy escasa calidad. Una vez convertida en Museo, las autoridades actuales han optado por la solución más simple: dejar el edificio como estaba cuando era utilizada como mezquita, con unas cuantas "catas" que muestran el ornato de la época cristiana. Espero que en el futuro se imponga el sentido común y se recupere el carácter original en su integridad... El "interés turístico" lo justificaría plenamente...

5. Pudimos ver Santa Irene... Aunque sus paredes están repicadas y las autoridades turcas la tienen medio abandonada, ofrece un espectáculo arquitectónico fastuoso.

6. La cultura turca actual parece ajena a las corrientes estéticas occidentales. Las ciudades turcas son paraísos para los admiradores de Iman Maliki.

7. Los restos greco-latinos que aún existen "in situ", a pesar de la rapiña de ingleses y alemanes, son espectaculares...

Pasamos un rato en Troya, recordando lo peligroso que puede ser juzgar la belleza de una mujer... Sentí la presencia de Afrodita y Éride... Pernoctamos frente a Lesbos, cuyo relieve surgía de las brumas con tonos rojos y amarillos. Caminamos por las calles de "La Ciudad Sagrada" (Hierápolis), construida en travertino sobre nubes de algodón... Completo y maravilloso universo de referencias míticas y literarias, incompatiples con la concisión de este medio... Pero, por desgracia, para completar el periplo jónico, debemos acudir a Berlín, Viena y Londres...

Settecento Veneziano. Del Barroco al Neoclasicismo

Se ha levantado un día moderadamente frío, casi de otoño antiguo, como el ambiente ideológico que invadía el centro de Madrid... Nos ha costado convencer a los guardias para que nos permitieran acceder al aparcamiento de Sevilla. Por fin, hemos llegado a La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando... Nos esperaba una interesante exposición... Según la información suministrada por la Fundación Banco Santander (patrocinadora), "La exposición Settecento Veneziano. Del Barroco al Neoclasicismo ofrece una selección de las mejores pinturas venecianas del siglo XVIII. La pintura figurativa, el paisaje y las vedute fueron las expresiones artísticas más importantes de la Venecia del Settecento y están representadas en esta muestra. En todas las obras (52 en total) puede percibirse la tradicional riqueza cromática veneciana junto a la explosión de gracia dieciochesca y los juegos de luces y claroscuros que caracterizan a estos pintores".
Seguramente, convendría mesurar un poco las lisonjas, reproducidas gregariamente por los periódicos de tirada nacional y los medios electrónicos, pero debo reconocer que hay una docena de pinturas de asunto mitológico y "vistas" que justifican los esfuerzos por llegar allí en día tan poco propicio... y padecer las penurias de unas instalaciones que necesitan urgentemente ser remodeladas con criterios más operativos.

Maurice de Vlamink en CaixaForum Madrid

En la tradición joven de CaixaForum, se nos ofrece una exposición, en principio, muy sugerente sobre uno de los protagonistas del "fenómeno" fauve, que se limita al período 1900-1915.
Me ha parecido la exposición más pobre de la corta historia de esta institución, desde que ocupa la sede ideada por Herzog y De Meuron ; y lo digo así, porque sin conocer demasiado la obra de este peculiar personaje, que se ganó la vida como ciclista y profesor de música, me hubiera gustado ver más retratos y algunas obras que informaran sobre la evolución posterior... Para compensar las carencias, es conveniente ver el documental que proyectan continuamente en un apartado mal acondicionado para oír el sonido y leer los subtítulos si no se nos ocurre sentarnos en la primera fila o permanece de pié.
Al margen de toda valoración personal mejor o peor fundada, sería imperdonable no aprovechar la ocasión para contemplar la obra de un autor muy importante en la formación de las corrientes académicas posteriores al arraigo de las vanguardias históricas.
Para poder valorar con buenas referencias la apuesta estética de M. de vlamink conviene acudir teniendo frescas las obras de van Gogh, Cézanne y lo realizado por Picasso y Matisse antes de 1915.

Fallas

Algunos hablan del "arte efímero" por excelencia... Forzando las claves morfológicas, son conjuntos escultóricos concebidos para cumplir un ciclo social muy limitado, que comprende la integración en un rito festivo complejo, dentro del cual deben ser exhibidas para solaz de la población y, por fin, quemadas para cerrar un ciclo y abrir otro, en las proximidades del equinoccio de marzo. La mayoría son de concepción mediocre, quintaesencia de una cultura popular, orientada hacia la parodia y la broma de dudoso gusto , con formas que basculan entre lo puramente naif y las estilizaciones manidad reiteradas hasta la saciedad, entre las que prevalece la obsesión por explotar los rasgos infantiles. Pero de vez en cuando aparecen obras que se acercan a la excepcionalidad, a lo sorprendente, lo que deberíamos calificar como "artístico" si no mediaran las servidumbres sociológicas que clasifican los objetos según parámetros "periféricos". Integran referencias metafóricas de cierta complejidad, son atractivas, ofrecen propuestas reflexivas de cierta complejidad, nos hacen preguntarnos sobre nuestra naturaleza y sobre el mundo que nos rodea...
Pero, obviamente, una falla no puede tener entidad "estética" relevante más que como "artesanía", sencillamente, porque es un falla y "todo el mundo sabe" que las fallas son "objetos artesanos"... Además, están concebidas para arder y en ello está implícita una cualidad contradictoria con la "naturaleza artística", tal y como hoy la concebimos, obsesionados con la perdurabilidad, incluso aunque ello suponga ultraje a sus propias naturalezas materiales...
Como diría Roy Batty, he visto disfrutar a la gente alrededor de las más meritorias con actitudes afines a las que podrían tener entre las obras de Rodin... Las diferencias: el tipo de personas, mucho menos atildadas por las calles valencianas... No, no me he vuelto loco por forzar una comparación tan irreverente; pero se me ha ocurrido la "relación" al imaginar lo difícil que es en la actualidad encontrar un escultor con tanto éxito social como los maestros falleros...
¿Y Ron Mueck?... ¡Qué tontería!

El monasterio cisterciense de Tulebras

Este fin de semana "tocaba" dar una vuelta por tierras navarras y en el programa estaba previsto hacer una parada breve en un monasterio cisterciense... Queda poco del antiguo edificio, realmente poco, aunque las instalaciones que se ofrecen al visitante, incluida la hostería, son de pulcritud excepcional.
Lo mejor: un museo con una interesante colección de pinturas, la repostería y, sobre todo, la religiosa que explica las bondades del monasterio al viajero deseoso de vivir experiencias estéticas singulares. Es una mujer de edad incierta -es difícil deducir la edad de las religiosas-; tiene el perfil de Petrarca y una locuacidad "feminista" excepcional y sorprendente para quien se reconoce "católica" en el más estricto sentido del término. Jamás imaginé que oiría a una religiosa decir que, si Jesucristo hubiera considerado los méritos de sus seguidores, habría puesto a María Magdalena, que estaba enamorada de Él, al frente de la Iglesia... Y lo argumenta recordando a quién se manifestó en primer lugar Jesucristo cuando resucitó.
Lo más destacable: la Trinidad de Jerónimo Cósida, con modelo iconográfico obtenido fundiendo tres cabezas, próximo a los juegos perceptivos que interesaron a Picasso....

Arco2009 - Más de los mismo.

Por Carmela Alcolea

La tan traída y llevada crisis se ha adueñado de Arco 2009. A pesar que todas las miradas estaban puestas en la salud financiera del encuentro, y concentradas como estaban las galerías en pasar con nota el trago amargo de la recesión, encontramos crisis de innovación, crisis de nuevos modos y estilos, crisis de valor y hasta de valores, la recesión de la imaginación y una año más, más de lo mismo. Exigirle a la economía, la real y la virtual, la ficticia y la de todos los días, un elevado grado de riesgo, no es adecuado, pero hacerlo con el arte en un evento de vanguardia, parece más que justificado, hasta en los tiempos que corren. Sin embargo, la exigencia tiene un resultado nulo, y volvemos a contemplar elementos caducados de años anteriores, excesivamente vistos, acusadamente banales, desinflados, flacos, denostados de modernidad acuciada por la necesidad imperiosa de hacer caja.

A la luz de lo visto, o por así decirlo, visto lo visto, debemos catalogar la feria como mucha repetición, falta de originalidad haciéndonos contemplar obras basadas en temáticas parecidas, escandalosamente parecidas a las provocaciones de años anteriores. Tanto fue la provocación a la fuente, que terminó dejando de provocar; cuando algo despierta nuestra atención con su punto de atrevimiento, bien por “morbo” o “repugnancia”, no nos plantearnos nada más, sumiéndonos en el impacto que esto nos causa; así y todo, nos sirve. Lo perverso es cuando, conocido el riesgo de la saturación, por la repetición del estímulo, lo trasgresor se desvanece y se convierte en un simple y llano indicio de aburrimiento. El resultado final son obras con poca calidad y sin ningún tipo de atractivo, atrevimiento o motivación, dada la abundancia de artistas que tocan el mismo tema, provocando sin duda un preocupante grado de insensibilización.

Por qué no decir que se echa en falta alguna instalación de gran tamaño, cuando la calidad no aparece, la cantidad importa, por ejemplo la obra de Bill Viola casi pasaba desapercibida, escondida a pesar de su interesante ritmo. La escultura, quizá una forma desconocida de hacer arte, apenas ha tenido cabida en la feria; Cristina Iglesias, George Pineda, Juan Muñoz, Mar Solís…..y poco más.

Tratando de no demoler la expresión en su conjunto, destacaría la investigación que se está realizando dentro del campo de la fotografía, con nuevos materiales. Destaco la obra de Dario Urzay sobre aluminio.

En fin, otro Arco, esta vez el de 2009.

Penuria arqueológica y potencial turístico

Este fin de semana nos hemos dado una vuelta por dos yacimientos arqueológicos (Ercávica y Recópolis) de esos que se mantienen en estudio gracias al empuje y la buena voluntad de los jóvenes arqueólogos, dispuestos a trabajar por becas y salarios de caridad...
"Ercávica" está en los alrededores del pantano de Entrepeñas y Buendía, y se llega a él desde Cañaveruelas, recorriendo un camino de tierra sembrado de baches peligrosos para la integridad del vehículo. Nos recibe un guarda de un empresa de "interposición", que se refugia en una caseta cosntruida con bloques de cemento...

-En verano suele acudir más gente... -nos dice- Es una lástima el estado del camino...
Como es habitual en estos lugares, es necesario dejar el coche en un aparcamiento mal acondicionado, al pié del yacimiento, para desde allí iniciar una peregrinación cuesta arriba, que castiga la curiosidad. Al final del camino nos esperan las cuadrículas irregulares que la intuición de los arqueólogos ha distribuido por el despoblado para ofrecernos restos de la vieja ciudad, entre los que destacan algunas áreas de cierta amplitud (foro, casas) y dos o tres piezas de poca relevancia estética...

Da pena ver como las zonas excavadas hace años van deteriorándose por la acción de las fuerzas naturales...

Valorando con criterio estético, lo que se conserva no es gran cosa, ciertamente. Lo más interesante: la panorámica del pantano con los restos de un pueblo (La Isabela) sacrificado a los kilowatios.

La segunda etapa era "Recópolis", en el término municipal de Zorita de los Canes, población conocida porque también posee una central nuclear...
En este caso, se llega al yacimiento mediante una carretera de buen firme; algo es algo. Es obligado dejar el automóvil en los alrededores de un "Centro de interpretación", compuesto por un pequeño museo, una tienda y dos o tres dependencias más... Nos cobran 4 € por verlo y la persona que nos atiende nos explica que dicha entrada da derecho a visitar el yacimiento... Poco después comprobaríamos que no existe control de acceso alguno...

El museo es como casi todos los arqueológicos modernos, un centro concebido con la pretensión de insuflar sabiduría a los visitantes...

La situación del yacimiento no difiere del anterior, con cualidades derivadas de la entidad de los restos, entre los que destaca una iglesia desmochada y los "recuerdos" de la fortaleza islámica, apenas definida por el arranque de los muros y los pilares.
Coincidimos con media docena de personas de inquietudes comparables a las nuestras... acaso también profesionales de "la cosa cultural".

Y de regreso, recordando el abandono de tantos y tantos yacimientos comparables a éstos, nos preguntamos cuántos años deberán transcurrir hasta que a alguien con capacidad política suficiente se le ocurra que, en momentos de crisis, los yacimientos arqueológicos que pueblan nuestra geografía podrían ser un buen destino inversor para, cuando menos, acrecentar las posibilidades turísticas españolas... Porque poder y conocimiento son entes incompatibles y otros argumentos serían estériles.