viernes, 15 de noviembre de 2013
miércoles, 13 de noviembre de 2013
De Freud al globo con forma de perro...
Según informan los medios...
"Las expectativas eran altas, el precio estimado era un máximo de 85 millones de dólares (63 millones de euros), y sin embargo el precio final por el que se subastó el tríptico Tres estudios de Lucien Freud de Francis Bacon de 1969 fue muy superior: casi 142 millones y medio de dólares (105,8 millones de euros), un nuevo récord que volvió a confirmar la fuerza del mercado del arte contemporáneo. La obra está compuesta por tres lienzos que originalmente fueron vendidos por separado y un coleccionista italiano pasó 20 años tratando de reunirlos. Ha sido adquirida por el galerista William Acquavella en nombre de un cliente extranjero cuya identidad permanece hasta ahora desconocida.
La venta del martes por la noche vuelve a rebasar el récord de cotización de Bacon, que en mayo 2008, en una subasta de Sotheby’s, quedó establecido en los 64 millones de euros que el oligarca ruso Roman Abramovich pagó por otro tríptico de 1976. El retrato en tres partes de Freud se ha convertido en el cuadro más caro jamás subastado, título que hasta este martes ostentaba la obra de Munch, El grito, vendida en mayo de 2012 en Nueva York por casi 120 millones de dólares (89,2 millones de euros).
El otro gran protagonista de la noche fue Jeff Koons, cuya escultura Balloon dog (Orange) fue subastada por 58.405.000 dólares, superando las previsiones más optimistas que situaban su precio entre 35 y 55 millones. “Es un símbolo, como el caballo de Troya, tiene algo mítico”, declaró el propio Koons. Su pieza es desde el martes la obra más cara subastada de un artista vivo. La escultura hasta ahora formaba parte de la colección de Peter Bandt, magnate de la prensa, que aseguró que el dinero de la venta lo dedicará a su fundación de estudio de arte en Connecticut."
Bananas, bananas y más bananas
Si guarrear las costas con chapapote no es "ilegal", ¿qué responsabilidad puede corresponder a quienes se desentienden de la recogida de basuras?
Información
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| imagen tomada de gatameow |
Matt Mullican en el Reina Sofía
Por Eva
El pasado martes, doce de noviembre, Matt Mullican acudió al Reina Sofía para, según el museo, dar una "conferencia performativa".
Matt Mullican es un artista americano cuyo trabajo tiene que ver con los sistemas de conocimiento, es decir, el lenguaje y la significación. También trabaja con la relación entre la percepción y la realidad, entre la capacidad de ver algo y la capacidad de representarla. Utiliza una gran diversidad de formatos, como performances, dibujos, pinturas, banderolas, tapices, etc. para presentar una reflexión basada en una visión del mundo que se resiste a la aparente diseminación de los medios.
La gran mayoría de los asistentes pensábamos que, con tal definición por parte del museo, Mullican haría su performance, pero al final, el evento se quedó en conferencia, sin más. Primero nos explicó la raíz de sus intervenciones, cosas que él soñaba e imaginaba; nos expuso mediante diapositivas varias de sus exposiciones y obras que había realizado a lo largo de su vida y, por último, nos puso un vídeo de una performance que hizo bajo hipnosis en Zürich en 2004, la cual pensábamos que realizaría en esta conferencia “performativa”. Salimos un tanto decepcionados ya que íbamos con la idea de ver un caso real de hipnosis. Por eso, al llegar a la entrada en grupo, el guardia de seguridad se sorprendió y nos preguntó más de una vez que si íbamos todos a ver a Matt Mullican o queríamos ver el museo, y ya vemos el porque de su sorpresa frente a tanto público. ¿Por qué el Reina Sofía promociona la ponencia como “performativa” cuando de performance no tuvo nada? Una vez más, publicidad engañosa por parte de este museo.
Dejando a un lado lo que pensábamos que sería y no fue, la conferencia en varias ocasiones estuvo interesante, aunque de vez en cuando se oían ronquidos por la zona de atrás. Mullican nos explicaba cómo nos veía al público cuando se subía al escenario. Él, cuando nos mira, no nos ve a nosotros como tal, ve la luz que se refleja en nosotros. Con ello, objetualiza todo lo que ve, todo son patrones de color y así estos objetos (nosotros) no le pueden herir. Su obra intenta mostrar cómo no hay diferencia entre el objeto y el sujeto, ¿el ser humano es un objeto o un sujeto?, ¿y un cadáver? Mostraba infinidad de dibujos que realizaba, recortes de cómics y fotografías, de mundos inventados y creados a partir de imágenes. Nos explicó que hace hipnosis para poder ver esas imágenes en otro estado mental. Antes usaba a voluntarios para la hipnosis, pero el público se quejaba de que jugase así con los sentimientos de otras personas, pues la hipnosis no es algo que se pueda tratar a la ligera, y por eso ahora sólo él se sume al trance. Para finalizar, habló un poco sobre cómo el arte se está convirtiendo en un teatro, y lanzó una fuerte crítica sobre Marina Abramovic, diciendo que ella estaba haciendo todo lo posible por convertir el arte y la performance en un teatro. Y ahí dejo la cuestión, ¿el arte performance de hoy en día, se está convirtiendo en un teatro y perdiendo sus características principales que le dan tal definición? Que cada uno saque sus propias conclusiones.
El pasado martes, doce de noviembre, Matt Mullican acudió al Reina Sofía para, según el museo, dar una "conferencia performativa".
Matt Mullican es un artista americano cuyo trabajo tiene que ver con los sistemas de conocimiento, es decir, el lenguaje y la significación. También trabaja con la relación entre la percepción y la realidad, entre la capacidad de ver algo y la capacidad de representarla. Utiliza una gran diversidad de formatos, como performances, dibujos, pinturas, banderolas, tapices, etc. para presentar una reflexión basada en una visión del mundo que se resiste a la aparente diseminación de los medios.
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| Imagen Diario Fuerza |
Dejando a un lado lo que pensábamos que sería y no fue, la conferencia en varias ocasiones estuvo interesante, aunque de vez en cuando se oían ronquidos por la zona de atrás. Mullican nos explicaba cómo nos veía al público cuando se subía al escenario. Él, cuando nos mira, no nos ve a nosotros como tal, ve la luz que se refleja en nosotros. Con ello, objetualiza todo lo que ve, todo son patrones de color y así estos objetos (nosotros) no le pueden herir. Su obra intenta mostrar cómo no hay diferencia entre el objeto y el sujeto, ¿el ser humano es un objeto o un sujeto?, ¿y un cadáver? Mostraba infinidad de dibujos que realizaba, recortes de cómics y fotografías, de mundos inventados y creados a partir de imágenes. Nos explicó que hace hipnosis para poder ver esas imágenes en otro estado mental. Antes usaba a voluntarios para la hipnosis, pero el público se quejaba de que jugase así con los sentimientos de otras personas, pues la hipnosis no es algo que se pueda tratar a la ligera, y por eso ahora sólo él se sume al trance. Para finalizar, habló un poco sobre cómo el arte se está convirtiendo en un teatro, y lanzó una fuerte crítica sobre Marina Abramovic, diciendo que ella estaba haciendo todo lo posible por convertir el arte y la performance en un teatro. Y ahí dejo la cuestión, ¿el arte performance de hoy en día, se está convirtiendo en un teatro y perdiendo sus características principales que le dan tal definición? Que cada uno saque sus propias conclusiones.
Sobre el "arte degenerado"
Por Peve
Ante el artículo publicado recientemente en BBCMundo, por un momento me he sentido desconcertada, puesto que estoy de acuerdo con algunos aspectos de los planteamientos estéticos de Hitler. Párrafos como éste, no me parecen del todo desacertados:
"No obstante, Petropoulos señala que para algunos, haber sido vetados por los nazis tuvo un aspecto positivo. "La obra artística se volvió más atractiva en el extranjero, ciertamente en los círculos antinazis cobró valor. Además, pienso que en el largo plazo fue bueno para el arte moderno haber sido visto como algo que los nazis detestaban y odiaban".
Pero creo que aquí se juntan varios temas. En primer lugar, Hitler estaba enfadado y entrar a criticar la obra de un artista es algo complejo. Sin quererlo te metes en un terreno muy personal y sabiendo cómo era este “señor”, por llamarle algo, al intentar acceder a la Academia de arte y no ser aceptado en varias ocasiones, odio y rencor seria lo mínimo que sentiría. Contemplando su obra se puede decir que claramente se esforzaba por alcanzar un cierto grado de perfeccionismo. Por otra parte, si entramos en una alta valoración del academicismo, muchas veces nos olvidamos de la esencia de las cosas por el mero hecho de copiar la realidad y creo que está en un artista (plástico) el interpretar y hacer suyo lo que se da a su alrededor sin tener la obligación de dar unos resultados fotográficos.
Claro que si tienes técnica es porque dedicas tiempo y ganas para llegar a un objetivo determinado, el realismo, y si eres más expresivo, todo fluye de una manera natural porque únicamente eres tú, el soporte y lo que quiera salir en ese momento.
¡Qué complicada es la lucha del genio contra el técnico! Creo que la única conclusión a la que puedo llegar en cuanto al arte moderno es dar valor al contexto; el alejamiento de unas imposiciones preestablecidas, ya no solo en el planteamiento artístico sino en lo social y político, lo que les lleva a un desprecio hacia todo lo ya hecho anteriormente. Por lo demás, personalmente me atraen más otro tipo de expresiones que las que se dan en el arte moderno, pero creo que nunca llegaría al punto de infravalorar a estos artistas, sus motivos tendrían.
Ante el artículo publicado recientemente en BBCMundo, por un momento me he sentido desconcertada, puesto que estoy de acuerdo con algunos aspectos de los planteamientos estéticos de Hitler. Párrafos como éste, no me parecen del todo desacertados:
"No obstante, Petropoulos señala que para algunos, haber sido vetados por los nazis tuvo un aspecto positivo. "La obra artística se volvió más atractiva en el extranjero, ciertamente en los círculos antinazis cobró valor. Además, pienso que en el largo plazo fue bueno para el arte moderno haber sido visto como algo que los nazis detestaban y odiaban".
Pero creo que aquí se juntan varios temas. En primer lugar, Hitler estaba enfadado y entrar a criticar la obra de un artista es algo complejo. Sin quererlo te metes en un terreno muy personal y sabiendo cómo era este “señor”, por llamarle algo, al intentar acceder a la Academia de arte y no ser aceptado en varias ocasiones, odio y rencor seria lo mínimo que sentiría. Contemplando su obra se puede decir que claramente se esforzaba por alcanzar un cierto grado de perfeccionismo. Por otra parte, si entramos en una alta valoración del academicismo, muchas veces nos olvidamos de la esencia de las cosas por el mero hecho de copiar la realidad y creo que está en un artista (plástico) el interpretar y hacer suyo lo que se da a su alrededor sin tener la obligación de dar unos resultados fotográficos.
Claro que si tienes técnica es porque dedicas tiempo y ganas para llegar a un objetivo determinado, el realismo, y si eres más expresivo, todo fluye de una manera natural porque únicamente eres tú, el soporte y lo que quiera salir en ese momento.
¡Qué complicada es la lucha del genio contra el técnico! Creo que la única conclusión a la que puedo llegar en cuanto al arte moderno es dar valor al contexto; el alejamiento de unas imposiciones preestablecidas, ya no solo en el planteamiento artístico sino en lo social y político, lo que les lleva a un desprecio hacia todo lo ya hecho anteriormente. Por lo demás, personalmente me atraen más otro tipo de expresiones que las que se dan en el arte moderno, pero creo que nunca llegaría al punto de infravalorar a estos artistas, sus motivos tendrían.
¿Es el videojuego un arte por estar en un lienzo?
Por Eva
La idea de Brent Watanabe, padre de la criatura, es muy sencilla: crear un juego infinito que intente recrear en esos tres espacios los conceptos de infierno, purgatorio y cielo. Eso sí, dejando un poco de lado las referencias espirituales y religiosas.
De este modo, se nos queda un simpático plataformas que combina los lienzos pintados con la proyección de los diferentes personajes, enemigos y puntuaciones. En el vídeo podéis verlo en movimiento para comprobar que la propuesta es bastante surrealista.
El acercamiento a crear un vídeojuego artístico es bastante directa ya que no va tanto a explorar las emociones sino que se centra más en lo plástico. En meter el vídeojuego dentro de un formato que originalmente le ha pertenecido al arte clásico, así como las galerías destinadas a su exhibición.
La instalación se encuentra en Kittredge Gallery, en el estado de Washington, Estados Unidos.
Fuente
La idea de Brent Watanabe, padre de la criatura, es muy sencilla: crear un juego infinito que intente recrear en esos tres espacios los conceptos de infierno, purgatorio y cielo. Eso sí, dejando un poco de lado las referencias espirituales y religiosas.
De este modo, se nos queda un simpático plataformas que combina los lienzos pintados con la proyección de los diferentes personajes, enemigos y puntuaciones. En el vídeo podéis verlo en movimiento para comprobar que la propuesta es bastante surrealista.
El acercamiento a crear un vídeojuego artístico es bastante directa ya que no va tanto a explorar las emociones sino que se centra más en lo plástico. En meter el vídeojuego dentro de un formato que originalmente le ha pertenecido al arte clásico, así como las galerías destinadas a su exhibición.
La instalación se encuentra en Kittredge Gallery, en el estado de Washington, Estados Unidos.
Fuente
martes, 12 de noviembre de 2013
Masculino, femenino
Por Lobu
La oferta expositiva de los principales museos neoyorquinos para este otoño ha suscitado el debate por destacar en sus actividades principalmente a artistas masculinos, Magritte en el MoMA, Chris Burden en el New Museum, Robert Indiana en el Whitney, entre otros. El arquetipo de artista elegido, barón blanco, ha suscitado el recelo de la critica Deborah Solomon, quién declaró en una entrevista en el WNYC, que "esta es una temporada de arte que podría hacer pensar que el movimiento feminista nunca sucedió". Una llamada de atención a los comisarios de exposiciones neoyorquinos, de quienes se puede entender una postura "represora" de la raza y el género del artista, que Solomon aprovecha para abrir un controvertido debate: "¿Deben los museos de Nueva York dar el mismo tiempo y el mismo espacio para las mujeres artista?"
Esta pregunta que se nos lanza abre una lista de nuevas cuestiones, comenzando por el hecho de que, si se les exige a los museos que incluyan ininterrumpidamente artistas femeninas en su repertorio expositivo, esta petición debería extrapolarse también a artistas raciales.
Con esto también se podría intuir una desvalorización de la calidad artística, pues se sugiere que la personalidad del artista pueda tener supremacía sobre la calidad de su obra. Entiendo que, si llevamos las exigencias feministas a términos artísticos, se reivindica que su arte se valore por su calidad innata y no por el hecho de ser mujer. Por ello si se pretende que se controle el arte según el género del artísta, esto atacaría directamente a sus reivindicaciones de una valoración igualitaria.
Además, teniendo en cuenta que las exposiciones contra las que se arremete están orientadas hacía el panorama artístico en el s. XX, resulta imposible descontextualizarlas e ignorar el hecho de que, durante esa época, había un dominio del artista masculino. Guste o no, es historia, e intentar ocultarla sería la real acometida contra los adelantos feministas que se intentan defender.
Si se deja a parte el aspecto más superficial de este debate, lo que realmente llama la atención es el hecho de que el género del artista suponga esta gran diferenciación de interés periodístico. Si lo que se busca es una mayor integración de artistas femeninas, y raciales, lo que se debería hacer sería promocionar exposiciones como la retrospectiva de Isa Genzken, que próximamente realizará el MoMA, o la oportunidad que brinda el Instituto de Arte de Chicago al exponer obra de Artemisa Gentileschi, entre otras muchas ofertas expositivas, en vez de reaccionar contra Balthus o Magritte.
La oferta expositiva de los principales museos neoyorquinos para este otoño ha suscitado el debate por destacar en sus actividades principalmente a artistas masculinos, Magritte en el MoMA, Chris Burden en el New Museum, Robert Indiana en el Whitney, entre otros. El arquetipo de artista elegido, barón blanco, ha suscitado el recelo de la critica Deborah Solomon, quién declaró en una entrevista en el WNYC, que "esta es una temporada de arte que podría hacer pensar que el movimiento feminista nunca sucedió". Una llamada de atención a los comisarios de exposiciones neoyorquinos, de quienes se puede entender una postura "represora" de la raza y el género del artista, que Solomon aprovecha para abrir un controvertido debate: "¿Deben los museos de Nueva York dar el mismo tiempo y el mismo espacio para las mujeres artista?"
Esta pregunta que se nos lanza abre una lista de nuevas cuestiones, comenzando por el hecho de que, si se les exige a los museos que incluyan ininterrumpidamente artistas femeninas en su repertorio expositivo, esta petición debería extrapolarse también a artistas raciales.
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| Isa Genzken, Empire / Vampire I , 2003 (ARTnews) |
Además, teniendo en cuenta que las exposiciones contra las que se arremete están orientadas hacía el panorama artístico en el s. XX, resulta imposible descontextualizarlas e ignorar el hecho de que, durante esa época, había un dominio del artista masculino. Guste o no, es historia, e intentar ocultarla sería la real acometida contra los adelantos feministas que se intentan defender.
Si se deja a parte el aspecto más superficial de este debate, lo que realmente llama la atención es el hecho de que el género del artista suponga esta gran diferenciación de interés periodístico. Si lo que se busca es una mayor integración de artistas femeninas, y raciales, lo que se debería hacer sería promocionar exposiciones como la retrospectiva de Isa Genzken, que próximamente realizará el MoMA, o la oportunidad que brinda el Instituto de Arte de Chicago al exponer obra de Artemisa Gentileschi, entre otras muchas ofertas expositivas, en vez de reaccionar contra Balthus o Magritte.
Frieze Fair, 2013
Por Moya
El pasado mes de octubre tuvo lugar la Frieze Fair, en el Regent's Park de la capital británica. Esta feria, fruto del ingenio de Matthew Slotover y Amanda Sharpe, editores de la revista de arte británica Frieze, ha marcado desde su inicio en 2003 un hito dentro del panorama artístico londinense, presentando ya en la primera edición más de mil artistas, entre ellos algunos de tanta importancia como Tracey Emin, Takashi Murakami, Damien Hirst, Maurizio Cattelan, Sarah Lucas o Gerhard Richter.
Desde entonces, es una fenómeno casi a nivel de la Art Basel de Miami o Suiza, que muestra la importancia que ha ido ganando Londres como capital del arte, llegando a convertirse en una seria competidora del otro centro contemporáneo desde la posguerra, Nueva York, donde también tiene lugar esta feria. Señas de ello son el boom de los YBA (Young British Artists) desde los ochenta y su trascendencia en los artistas más recientes, que deja a la vista que la producción artística, no tiene nada que envidiar a la americana, y sobre todo, la llegada en la última década de magnates rusos, jeques árabes, y nuevos ricos chinos a la capital han marcado, junto con sus riquezas, el nuevo epicentro del mercado del arte mundial. Por lo tanto, en las dos últimas décadas, se establece un diálogo entre EE.UU, Reino Unido, y más recientemente China (acaparando casi un 41% en 2012) en el que se reparten casi 43.000 millones de euros en 2012*, de los cuales casi 5.000 millones se quedan en las subastas de las capitales occidentales, según las pesquisas realizadas por Artprice.
Volviendo a Frieze, cabe destacar hasta que nivel ha llegado el arte contemporáneo, llegando a excentricidades del estilo de poner dos “gorilas” protegiendo las esculturas de estilo neopop y kitch del artista neoyorquino Jeff Koons, representante de la gran Gagosian Gallery, o para los aficionados al panorama español, la aparición de solo tres galerías nacionales, dos de ellas las madrileñas Maisterravalbuena y Juana de Aizupuru. entre las más de 140 galerías presentadas, dejando en los últimos puestos de la tabla la importancia de España en el mercado internacional.
El pasado mes de octubre tuvo lugar la Frieze Fair, en el Regent's Park de la capital británica. Esta feria, fruto del ingenio de Matthew Slotover y Amanda Sharpe, editores de la revista de arte británica Frieze, ha marcado desde su inicio en 2003 un hito dentro del panorama artístico londinense, presentando ya en la primera edición más de mil artistas, entre ellos algunos de tanta importancia como Tracey Emin, Takashi Murakami, Damien Hirst, Maurizio Cattelan, Sarah Lucas o Gerhard Richter.
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| EFE |
Volviendo a Frieze, cabe destacar hasta que nivel ha llegado el arte contemporáneo, llegando a excentricidades del estilo de poner dos “gorilas” protegiendo las esculturas de estilo neopop y kitch del artista neoyorquino Jeff Koons, representante de la gran Gagosian Gallery, o para los aficionados al panorama español, la aparición de solo tres galerías nacionales, dos de ellas las madrileñas Maisterravalbuena y Juana de Aizupuru. entre las más de 140 galerías presentadas, dejando en los últimos puestos de la tabla la importancia de España en el mercado internacional.
Piotr Pavienski
Por Sarapa
El artista ruso Piotr Pavlenski vuelve a ser noticia tras una nueva protesta contra el gobierno de Putin. Coincidiendo con el Día de la Policía en Rusia, Pavlenski clavó sus testículos a los adoquines de la Plaza Roja de Moscú y permaneció así durante una hora y media hasta que fue hospitalizado.
Según publica la noticia, hora y media después de iniciarse, el artista fue trasladado a un hospital de la capital rusa, aunque una fuente de las fuerzas de seguridad ya adelantó a la agencia oficialista RIA-Nóvosti que tras recibir tratamiento será detenido por la policía. Un agente calificó la acción del pintor como algo "normal para un enfermo psíquico".
Quizás sea más importante dejar nuestro juicio sobre el estado mental de Pavlenski a un lado y preguntarnos, sin embargo, qué lleva a una persona a realizar tales acciones dañinas para sí mismo, cómo tiene que ser la situación para que un individuo llegue hasta esos extremos por defender sus ideales y sacrificarse por intentar un cambio. Es una forma de protesta extrema, pero autoagresión hay todos los días, de muchos tipos y gratuita. Y me parece más legítimo hacerlo en nombre de tu libertad que por ejemplo la que vemos cada Semana Santa en Filipinas, y esa no crea tanta controversia.
Este tipo de actos siempre crean polémicas. Pero lo cierto es que sólo acciones como estas consiguen llamar de verdad nuestra atención.
El artista ruso Piotr Pavlenski vuelve a ser noticia tras una nueva protesta contra el gobierno de Putin. Coincidiendo con el Día de la Policía en Rusia, Pavlenski clavó sus testículos a los adoquines de la Plaza Roja de Moscú y permaneció así durante una hora y media hasta que fue hospitalizado.
Según publica la noticia, hora y media después de iniciarse, el artista fue trasladado a un hospital de la capital rusa, aunque una fuente de las fuerzas de seguridad ya adelantó a la agencia oficialista RIA-Nóvosti que tras recibir tratamiento será detenido por la policía. Un agente calificó la acción del pintor como algo "normal para un enfermo psíquico".
Quizás sea más importante dejar nuestro juicio sobre el estado mental de Pavlenski a un lado y preguntarnos, sin embargo, qué lleva a una persona a realizar tales acciones dañinas para sí mismo, cómo tiene que ser la situación para que un individuo llegue hasta esos extremos por defender sus ideales y sacrificarse por intentar un cambio. Es una forma de protesta extrema, pero autoagresión hay todos los días, de muchos tipos y gratuita. Y me parece más legítimo hacerlo en nombre de tu libertad que por ejemplo la que vemos cada Semana Santa en Filipinas, y esa no crea tanta controversia.
Este tipo de actos siempre crean polémicas. Pero lo cierto es que sólo acciones como estas consiguen llamar de verdad nuestra atención.
lunes, 11 de noviembre de 2013
Las cuentas del MNCARS
Según informa revistadearte, el MNCARS sólo recauda por taquilla el 6 % del presupuesto; la parte más gruesa de los 35 millones asignados para 2012 procede de las transferencias del Estado (el 88 %); los patrocinios de entidades públicas y privadas representan el 4 % y los ingresos por alquiler y utilización de espacios apenas llegan al 1 %.
Me ha hecho gracia el comentario final de "la noticia":
" (...) En estas circunstancia cabe señalar que la política del director del Reina Sofia Manuel Borja-Villel a lo largo de este ejercicio 2013, apoyado por el Presidente de la Fundación, Guillermo de la Dehesa, ha sido atraer al Reina Sofía, como patronos o miembros de sus fundaciones a lo más granado de los empresarios y fortunas, tanto españolas como iberoamericanas."
Teniendo en cuenta la poca relevancia de las aportaciones de los visitantes, es "natural" y hasta "comprensible" una voluntad tan sensata.
Cuentas del MNCARS
Me ha hecho gracia el comentario final de "la noticia":
" (...) En estas circunstancia cabe señalar que la política del director del Reina Sofia Manuel Borja-Villel a lo largo de este ejercicio 2013, apoyado por el Presidente de la Fundación, Guillermo de la Dehesa, ha sido atraer al Reina Sofía, como patronos o miembros de sus fundaciones a lo más granado de los empresarios y fortunas, tanto españolas como iberoamericanas."
Teniendo en cuenta la poca relevancia de las aportaciones de los visitantes, es "natural" y hasta "comprensible" una voluntad tan sensata.
Cuentas del MNCARS
Óscar Murillo
Por Nerza
Óscar Murillo es un artista colombiano, que sorprende por su edad, y por su espontaneidad, en Colombia le comparan con Basquiat, solo lleva 6 años en el mundo del arte y ya no pasa desapercibido, sino es apreciado y apoyado por grandes galeristas en Europa y Estados Unidos como son: Carlos/Ishikawa en Londres y Zach Feuer Gallery, en New York, entre otros, pero sobre todo es apoyado por el segundo galerista más importante en este momento en el mundo, David Zwirner. ¿Quien puede explicar un fenómeno como este? Personalmente me cuesta entenderlo, pero apuesto por artistas como estos pues son la voz del arte actual.
Fuentes:
http://www.davidzwirner.com/artists/oscar-murillo/
http://www.eltiempo.com/entretenimiento/arte/ARTICULO-WEB-NEW_NOTA_INTERIOR-12716987.html
Óscar Murillo es un artista colombiano, que sorprende por su edad, y por su espontaneidad, en Colombia le comparan con Basquiat, solo lleva 6 años en el mundo del arte y ya no pasa desapercibido, sino es apreciado y apoyado por grandes galeristas en Europa y Estados Unidos como son: Carlos/Ishikawa en Londres y Zach Feuer Gallery, en New York, entre otros, pero sobre todo es apoyado por el segundo galerista más importante en este momento en el mundo, David Zwirner. ¿Quien puede explicar un fenómeno como este? Personalmente me cuesta entenderlo, pero apuesto por artistas como estos pues son la voz del arte actual.
Fuentes:
http://www.davidzwirner.com/artists/oscar-murillo/
http://www.eltiempo.com/entretenimiento/arte/ARTICULO-WEB-NEW_NOTA_INTERIOR-12716987.html
Anthony Howe
Por Eva
Las obras de Anthony Howe casi parecen medusas metálicas que flotan en el viento. Este escultor estadounidense vive en una zona rural de Washington, donde diseña y construye estas meticulosas obras que tienen tanto de ingeniería como de arte.
Las obras de Anthony Howe casi parecen medusas metálicas que flotan en el viento. Este escultor estadounidense vive en una zona rural de Washington, donde diseña y construye estas meticulosas obras que tienen tanto de ingeniería como de arte.
El montaje final es, aunque no lo parezca, la parte más sencilla. Obras como Octo apenas llevan media hora de ensamblaje. En la web de artista y en algunos vídeos a continuación podéis ver más de estas extrañas y fascinantes esculturas. Howe trabaja sobre todo en una pantalla de ordenador, donde imagina diversas formas y las combina en estructuras que giran libremente mediante programas de diseño industrial tipo CAD. De esta forma puede ver rápida y fácilmente cómo interactúa cada engranaje con el resto al moverse. Cuando ha llegado a una forma que le gusta, el artista envía el archivo a una máquina automática que corta las piezas en acero inoxidable. Después curva cada pieza una por una.
domingo, 10 de noviembre de 2013
“Cruces y desvíos”
Por Erc
“El museo en futuro. Cruces y desvíos” es el título bajo el que se ha celebrado a lo largo de los pasados días 6, 7 y 8 de noviembre el encuentro de la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España, ADACE, en el Museo Reina Sofía y La Casa Encendida. Ha constituido éste un foro de reflexión y de debate, con cruces de opiniones y también ciertos desvíos de algún que otro ponente para tratar de bordear temas especialmente polémicos en torno a la situación que el museo atraviesa en estos momentos en España.
En la conferencia introductoria del encuentro, Yolanda Romero, miembro de la actual Junta Directiva, tocaba ya algunos de los temas constantemente repetidos a lo largo del encuentro e insistía en resaltar como objetivos de la ADECE la lucha por unas mayores dotaciones presupuestarias, por unas instituciones culturales independientes de los vaivenes políticos, con mayor autonomía y menor dependencia de las estadísticas de visitantes y con una elección limpia de sus directores.
Me gustaría ahora resaltar algunas de las intervenciones más significativas o que mejor ilustran el panorama actual, dentro de las que han tenido lugar en el Reina Sofía, y que son las que he presenciado de primera mano. En primer lugar me resultó interesante la perspectiva que nos ofrecía José Luis Pardo, Catedrático de Filosofía en la Universidad Complutense de Madrid, en su conferencia “El porvenir de una ilusión. El destino de la cultura y el ocaso de lo público”.
Muy crítico con las redes sociales, ve en ellas el camino más seguro para la "desocialización", al contrario de la idea generalizada de que constituyen herramientas de fortalecimiento de las conexiones humanas y de la comunicación. Considera también que desde finales del siglo XX la cultura ha pasado de ser un ámbito ajeno al negocio a tener un valor económico fundamental. He aquí por tanto una reflexión interesantísima, al plantearnos que si una de las características de la alta cultura es que no está sometida a la lógica comercial y empresarial, y ésta desaparece, desaparece por lo tanto también la escisión entre la alta cultura y la cultura de masas.
Señalaba asimismo cómo últimamente ha vuelto a reaparecer la sospecha de que la cultura puede ser un medio de dominación social. Cada día vuelve a plantearse la necesidad de una cambio cultural, queriéndose fomentar la cultura del emprendimiento (casi entendido como eufemismo de empresa) y buscándose el paso de la cultura de la gratuidad a la cultura de pago (“como si los impuestos no fueran de pago” —bromeaba el conferenciante). Además subrayaba lo inabarcable de la sociedad actual, a la cual lo que más podría semejarse es ese mundo global que el ciudadano no puede siquiera llegar a dilucidar.
Por otro lado, dentro de la sesión “El caso español: políticas institucionales e iniciativas artísticas y ciudadanas”, el actual Secretario de Estado de Cultura, José María Lasalle nos ofrecía uno de esos discursos plagados de promesas y buenas intenciones en los que no falta mención a Kant y al pensamiento ilustrado (como después comentaba Pardo). El primer tema en salir a colación durante su intervención fue el de la futura Ley de Mecenazgo, la cual rápidamente se recalcó que es asunto dependiente del Ministerio de Hacienda, y no del de Cultura. Evidentemente se enfatizó la dificultad especial que supone gestionar el ámbito de la cultura con la crisis como telón de fondo, pues ahora “la imaginación no es suficiente”. Se mostraba Lasalle por otra parte muy crítico con las escasas asignaciones presupuestarias que otros acuerdan desde arriba y con la subida del IVA cultural, afirmando que determinadas decisiones, “de no ser absolutamente necesarias nunca las habría tomado”.
Interesantes fueron los ejemplos concretos de los que se valió para ilustrar la mala gestión cultural imperante en los últimos años, independientemente del color político de los gobiernos. Uno de ellos lo constituye el nacimiento del Museo del Traje, por el que se apostó a pesar de que el Museo Nacional de Artes Decorativas espera desde hace mucho tiempo una nueva sede donde poder albergar su colección, la cual según el Secretario de Estado podría llegar al nivel de calidad de museos tan importantes como el Victoria & Albert Museum de Londres. En el futuro, para él, la máxima pretensión es por tanto abandonar impulsos poco planificados, intentando no repetir errores, como la proliferación indiscriminada de proyectos arquitectónicos mastodónticos por toda la geografía nacional con el único fin de atraer los focos de la noticia por parte de ayuntamientos y autonomías, que han estado respondiendo más al gusto particular y a ese afán por aparecer en la foto que a las verdaderas necesidades de sus zonas de influencia. A pesar de todo ello, encuentra en el utilitarismo que domina actualmente la cultura un peligro aún mayor que las decisiones políticas.
Por otro lado incidió en la importancia del crowdfunding o microfinancación colectiva, término repetido en muchísimas ocasiones a lo largo de las sesiones. Desde la Secretaría de Estado de Cultura se va a intentar promover “un mecenazgo transversal, que promueva al talento de un modo no jerarquizado”. Según Lasalle esto pasa por democratizar los gustos, de modo que no sólo sean determinados por una élite de expertos, y por promover las experiencias estéticas masivas (¿Se pretende acabar entonces con la diferenciación de la alta cultura y la de masas, tal y como decía José Luis Pardo?)
Con respecto a los museos, está en marcha un plan que promueva la atracción de los estratos de momento más excluidos de los mismos. Es fácil comprobar que en este momento se está dando una enorme importancia a las interrelaciones, de ahí que para Lasalle las estrategias de cooperación o que fomenten la integración social, probablemente vayan a ser las máximas beneficiarias de las escasas ayudas estatales disponibles.
Una de las intervenciones más directas y críticas, aunque estuviera velada bajo el tono humorístico del ponente, fue la de Alberto López Cuenca, profesor titular de Teoría del Arte y Filosofía en la Universidad de las Américas Puebla, presentando las conclusiones de una investigación realizada en torno al surgimiento indiscriminado de centros de arte contemporáneo en nuestro país en los últimos siete años, y que antes comentaba el Secretario de Estado. El Plan Estratégico de Cultura del Ayuntamiento de Madrid (PECAM) pretende acabar ahora con este ciclo de grandes construcciones supuestamente, pero de vez en cuando todavía vemos algún que otro proyecto sospechoso a la espera de ser construido. Y es que hasta hace muy poco la gran eclosión de espacios para el arte ha estado fuertemente ligada a la construcción urbanística. López Cuenca ponía sobre la mesa la relación existente entre la Ley de Suelo (aquella llamada “ley del todo urbanizable”) con la expansión de autovías, líneas de AVE y aeropuertos. Y es que, cómo comentaba ácidamente, en España “hay pocos aeropuertos que no tengan centros de arte”. Echando un vistazo al discurso de los máximos responsables de centros como el CA2M de Madrid o el Centro de Arte de Alcobendas, curiosamente todos estos espacios se presentan como grandes espacios de referencia, tanto en el ámbito local como estatal. Y es que existen incoherencias que hasta los políticos llegan a poner de manifiesto, como reconocía Carmen Calvo hace unos años diciendo que “la creación de infraestructuras ha ido en ocasiones por delante de la necesidad social”.
Alberto López Cuenca no encontraba el sentido a la existencia de centros que no estén ligados con la producción, es decir, que, como en el caso del CAC de Málaga, ni siquiera cuenten en la ciudad con una facultad de Bellas Artes. Sin embargo a mí personalmente me llama aún más la atención la aparente necesidad de que exista una de estas facultades en todas y cada una de las provincias españolas, cuando ni siquiera hay consenso a este respecto entre los expertos del sector a los que se pide consejo a la hora de plantearse la apertura de una nueva. Ocurre aquí lo mismo que en el ejemplo del Museo del Traje: necesitando facultades de gran tradición histórica como lo es la de Madrid de importantes mejoras y atenciones, ¿qué necesidad hay de invertir enormes sumas de dinero en la creación de centros universitarios en ciudades que realmente no poseen el tejido cultural fundamental para complementar la formación de un estudiante de Bellas Artes? Pues parece que en Badajoz tenemos otra casi en camino, y eso que según algunos políticos al fin ha llegado el momento de los contenidos, y no de los contenedores.
Desde luego, los fines de algunos proyectos continúan despertando sus dudas, no hay más que escuchar las últimas palabras de la delegada de Cultura, Manuela Gómez, en cuanto a la futura gestión del Espacio Andaluz de Creación Contemporánea de Córdoba: “El equipamiento y la adecuación del entorno están previstos en los presupuestos. Claro que sí. En cuanto al equipamiento y dirección… Eso será en una segunda fase. Pero fechas no os puedo dar”. Por supuesto, el consejero de Educación, Cultura y Deporte, Luciano Alonso, no ha tardado en declarar que “ahora se inicia la cuenta atrás para la puesta en funcionamiento de esta importante infraestructura cultural, que será un espacio único en Europa como centro de producción, investigación e exhibición de las propuestas más actuales de la creación artística contemporánea”. Sin comentarios.
“El museo en futuro. Cruces y desvíos” es el título bajo el que se ha celebrado a lo largo de los pasados días 6, 7 y 8 de noviembre el encuentro de la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España, ADACE, en el Museo Reina Sofía y La Casa Encendida. Ha constituido éste un foro de reflexión y de debate, con cruces de opiniones y también ciertos desvíos de algún que otro ponente para tratar de bordear temas especialmente polémicos en torno a la situación que el museo atraviesa en estos momentos en España.
En la conferencia introductoria del encuentro, Yolanda Romero, miembro de la actual Junta Directiva, tocaba ya algunos de los temas constantemente repetidos a lo largo del encuentro e insistía en resaltar como objetivos de la ADECE la lucha por unas mayores dotaciones presupuestarias, por unas instituciones culturales independientes de los vaivenes políticos, con mayor autonomía y menor dependencia de las estadísticas de visitantes y con una elección limpia de sus directores.
Me gustaría ahora resaltar algunas de las intervenciones más significativas o que mejor ilustran el panorama actual, dentro de las que han tenido lugar en el Reina Sofía, y que son las que he presenciado de primera mano. En primer lugar me resultó interesante la perspectiva que nos ofrecía José Luis Pardo, Catedrático de Filosofía en la Universidad Complutense de Madrid, en su conferencia “El porvenir de una ilusión. El destino de la cultura y el ocaso de lo público”.
Muy crítico con las redes sociales, ve en ellas el camino más seguro para la "desocialización", al contrario de la idea generalizada de que constituyen herramientas de fortalecimiento de las conexiones humanas y de la comunicación. Considera también que desde finales del siglo XX la cultura ha pasado de ser un ámbito ajeno al negocio a tener un valor económico fundamental. He aquí por tanto una reflexión interesantísima, al plantearnos que si una de las características de la alta cultura es que no está sometida a la lógica comercial y empresarial, y ésta desaparece, desaparece por lo tanto también la escisión entre la alta cultura y la cultura de masas.
Señalaba asimismo cómo últimamente ha vuelto a reaparecer la sospecha de que la cultura puede ser un medio de dominación social. Cada día vuelve a plantearse la necesidad de una cambio cultural, queriéndose fomentar la cultura del emprendimiento (casi entendido como eufemismo de empresa) y buscándose el paso de la cultura de la gratuidad a la cultura de pago (“como si los impuestos no fueran de pago” —bromeaba el conferenciante). Además subrayaba lo inabarcable de la sociedad actual, a la cual lo que más podría semejarse es ese mundo global que el ciudadano no puede siquiera llegar a dilucidar.
Por otro lado, dentro de la sesión “El caso español: políticas institucionales e iniciativas artísticas y ciudadanas”, el actual Secretario de Estado de Cultura, José María Lasalle nos ofrecía uno de esos discursos plagados de promesas y buenas intenciones en los que no falta mención a Kant y al pensamiento ilustrado (como después comentaba Pardo). El primer tema en salir a colación durante su intervención fue el de la futura Ley de Mecenazgo, la cual rápidamente se recalcó que es asunto dependiente del Ministerio de Hacienda, y no del de Cultura. Evidentemente se enfatizó la dificultad especial que supone gestionar el ámbito de la cultura con la crisis como telón de fondo, pues ahora “la imaginación no es suficiente”. Se mostraba Lasalle por otra parte muy crítico con las escasas asignaciones presupuestarias que otros acuerdan desde arriba y con la subida del IVA cultural, afirmando que determinadas decisiones, “de no ser absolutamente necesarias nunca las habría tomado”.
Interesantes fueron los ejemplos concretos de los que se valió para ilustrar la mala gestión cultural imperante en los últimos años, independientemente del color político de los gobiernos. Uno de ellos lo constituye el nacimiento del Museo del Traje, por el que se apostó a pesar de que el Museo Nacional de Artes Decorativas espera desde hace mucho tiempo una nueva sede donde poder albergar su colección, la cual según el Secretario de Estado podría llegar al nivel de calidad de museos tan importantes como el Victoria & Albert Museum de Londres. En el futuro, para él, la máxima pretensión es por tanto abandonar impulsos poco planificados, intentando no repetir errores, como la proliferación indiscriminada de proyectos arquitectónicos mastodónticos por toda la geografía nacional con el único fin de atraer los focos de la noticia por parte de ayuntamientos y autonomías, que han estado respondiendo más al gusto particular y a ese afán por aparecer en la foto que a las verdaderas necesidades de sus zonas de influencia. A pesar de todo ello, encuentra en el utilitarismo que domina actualmente la cultura un peligro aún mayor que las decisiones políticas.
Por otro lado incidió en la importancia del crowdfunding o microfinancación colectiva, término repetido en muchísimas ocasiones a lo largo de las sesiones. Desde la Secretaría de Estado de Cultura se va a intentar promover “un mecenazgo transversal, que promueva al talento de un modo no jerarquizado”. Según Lasalle esto pasa por democratizar los gustos, de modo que no sólo sean determinados por una élite de expertos, y por promover las experiencias estéticas masivas (¿Se pretende acabar entonces con la diferenciación de la alta cultura y la de masas, tal y como decía José Luis Pardo?)
Con respecto a los museos, está en marcha un plan que promueva la atracción de los estratos de momento más excluidos de los mismos. Es fácil comprobar que en este momento se está dando una enorme importancia a las interrelaciones, de ahí que para Lasalle las estrategias de cooperación o que fomenten la integración social, probablemente vayan a ser las máximas beneficiarias de las escasas ayudas estatales disponibles.
Una de las intervenciones más directas y críticas, aunque estuviera velada bajo el tono humorístico del ponente, fue la de Alberto López Cuenca, profesor titular de Teoría del Arte y Filosofía en la Universidad de las Américas Puebla, presentando las conclusiones de una investigación realizada en torno al surgimiento indiscriminado de centros de arte contemporáneo en nuestro país en los últimos siete años, y que antes comentaba el Secretario de Estado. El Plan Estratégico de Cultura del Ayuntamiento de Madrid (PECAM) pretende acabar ahora con este ciclo de grandes construcciones supuestamente, pero de vez en cuando todavía vemos algún que otro proyecto sospechoso a la espera de ser construido. Y es que hasta hace muy poco la gran eclosión de espacios para el arte ha estado fuertemente ligada a la construcción urbanística. López Cuenca ponía sobre la mesa la relación existente entre la Ley de Suelo (aquella llamada “ley del todo urbanizable”) con la expansión de autovías, líneas de AVE y aeropuertos. Y es que, cómo comentaba ácidamente, en España “hay pocos aeropuertos que no tengan centros de arte”. Echando un vistazo al discurso de los máximos responsables de centros como el CA2M de Madrid o el Centro de Arte de Alcobendas, curiosamente todos estos espacios se presentan como grandes espacios de referencia, tanto en el ámbito local como estatal. Y es que existen incoherencias que hasta los políticos llegan a poner de manifiesto, como reconocía Carmen Calvo hace unos años diciendo que “la creación de infraestructuras ha ido en ocasiones por delante de la necesidad social”.
Alberto López Cuenca no encontraba el sentido a la existencia de centros que no estén ligados con la producción, es decir, que, como en el caso del CAC de Málaga, ni siquiera cuenten en la ciudad con una facultad de Bellas Artes. Sin embargo a mí personalmente me llama aún más la atención la aparente necesidad de que exista una de estas facultades en todas y cada una de las provincias españolas, cuando ni siquiera hay consenso a este respecto entre los expertos del sector a los que se pide consejo a la hora de plantearse la apertura de una nueva. Ocurre aquí lo mismo que en el ejemplo del Museo del Traje: necesitando facultades de gran tradición histórica como lo es la de Madrid de importantes mejoras y atenciones, ¿qué necesidad hay de invertir enormes sumas de dinero en la creación de centros universitarios en ciudades que realmente no poseen el tejido cultural fundamental para complementar la formación de un estudiante de Bellas Artes? Pues parece que en Badajoz tenemos otra casi en camino, y eso que según algunos políticos al fin ha llegado el momento de los contenidos, y no de los contenedores.
Desde luego, los fines de algunos proyectos continúan despertando sus dudas, no hay más que escuchar las últimas palabras de la delegada de Cultura, Manuela Gómez, en cuanto a la futura gestión del Espacio Andaluz de Creación Contemporánea de Córdoba: “El equipamiento y la adecuación del entorno están previstos en los presupuestos. Claro que sí. En cuanto al equipamiento y dirección… Eso será en una segunda fase. Pero fechas no os puedo dar”. Por supuesto, el consejero de Educación, Cultura y Deporte, Luciano Alonso, no ha tardado en declarar que “ahora se inicia la cuenta atrás para la puesta en funcionamiento de esta importante infraestructura cultural, que será un espacio único en Europa como centro de producción, investigación e exhibición de las propuestas más actuales de la creación artística contemporánea”. Sin comentarios.
Por otra parte, Antonio Collados, Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Granada (2012) continuaba en la misma línea, comentando que es el momento actual un momento de “cajas vacías y plazas llenas” y aportando su visión desde más allá de las instituciones. Manifestó la dificultad de llevar a cabo proyectos fuera de los circuitos establecidos, pues al tener muchas veces un fin incierto, no se adaptan a los requerimientos de resultados seguros y brillantes que suelen exigirse a la hora de aceptar propuestas.
La representación del sector de los artistas en el encuentro recayó en Daniel García Andújar, evidentemente exponiendo un panorama ciertamente desolador para el grupo probablemente más castigado por las consecuencias de la crisis. Esgrimiendo la lista de las cien personalidades más influyentes del mundo del arte en este 2013, manifestó su preocupación por la escasez de artistas en la misma y por la ausencia total de nombres españoles, lo cual atribuye a una política cultural de escasa tradición en España. Igualmente preocupado por el tema del exceso de infraestructuras museísticas, a lo que se refirió como “miopía espectacular exhibida por doquier”, se mostró crítico también con el apoyo estatal al crowdfunding y con la proliferación de redes de comisarios, directores y galeristas que a veces olvidan que en realidad son las redes de ideas las que deben fomentarse y fortalecerse.
Por último mencionar en líneas generales las ideas que compartió con todos los presentes Boris Groys, filósofo, ensayista y crítico de arte alemán. Reveladora es su apreciación del papel que actualmente desempeñan en los museos la documentación y los proyectos curatoriales. Para él, el museo está perdiendo su función histórica de archivo, para pasar a ser un evento en sí mismo. La documentación llega a veces a estar más viva que las obras mismas, pues estas se desmaterializan, como ocurres con las performances y se convierten en mero documento. Por su parte, el espectador ya no es nunca más espectador, sino productor (desde luego, el Museo Reina Sofía con su programa Fisuras parece un caso perfecto para ejemplificar esto…) ¿Debe entonces el museo convertirse ahora en una institución de producción más que en archivo? Para Boris Groys esto presenta un problema claro: Si el visitante llega al museo y dispone, pongamos, de una hora para dedicar a una exposición y se enfrenta a una ingente cantidad de documentación, verá parte y se irá, no teniendo consecuentemente una experiencia completa. Groys, quien fue él mismo también comisario, compara además esta figura con la de un dictador, un dictador “de los sensible y lo cognitivo”, responsable en gran parte de negar la posibilidad de permanecer en la mente del espectador a la obra objetual, en favor de la documentación.
Para concluir, solo añadir que sobre el futuro al que se refiere el lema, a pesar de las ideas pesimistas o las visiones esperanzadoras expuestas, en realidad sólo podemos hacer conjeturas, porque la cuestión estará en ver cuántas de los errores del pasado de verdad dejan de repetirse y cuántos de los proyectos bienintencionados llegan finalmente a su consecución.
sábado, 9 de noviembre de 2013
Albert Bottle
Por Javier R
Un compañero me pasa esta noticia de El País sobre el edil más mediático de la capital:
El Ayuntamiento de Madrid ordenó el pasado jueves retirar una imagen de la alcaldesa, Ana Botella (PP), de una exposición en el centro municipal Matadero por considerarla “insultante”. A última hora de ayer, tras ser informada de esta noticia, Botella ordenó que se volviera a colocar la lámina de inmediato en la muestra.
Tengo la teoría de que Ana Botella es una fervorosa lectora de Néstor García Canclini: que es consciente de “qué logra el arte cuando lo rechazan” ( 2010 ), o de ese movimiento devorador del capitalismo que busca relegitimarse incorporando a su programa los valores en nombre de los cuales era criticado ( 2007, pág. 52). Tal vez su actitud se base en el análisis de Boltanski y Chiapello que cita su admirado rioplatense, y lo que presenciáramos en la exhibición Smart Citizens de CentroCentro responda a una operación municipal de asimilación de la “crítica artística” como virtudes neoliberales.
Un compañero me pasa esta noticia de El País sobre el edil más mediático de la capital:
Tengo la teoría de que Ana Botella es una fervorosa lectora de Néstor García Canclini: que es consciente de “qué logra el arte cuando lo rechazan” ( 2010 ), o de ese movimiento devorador del capitalismo que busca relegitimarse incorporando a su programa los valores en nombre de los cuales era criticado ( 2007, pág. 52). Tal vez su actitud se base en el análisis de Boltanski y Chiapello que cita su admirado rioplatense, y lo que presenciáramos en la exhibición Smart Citizens de CentroCentro responda a una operación municipal de asimilación de la “crítica artística” como virtudes neoliberales.
A mí me cuadra, pero a lo mejor peco de paranoico. Si no parece suficientemente verosímil ofrezco otra alternativa: que el cónyuge de alguien le haya dicho a ese alguien que no sea boba, que si con Santiago Sierra no pasó nada, estos “mataos” no se comen un colín.
jueves, 7 de noviembre de 2013
Luz... de gas en Sevilla
La Fundación Focus-Abengoa, en colaboración con el Dalas Museum of Art (Dallas), ofrece en su sede de Sevilla (Hospital de los Venerables) una exposición muy promocionada sobre "La luz en el arte y la ciencia del mundo islámico". Según la web de la Fundación:
"Reúne 150 objetos excepcionales de todo el mundo que nunca han sido expuestos antes para explorar la importancia de la Luz en la estética y el conocimiento islámicos desde el siglo IX al XX.
Tras su inauguración en Sevilla, la exposición se trasladará al Museo de Arte de Dallas en la primavera de 2014. 27 de junio de 2013
(...)
A través de los 150 objetos de diferentes colecciones públicas y privadas, de Europa, Medio Oriente y Estados Unidos, Nur: la Luz en el Arte y la Ciencia del mundo Islámico explorará la utilización y el significado de la luz en el arte y la ciencia del mundo islámico, poniendo de manifiesto que la luz es un motivo unificador en las civilizaciones islámicas de todo el mundo. La exposición, dirigida y comisariada por la Doctora Sabiha Al Khemir, experta en arte y cultura islámicos, contará con numerosas piezas inéditas, desde obras de arte, hasta manuscritos y objetos científicos."
¿Objetos excepcionales del mundo islámico que nunca han sido expuestos antes? Pues yo diría que ya había visto unas cuantas, pero a lo mejor mis neuronas se autogestionan...
¿Explorar la importancia de la luz en la estética y el conocimiento islámicos desde el siglo IX hasta el XX? Nunca lo hubiera dicho de no haberlo visto por escrito... La relación de los objetos con la luz es tan forzada que provoca sonrojo y desconcierto, leer algunos de los floridos textos de los paneles explicativos:
"La palabra árabe Nur alude tanto a la luz física como a la metafísica. La luz como metáfora está presente en muchas culturas. Según el Corán, Dios es 'Luz sobre luz'. En la Biblia Jesús dice: 'Yo soy la luz del mundo' y en el comienzo del Génesis también aparece 'Dijo Dios: Sea la luz y hubo luz'. La luz da forma y color al mundo. La luz ha llegado a convertirse en símbolo del conocimiento, de la belleza y de la bondad; conceptos íntimamente relacionados con nuestra condición humana. La luz está presente en el arte y en la ciencia, que son las expresiones más duraderas de la cultura. Esta exposición es un viaje por la belleza y el conocimiento en el arte y la ciencia del mundo islámico desde España (sic) a Asia Central, a través de siglos de luz intemporal"
La exposición, organizada según criterios escenográficos depurados, muestra una panorámica algo elemental y demasiado diversificada sobre la cultura islámica, que no responde ni de lejos a las expectativas generadas por la publicidad directa e indirecta que llegó a mis manos y a mis ojos. Reconozco que hay algunas cosas interesantes, pero...
Lo más destacable: la colección de astrolabios entre los que, según me pareció, había "alguno" muy conocido... Pero ya digo que acaso mi cabeza engendre alucinaciones...
Lo más sorprendente, según la supuesta intención de ofrecer objetos "nunca expuestos": los procedentes de cierto museo, que ofrecía en sus salas hasta hace poco...
Y luego dirán que la luz es cara...
"Reúne 150 objetos excepcionales de todo el mundo que nunca han sido expuestos antes para explorar la importancia de la Luz en la estética y el conocimiento islámicos desde el siglo IX al XX.
Tras su inauguración en Sevilla, la exposición se trasladará al Museo de Arte de Dallas en la primavera de 2014. 27 de junio de 2013
(...)
A través de los 150 objetos de diferentes colecciones públicas y privadas, de Europa, Medio Oriente y Estados Unidos, Nur: la Luz en el Arte y la Ciencia del mundo Islámico explorará la utilización y el significado de la luz en el arte y la ciencia del mundo islámico, poniendo de manifiesto que la luz es un motivo unificador en las civilizaciones islámicas de todo el mundo. La exposición, dirigida y comisariada por la Doctora Sabiha Al Khemir, experta en arte y cultura islámicos, contará con numerosas piezas inéditas, desde obras de arte, hasta manuscritos y objetos científicos."
 |
| Candil de doble piquera ("doble pico", según el panel de la exposición), adjudicado a los siglos X-XI (Furusiyya Art Foundation) |
¿Explorar la importancia de la luz en la estética y el conocimiento islámicos desde el siglo IX hasta el XX? Nunca lo hubiera dicho de no haberlo visto por escrito... La relación de los objetos con la luz es tan forzada que provoca sonrojo y desconcierto, leer algunos de los floridos textos de los paneles explicativos:
"La palabra árabe Nur alude tanto a la luz física como a la metafísica. La luz como metáfora está presente en muchas culturas. Según el Corán, Dios es 'Luz sobre luz'. En la Biblia Jesús dice: 'Yo soy la luz del mundo' y en el comienzo del Génesis también aparece 'Dijo Dios: Sea la luz y hubo luz'. La luz da forma y color al mundo. La luz ha llegado a convertirse en símbolo del conocimiento, de la belleza y de la bondad; conceptos íntimamente relacionados con nuestra condición humana. La luz está presente en el arte y en la ciencia, que son las expresiones más duraderas de la cultura. Esta exposición es un viaje por la belleza y el conocimiento en el arte y la ciencia del mundo islámico desde España (sic) a Asia Central, a través de siglos de luz intemporal"
La exposición, organizada según criterios escenográficos depurados, muestra una panorámica algo elemental y demasiado diversificada sobre la cultura islámica, que no responde ni de lejos a las expectativas generadas por la publicidad directa e indirecta que llegó a mis manos y a mis ojos. Reconozco que hay algunas cosas interesantes, pero...
Lo más destacable: la colección de astrolabios entre los que, según me pareció, había "alguno" muy conocido... Pero ya digo que acaso mi cabeza engendre alucinaciones...
Lo más sorprendente, según la supuesta intención de ofrecer objetos "nunca expuestos": los procedentes de cierto museo, que ofrecía en sus salas hasta hace poco...
Aunque se pueden ver algunas imágenes en la página de la Fundación, los vigilantes de seguridad impiden realizar fotos... no sé si por preservar el espíritu de las piezas o por evitar que los diletantes destruyamos la imagen inflada que han transmitido los medios.
Cobran 5,50 € por entrar, con derecho a visitar parte del edificio y la reducida pero importante colección de pinturas atesoradas entre las que, para mi gusto, destacan una de Murillo y otra de Velázquez.Y luego dirán que la luz es cara...
miércoles, 6 de noviembre de 2013
Un trabajo con mucho porvenir en el "sector cultural"
Según informa RTVE:
"Las corridas de toros han sido declaradas Patrimonio Cultural en toda España después de que el Pleno del Senado haya aprobado por mayoría el texto aceptado y tramitado por el Congreso, lo que supone el primer reconocimiento legal de la Fiesta en toda su historia.
La propuesta, aprobada en el Congreso de los Diputados el 3 de octubre surgió de de una iniciativa legislativa popular respaldada por 600.000 firmas, ha salido adelante con 144 votos a favor, 26 en contra y 54 abstenciones, después de ser rechazadas por mayoría las cinco proposiciones de veto y las 57 enmiendas presentadas.
La ley definitiva será publicada de forma inmediata en el Boletín Oficial del Estado (BOE) para su entrada en vigor, lo que supone un hito en la historia de la tauromaquia, que por primera vez en cuatro siglos de existencia será regulada, fomentada y protegida por normativa legal."
Es un buen momento para recordar aquella famosa frase: "más cornás da el hambre"; la pronunció Manuel García El Espartero, que murió en el ruedo el 26 de mayo de 1894. Así lo contó El Liberal, según recogía El País:
"Ya en Madrid, y poco antes de las cuatro, tomó asiento el Espartero con su cuadrilla en un carruaje, y cuando éste salía de la calle de la Gorguera para entrar en la de Sevilla, vieron pasar un entierro. Como los toreros son, por lo general, supersticiosos y se fijan hasta en los más insignificantes detalles, al ver el fúnebre cortejo exclamó Antolín: '¡Mala pata!' 'iCa, hombre!' -repuso Julián- 'Esto es señal de buena suerte'. 'Allá veremos'. Maoliyo se fijó, como los demás, en la fúnebre comitiva, oyó el diálogo de sus compañeros, movió ligeramente la cabeza como haciendo un signo de asentimiento a las palabras de Antolín, y calló"...
El primer Miura, Perdigón, llega a la muleta con dificultades. Tras una breve faena a la defensiva, Espartero deja un pinchazo bien señalado pero es cogido y volteado a gran altura. Se incorpora, da algunos pases más y de nuevo entra recto a matar, dejando una entera. De nuevo el toro le coge, esta vez en el vientre. Continúa la narración F. Bleu: "Un encontronazo brutal; una cornada seca, instantánea, apenas vista, nada aparatosa; un estoconazo mortal en el lado contrario, y un lidiador en tierra con el cuerpo contraído por el shock traumático y con el rostro descompuesto por la muerte".
Los médicos afirmaron que el diestro murió a los 20 minutos de ingresar en la enfermería, tras recibir "los auxilios de la ciencia", ineficaces, y los últimos sacramentos. Pero otro testigo presencial sostuvo que murió en el ruedo y que "lo demás son ficciones respetables que precisan la Iglesia o la ley".
"Las corridas de toros han sido declaradas Patrimonio Cultural en toda España después de que el Pleno del Senado haya aprobado por mayoría el texto aceptado y tramitado por el Congreso, lo que supone el primer reconocimiento legal de la Fiesta en toda su historia.
La propuesta, aprobada en el Congreso de los Diputados el 3 de octubre surgió de de una iniciativa legislativa popular respaldada por 600.000 firmas, ha salido adelante con 144 votos a favor, 26 en contra y 54 abstenciones, después de ser rechazadas por mayoría las cinco proposiciones de veto y las 57 enmiendas presentadas.
La ley definitiva será publicada de forma inmediata en el Boletín Oficial del Estado (BOE) para su entrada en vigor, lo que supone un hito en la historia de la tauromaquia, que por primera vez en cuatro siglos de existencia será regulada, fomentada y protegida por normativa legal."
Es un buen momento para recordar aquella famosa frase: "más cornás da el hambre"; la pronunció Manuel García El Espartero, que murió en el ruedo el 26 de mayo de 1894. Así lo contó El Liberal, según recogía El País:
"Ya en Madrid, y poco antes de las cuatro, tomó asiento el Espartero con su cuadrilla en un carruaje, y cuando éste salía de la calle de la Gorguera para entrar en la de Sevilla, vieron pasar un entierro. Como los toreros son, por lo general, supersticiosos y se fijan hasta en los más insignificantes detalles, al ver el fúnebre cortejo exclamó Antolín: '¡Mala pata!' 'iCa, hombre!' -repuso Julián- 'Esto es señal de buena suerte'. 'Allá veremos'. Maoliyo se fijó, como los demás, en la fúnebre comitiva, oyó el diálogo de sus compañeros, movió ligeramente la cabeza como haciendo un signo de asentimiento a las palabras de Antolín, y calló"...
El primer Miura, Perdigón, llega a la muleta con dificultades. Tras una breve faena a la defensiva, Espartero deja un pinchazo bien señalado pero es cogido y volteado a gran altura. Se incorpora, da algunos pases más y de nuevo entra recto a matar, dejando una entera. De nuevo el toro le coge, esta vez en el vientre. Continúa la narración F. Bleu: "Un encontronazo brutal; una cornada seca, instantánea, apenas vista, nada aparatosa; un estoconazo mortal en el lado contrario, y un lidiador en tierra con el cuerpo contraído por el shock traumático y con el rostro descompuesto por la muerte".
Los médicos afirmaron que el diestro murió a los 20 minutos de ingresar en la enfermería, tras recibir "los auxilios de la ciencia", ineficaces, y los últimos sacramentos. Pero otro testigo presencial sostuvo que murió en el ruedo y que "lo demás son ficciones respetables que precisan la Iglesia o la ley".
El Antiquarium bajo las setas
Es posible que sea la parte menos censurable del engendro colocado en la plaza de la Encarnación, que analizó sistemáticamente y con ingenio José Fariña:
"El contraste, la contradicción, el absurdo, son básicos para vender un producto. Hace muchos años aprendí que para unir dos cosas en el recuerdo hay que establecer mentalmente entre ellas una relación impactante ya que los vínculos normales se borran muy pronto. Por ejemplo, para recordar la relación entre un hombre y un perro no es adecuada la imagen de ambos paseando tranquilamente por el parque. Mucho mejor es la del descuartizamiento e ingesta del uno por el otro (a ser posible que el perro trinche y se coma al hombre). Eso es lo que han hecho Las Setas con La Encarnación, comérsela ¿no parece absurdo que esta escultura haya podido surgir en una trama urbana como esta? Pero, precisamente, esta paradoja ayuda al impacto. Y probablemente, para promocionar una imagen turística de la ciudad, sea el camino adecuado. La pregunta que habría que hacerse es si realmente Sevilla necesitaba este tipo de imagen para su promoción. En el artículo anterior titulado Hacia un urbanismo de código abierto planteaba la necesidad de una ciudad transparente. ¿Ha podido elegir el ciudadano qué quería en La Encarnación? ¿Hubiera preferido que se construyera otra cosa con los más de cien millones que dicen ha costado la escultura?"
Cobran 2 € por entrar, pero no pagan los residentes o nacidos en Sevilla, los discapacitados ni su acompañante y los menores de 16 años. Cuando comenté al empleado de la puerta lo recogido en el artículo 104 de la ley 2/2006 de Educación, me respondió que le daba igual lo que dijera la ley, porque él estaba obligado a cumplir las instrucciones recibidas y no tenía capacidad para tomar decisiones por su cuenta... Cumplir la ley en España, con frecuencia, es contravenir "las normas". ¿A quién obligan las leyes en España? Sólo a los "pringaos". Por evitar complicaciones estériles, no dije más, pagué el arbitrio o "impuesto reaccionario", e iniciamos el paseo… haciendo cábalas sobre por qué será tan frecuente que en las instituciones culturales el cumplimiento de la ley sea tan relajado… A lo mejor es que los gestores se creen dueños y que, por ello, no tienen otras obligaciones que las deducidas de sus entrañas. Si alguien se puede gastar más de cien millones de euros en setas, qué relevancia puede tener una "chorrada" como cobrar o no cobrar a los docentes no sevillanos por el micelio
Quienes han diseñado el Antiquarium han tenido que elegir lo museable entre los múltiples restos aparecidos durante la actividad arqueológica, sacrificando los que juzgaron irrelevantes... Es muy probable que la elección haya sido sensata. Asimismo, han debido elegir entre las diferentes opciones para conseguir una presentación interesante de un yacimiento tan peculiar y excepcional. Y tampoco parece inadecuada la solución adoptada, similar a la de otros lugares con circunstancias afines, pero forzando algo los componentes escenográficos. Particularmente, hubiera apostado por una iluminación más diáfana y homogénea (como la de la Olmeda), pero reconozco que el efecto general es atractivo y ello cuenta como una cualidad muy importante en cualquier planteamiento museístico actual.
Los paneles informativos no son generosos, porque han dejado el mayor caudal documental para los monitores interactivos, que, sin embargo, no proporcionan demasiados datos, aunque reconozco que ello puede ser una virtud: es importante no atosigar a los visitantes con información excesiva.
He echado en falta que se hubieran colocado algunas piezas de las muchas que guarda o esconde el museo provincial para incrementar el atractivo global, porque los restos de muros, suelos, columnas y alcantarillas son poco atractivos.
Me han interesado especialmente los capiteles, entre los cuales hay varios de excepcional interés. El más relevante es, a mi juicio, el catalogado como “capitel corintio de acanto espinoso en mármol blanco, siglo V; cristianismo; final del imperio romano”. Y aunque parezca asunto pejiguera, debo indicar a quienes han realizado la instalación, que no es “un capitel corintio de acanto espinoso”, sino “corintizante”, porque carece de buena parte de los elementos tradicionales del "orden"; de hecho, se tarda menos en indicar lo que conserva que en citar las carencias: sobre un cesto levemente troncocónico, sólo muestra cuatro hojas sobre las que descansa un ábaco escasamente cóncavo, pero de cierto grosor. Deduzco que quienes han redactado los textos se sienten "por encima" de las sistematizaciones al uso; pero si es así, deberían haber desarrollado algo más las explicaciones. Bastaría, por ejemplo, con haber indicado "capitel derivado del orden corintio" o, incluso, si persisten en su postura "crítica" frente a esas sistematizaciones, explicarlo como concreción material "paradigmática" del mito de Calímaco sobre la aparición del orden corintio. Así lo explicaba Vitruvio:
"(...) Una muchacha de Corinto, ya de cierta edad para contraer matrimonio, falleció a causa de una enfermedad. Después de sus exequias, su nodriza recogió unas copas que le gustaban mucho a la muchacha cuando vivía y las puso todas juntas en un canastillo de mimbre, que llevó a su sepulcro; las colocó encima y con el fin de que se mantuvieran en buen estado durante mucho tiempo, las cubrió con unas tejas. Casualmente colocó el canastillo sobre la raíz de un acanto. Con el tiempo, las raíces del acanto, oprimidas por el peso, esparcieron en derredor sus hojas y sus pequeños tallos, al llegar la primavera; sus tallos crecían en torno al canastillo y por los lados salían al exterior bajo el peso de las tejas, lo que obligó a que fueran formando unas curvaturas o volutas en sus extremos. Calímaco, llamado catatechnos por los atenienses, gracias a la exquisitez y primor de sus tallas de arte marmóreas, al pasar delante de este sepulcro observó el canastillo y la delicadeza de las hojas que crecían a su alrededor. Quedó gratamente sorprendido por esta original forma de las hojas y levantó unas columnas en Corinto, imitando este modelo (...)"
Las hojas tampoco son de “acanto espinoso”, según las fórmulas que definen esa cualidad, en primer lugar, porque "akanthos" significa "espina" y la expresión "acanto espinoso", aunque sea muy usada y redundante, se suele reservar para las modalidades ornamentales que más se parecen al acanthus mollis, es decir, a la variedad más difundida de las acanthaceae en las zonas más húmedas del ecosistema mediterráneo. Más concretamente, las hojas de este capitel, muy alargadas y definidas mediante biseles, siguen modalidad alejada de aquella pero de manifiesta “influencia asiática”. Hubiera sido más correcto decir que es un capitel corintizante (o derivado del orden corintio) con hojas (¿de acanto?) de influencia oriental.
Me ha sorprendido gratamente que lo hayan clasificado en el siglo V, porque tradicionalmente, los capiteles "raros" se colocaban en el cajón de sastre de “lo visigodo” o, incluso, por ofrecer un toque crítico, "de época visigoda". Supongo que aparecería en un contexto definido mediante otros elementos, pero aún así, es importante tener en cuenta que es habitual la reutilización de estos objetos y que esa concepción ornamental está documentada, cuando menos, a partir del siglo III; en consecuencia, no sería extraño que éste hubiera sido tallado durante el siglo IV, cuando Pensabene sitúa uno más elemental, que se le parece (Pensabene, Ostia, nº 661). En todo caso, carece de elemento ornamental que justifique la adjudicación a tiempos cristianos, porque las “flores” de los frentes del ábaco son reflejo tosco y simplificado de las habituales en tiempos romanos.
Tampoco estoy de acuerdo con la cartela que informa sobre otro: “Capitel corintio liso de factura tosca en granito. Siglo VI. Cristianismo. Periodo visigodo”. Sólo suscribo lo de la “factura tosca”. Tampoco tiene rasgos cristianos y mucho menos elementos que podamos vincular con la cultura visigoda. No es corintio; tal vez, de concepción derivada de alguna variedad corintizante o, incluso, de un prototipo compuesto; y no creo que sea tan “moderno”: el ábaco ofrece mayor concavidad que el anterior y, en consecuencia, lo más probable es que sea anterior.
Y otro tanto sucede con un “capitel” de concepción sumamente tosca de ábaco cuadrado; tipológicamente es el más evolucionado del conjunto, pero para clasificarlo es más efectivo conocer el contexto arqueológico, por supuesto, teniendo en cuenta la posible reutilización, incluso, aunque sean sumamente pobres.
En la casa de las columnas, datada entre los siglos IV y V han aparecido dos capiteles en aceptable estado de conservación que, en este caso, sí son corintios y muy probablemente, del siglo II (no es posible contemplarlos de cerca). En ellos se pueden ver coronas de hojas algo evolucionadas, pero aún muy dependiente del "acanto espinoso", es decir, de las modalidades griegas que contenían ornato idealizado del acanthus mollis (ver el capitel del templo de Zeus Olímpico de Atenas).
A la vista de los restos aparecidos, no sé si no se habrán precipitado a la hora de clasificar los fragmentos de “mensae” como pertenecientes a piezas circulares. Están documentadas placas comparables con varias formas y, entre ellas, parece que destacan las denominadas “mesas sigma”, que han aparecido en la península Ibérica, en el norte de África, en Italia y, en general, en las zonas relacionadas con Constantinopla (Grecia, por ejemplo). Si el análisis cristalográfico ha dictaminado que se trata de mármol griego (Paros), a lo mejor son restos que deberíamos clasificar como bizantinos… En el Metropolitan hay una extraordinariamente bien conservada, procedente de Italia y que está clasificada como “bizantina, siglos V-VI”.
En suma, un interesante montaje museístico, acaso concebido para dejar constancia del interés de las autoridades por los asuntos culturales...
"El contraste, la contradicción, el absurdo, son básicos para vender un producto. Hace muchos años aprendí que para unir dos cosas en el recuerdo hay que establecer mentalmente entre ellas una relación impactante ya que los vínculos normales se borran muy pronto. Por ejemplo, para recordar la relación entre un hombre y un perro no es adecuada la imagen de ambos paseando tranquilamente por el parque. Mucho mejor es la del descuartizamiento e ingesta del uno por el otro (a ser posible que el perro trinche y se coma al hombre). Eso es lo que han hecho Las Setas con La Encarnación, comérsela ¿no parece absurdo que esta escultura haya podido surgir en una trama urbana como esta? Pero, precisamente, esta paradoja ayuda al impacto. Y probablemente, para promocionar una imagen turística de la ciudad, sea el camino adecuado. La pregunta que habría que hacerse es si realmente Sevilla necesitaba este tipo de imagen para su promoción. En el artículo anterior titulado Hacia un urbanismo de código abierto planteaba la necesidad de una ciudad transparente. ¿Ha podido elegir el ciudadano qué quería en La Encarnación? ¿Hubiera preferido que se construyera otra cosa con los más de cien millones que dicen ha costado la escultura?"
Cobran 2 € por entrar, pero no pagan los residentes o nacidos en Sevilla, los discapacitados ni su acompañante y los menores de 16 años. Cuando comenté al empleado de la puerta lo recogido en el artículo 104 de la ley 2/2006 de Educación, me respondió que le daba igual lo que dijera la ley, porque él estaba obligado a cumplir las instrucciones recibidas y no tenía capacidad para tomar decisiones por su cuenta... Cumplir la ley en España, con frecuencia, es contravenir "las normas". ¿A quién obligan las leyes en España? Sólo a los "pringaos". Por evitar complicaciones estériles, no dije más, pagué el arbitrio o "impuesto reaccionario", e iniciamos el paseo… haciendo cábalas sobre por qué será tan frecuente que en las instituciones culturales el cumplimiento de la ley sea tan relajado… A lo mejor es que los gestores se creen dueños y que, por ello, no tienen otras obligaciones que las deducidas de sus entrañas. Si alguien se puede gastar más de cien millones de euros en setas, qué relevancia puede tener una "chorrada" como cobrar o no cobrar a los docentes no sevillanos por el micelio
Quienes han diseñado el Antiquarium han tenido que elegir lo museable entre los múltiples restos aparecidos durante la actividad arqueológica, sacrificando los que juzgaron irrelevantes... Es muy probable que la elección haya sido sensata. Asimismo, han debido elegir entre las diferentes opciones para conseguir una presentación interesante de un yacimiento tan peculiar y excepcional. Y tampoco parece inadecuada la solución adoptada, similar a la de otros lugares con circunstancias afines, pero forzando algo los componentes escenográficos. Particularmente, hubiera apostado por una iluminación más diáfana y homogénea (como la de la Olmeda), pero reconozco que el efecto general es atractivo y ello cuenta como una cualidad muy importante en cualquier planteamiento museístico actual.
Los paneles informativos no son generosos, porque han dejado el mayor caudal documental para los monitores interactivos, que, sin embargo, no proporcionan demasiados datos, aunque reconozco que ello puede ser una virtud: es importante no atosigar a los visitantes con información excesiva.
He echado en falta que se hubieran colocado algunas piezas de las muchas que guarda o esconde el museo provincial para incrementar el atractivo global, porque los restos de muros, suelos, columnas y alcantarillas son poco atractivos.
Me han interesado especialmente los capiteles, entre los cuales hay varios de excepcional interés. El más relevante es, a mi juicio, el catalogado como “capitel corintio de acanto espinoso en mármol blanco, siglo V; cristianismo; final del imperio romano”. Y aunque parezca asunto pejiguera, debo indicar a quienes han realizado la instalación, que no es “un capitel corintio de acanto espinoso”, sino “corintizante”, porque carece de buena parte de los elementos tradicionales del "orden"; de hecho, se tarda menos en indicar lo que conserva que en citar las carencias: sobre un cesto levemente troncocónico, sólo muestra cuatro hojas sobre las que descansa un ábaco escasamente cóncavo, pero de cierto grosor. Deduzco que quienes han redactado los textos se sienten "por encima" de las sistematizaciones al uso; pero si es así, deberían haber desarrollado algo más las explicaciones. Bastaría, por ejemplo, con haber indicado "capitel derivado del orden corintio" o, incluso, si persisten en su postura "crítica" frente a esas sistematizaciones, explicarlo como concreción material "paradigmática" del mito de Calímaco sobre la aparición del orden corintio. Así lo explicaba Vitruvio:
"(...) Una muchacha de Corinto, ya de cierta edad para contraer matrimonio, falleció a causa de una enfermedad. Después de sus exequias, su nodriza recogió unas copas que le gustaban mucho a la muchacha cuando vivía y las puso todas juntas en un canastillo de mimbre, que llevó a su sepulcro; las colocó encima y con el fin de que se mantuvieran en buen estado durante mucho tiempo, las cubrió con unas tejas. Casualmente colocó el canastillo sobre la raíz de un acanto. Con el tiempo, las raíces del acanto, oprimidas por el peso, esparcieron en derredor sus hojas y sus pequeños tallos, al llegar la primavera; sus tallos crecían en torno al canastillo y por los lados salían al exterior bajo el peso de las tejas, lo que obligó a que fueran formando unas curvaturas o volutas en sus extremos. Calímaco, llamado catatechnos por los atenienses, gracias a la exquisitez y primor de sus tallas de arte marmóreas, al pasar delante de este sepulcro observó el canastillo y la delicadeza de las hojas que crecían a su alrededor. Quedó gratamente sorprendido por esta original forma de las hojas y levantó unas columnas en Corinto, imitando este modelo (...)"
Las hojas tampoco son de “acanto espinoso”, según las fórmulas que definen esa cualidad, en primer lugar, porque "akanthos" significa "espina" y la expresión "acanto espinoso", aunque sea muy usada y redundante, se suele reservar para las modalidades ornamentales que más se parecen al acanthus mollis, es decir, a la variedad más difundida de las acanthaceae en las zonas más húmedas del ecosistema mediterráneo. Más concretamente, las hojas de este capitel, muy alargadas y definidas mediante biseles, siguen modalidad alejada de aquella pero de manifiesta “influencia asiática”. Hubiera sido más correcto decir que es un capitel corintizante (o derivado del orden corintio) con hojas (¿de acanto?) de influencia oriental.
Me ha sorprendido gratamente que lo hayan clasificado en el siglo V, porque tradicionalmente, los capiteles "raros" se colocaban en el cajón de sastre de “lo visigodo” o, incluso, por ofrecer un toque crítico, "de época visigoda". Supongo que aparecería en un contexto definido mediante otros elementos, pero aún así, es importante tener en cuenta que es habitual la reutilización de estos objetos y que esa concepción ornamental está documentada, cuando menos, a partir del siglo III; en consecuencia, no sería extraño que éste hubiera sido tallado durante el siglo IV, cuando Pensabene sitúa uno más elemental, que se le parece (Pensabene, Ostia, nº 661). En todo caso, carece de elemento ornamental que justifique la adjudicación a tiempos cristianos, porque las “flores” de los frentes del ábaco son reflejo tosco y simplificado de las habituales en tiempos romanos.
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| Capitel del Antiquarium |
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| Ábaco del capitel de la imagen superior |
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| Capitel del Antiquarium |
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| Capitelillo del Antiquarium |
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| Capitel de la "casa de las columnas" (Antiquarium) |
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| Capitel de la "casa de las columnas" (Antiquarium) |
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| Capitel del templo de Zeus Olímpico, Atenas |
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| Restos del Antiquarium de Sevilla |
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| Mesa sigma del Metropolitan, siglos V-VI (foto MET) |
martes, 5 de noviembre de 2013
Pisos grandes
Por Irme
La pasada semana se encontraron en un apartamento de Munich más de 1.500 cuadros robados en su momento por los nazis por ser catalogados de ''arte degenerado''. Estos llegaron a manos de Hildebrand Gurlitt en los años 30 y 40 y quedaron en herencia para su hijo, el cual ha estado viviendo de la esporádica venta ilegal de algunas obras hasta ahora, a sus 80 años.
Entre las pinturas se encuentran obras de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marc Chagall, Emil Nolde, Franz Marc, Max Beckmann, Paul Klee, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner y Max Liebermann,las cuales estan siendo investigadas por historiadores para tasar su valor; se calcula que ronda los mil millones de euros.Durante medio siglo han sido escondidas con total discreción obras como ''retrato de una mujer desconocida'' de Matisse.
Segun el diario alemán Focus, las obras permanecían colocadas en cuartos oscuros y de cualquier manera, con estanterías que el mismo anciano había construido para su almacenaje de forma improvisada; ahora permanecen en una cámara de seguridad mientras Cornelius Gurlitt ha sido acusado de un delito de evasión fiscal.
La gran pregunta aquí una vez asimilado el sorprendente egoismo de Cornelius Gurlitt es, ¿cómo de grandes son los pisos en Munich para albergar 1.500 obras en uno solo?
La pasada semana se encontraron en un apartamento de Munich más de 1.500 cuadros robados en su momento por los nazis por ser catalogados de ''arte degenerado''. Estos llegaron a manos de Hildebrand Gurlitt en los años 30 y 40 y quedaron en herencia para su hijo, el cual ha estado viviendo de la esporádica venta ilegal de algunas obras hasta ahora, a sus 80 años.
Entre las pinturas se encuentran obras de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marc Chagall, Emil Nolde, Franz Marc, Max Beckmann, Paul Klee, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner y Max Liebermann,las cuales estan siendo investigadas por historiadores para tasar su valor; se calcula que ronda los mil millones de euros.Durante medio siglo han sido escondidas con total discreción obras como ''retrato de una mujer desconocida'' de Matisse.
Segun el diario alemán Focus, las obras permanecían colocadas en cuartos oscuros y de cualquier manera, con estanterías que el mismo anciano había construido para su almacenaje de forma improvisada; ahora permanecen en una cámara de seguridad mientras Cornelius Gurlitt ha sido acusado de un delito de evasión fiscal.
La gran pregunta aquí una vez asimilado el sorprendente egoismo de Cornelius Gurlitt es, ¿cómo de grandes son los pisos en Munich para albergar 1.500 obras en uno solo?
Heard Words
Por Eva
El arte interactivo juega un papel fundamental hoy en día y consigue que el espectador se sienta importante al participar en el desarrollo de la obra. Por ello cada vez está más presente, y qué mejor manera de desarrollarlo que haciendo uso de juegos que todos llevamos marcados en nuestra infancia.
"Seguro que muchos de nosotros hemos jugado al teléfono escacharrado, una metáfora además bastante acertada para describir la comunicación hoy en día. A través de susurros hemos ido distorsionando esa información para al final llegar a una completamente diferente.
Con esta idea tan sencilla, un estudio de diseñadores ha decidido adaptar el juego infantil al formato de una exposición utilizando la tecnología para reproducirlo pero de una forma ligeramente diferente a la que estamos acostumbrados. Ya no necesitamos a más gente, sólo un montón de impresoras colgando del techo y un micrófono.
Cada vez que hablamos al micrófono de la sala, un montón de impresoras empezarán a trabajar para intentar replicar lo que acabamos de decir. Como podéis ver en el vídeo alguno de los resultados son bastante divertidos.
Además de imprimirlo, también se encargará de twittear todo aquello que vaya transcribiendo aunque eso sí, sin saber la frase original pierde un poco de gracia pero resulta interesante ver cómo han realizado toda la instalación."
Fuente
Más información
El arte interactivo juega un papel fundamental hoy en día y consigue que el espectador se sienta importante al participar en el desarrollo de la obra. Por ello cada vez está más presente, y qué mejor manera de desarrollarlo que haciendo uso de juegos que todos llevamos marcados en nuestra infancia.
"Seguro que muchos de nosotros hemos jugado al teléfono escacharrado, una metáfora además bastante acertada para describir la comunicación hoy en día. A través de susurros hemos ido distorsionando esa información para al final llegar a una completamente diferente.
Con esta idea tan sencilla, un estudio de diseñadores ha decidido adaptar el juego infantil al formato de una exposición utilizando la tecnología para reproducirlo pero de una forma ligeramente diferente a la que estamos acostumbrados. Ya no necesitamos a más gente, sólo un montón de impresoras colgando del techo y un micrófono.
Cada vez que hablamos al micrófono de la sala, un montón de impresoras empezarán a trabajar para intentar replicar lo que acabamos de decir. Como podéis ver en el vídeo alguno de los resultados son bastante divertidos.
Además de imprimirlo, también se encargará de twittear todo aquello que vaya transcribiendo aunque eso sí, sin saber la frase original pierde un poco de gracia pero resulta interesante ver cómo han realizado toda la instalación."
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Escena en el Palacio de Cristal
Por Lobu
El MNCARS parece mantenerse en su costumbre, deliberada o no, de complicar la correcta experimentación y entendimiento del arte moderno. Consiguiéndolo esta vez gracias a la discreta obra "Escena" de Roman Ondák que se expone en el Palacio de Cristal.
Muy atento hay que estar o muy bien tiene que conocerse uno el espacio para encontrar una obra que la mayoría de los visitantes ni siquiera saben que están visitando. Sin lugar a dudas la pieza cumple el propósito del artista de sugestionar de manera casi imperceptible al espectador, y desde luego los medios que el museo pone a nuestra disposición no se enfrentan a este propósito, ni avisan de primeras al público de que ha sido "convertido tanto en objeto artístico como en protagonista del acto performativo" (según dicta el folleto que se ofrece en la entrada).
En una entrevista realizada con motivo de esta exposición en "El Cultural" Ondák declaró que considera al espectador como "el actor que da sentido a toda la obra, aquel que la finaliza", pero, teniendo en cuenta el probable conocimiento artístico que tienen los visitantes del Palacio de Cristal (pues habrá muchos que lo visiten como una consecuencia de su recorrido por El Retiro o por la fama del edificio, posiblemente desconociendo su función de espacio expositivo) dudo que estos tras haber descubierto, si es que llegan a descubrirlo, que la pasarela que están pisando es una obra de arte sean capaces de tomarse en serio la responsabilidad y el juicio que se les encomienda como espectadores.
De todos modos en esta ocasión, no se trata de una obra que pueda resultar "chirriante" para el no entendido en cuestiones de arte contemporáneo, pues permite un agradable disfrute y apreciación del diáfano y luminoso espacio del edificio, así como una nueva vista de este tanto desde el interior como el exterior. Lo cual era precisamente, en parte, lo que se intentaba producir: "Ondák busca un desvío de lo real que parta del espectador y lo sitúe en una percepción distinta [...] el Palacio se puede ver ahora de fuera hacia dentro, de un modo inédito que no permitía su constitución previa". Algo que no consigue ya con tanta eficacia en mi opinión es su verdadero propósito de desencadenar en el espectador la esperada reflexión crítica sobre el ser y realidad de la obra de arte. Más probable encuetro que esta presentación, de acuerdo al modo en el que se nos descubre la obra, genere en el turista una opinión de pérdida de seriedad en cuanto a todo lo relacionado con el arte contemporáneo.
Con esto no quiero ni mucho menos insinuar un jucio en cuanto a la calidad de esta obra en concreto, no es a eso a lo que busco referirme.
Joâo Fernandes, comisario de esta exposición y subdirector del MNCARS, expuso ya a principios de este año en una entrevista realizada en el "ABC" la situación en la que se encontraba un museo como el MNCARS, importante referente turistico, visitado frecuentemente por gente no interesada en el arte (aunque digo yo que un mínimo de interés si que debe haber si la gente esta dispuesta a pagar una entrada por la visita, pero eso es ya una opinión personal). Como el mismo declara buscan "que el espectador sea más lúcido, exigente y crítico cuando se confronta con la obra de arte, que pueda pensar y que (el museo) no sirva únicamente para decir que ha estado allí [...] gente real en los museos y no modelos para las fotos de viaje o de familia".
Es cierto que el arte actual reclama un espectador crítico, activo e implicado para su correcta experimentación, con lo cual este pasa a tener una necesidad de instrucción y conocimiento artístico que ha de remediar según sea su grado de motivación e inquietud intelectual. Pero el espectador no es el único responsable de esta formación, ya que el museo, según la propia definición de su término, se constituye como institución responsable de brindarle buena parte de los medios necesarios en este proceso.
Puesto que entonces, como parte de su función educadora, el museo se hace componente de dicha tarea, en el caso del MNCARS aún debería de dársele más importancia debido al desafío al que se expone al recibir la masa turística que recibe y en cuanto a su reclamación abierta de un público más exigente, según su propósito de alejarse de la imagen de museo como un mausoleo y de asentarse como un "espacio para la reflexión y discusión crítica del arte".
Puede que la sensación de distanciamiento que generan muchas de sus exposiciones se deba a su proceso de negación del rol de receptor de turismo masivo que la sociedad parece haberle impuesto, a pesar de que con esta postura eluda su responsabilidad comunicadora, necesaria para el enrequecimiento y la formación del público crítico que reclaman. Tal vez el convertirse en espacio reflexivo solo para unos pocos sea retribución suficiente como para descuidar la puesta en escena (valga la ironía) de unos medios, que como institución museística se ha comprometido a brindar.
El MNCARS parece mantenerse en su costumbre, deliberada o no, de complicar la correcta experimentación y entendimiento del arte moderno. Consiguiéndolo esta vez gracias a la discreta obra "Escena" de Roman Ondák que se expone en el Palacio de Cristal.
Muy atento hay que estar o muy bien tiene que conocerse uno el espacio para encontrar una obra que la mayoría de los visitantes ni siquiera saben que están visitando. Sin lugar a dudas la pieza cumple el propósito del artista de sugestionar de manera casi imperceptible al espectador, y desde luego los medios que el museo pone a nuestra disposición no se enfrentan a este propósito, ni avisan de primeras al público de que ha sido "convertido tanto en objeto artístico como en protagonista del acto performativo" (según dicta el folleto que se ofrece en la entrada).
En una entrevista realizada con motivo de esta exposición en "El Cultural" Ondák declaró que considera al espectador como "el actor que da sentido a toda la obra, aquel que la finaliza", pero, teniendo en cuenta el probable conocimiento artístico que tienen los visitantes del Palacio de Cristal (pues habrá muchos que lo visiten como una consecuencia de su recorrido por El Retiro o por la fama del edificio, posiblemente desconociendo su función de espacio expositivo) dudo que estos tras haber descubierto, si es que llegan a descubrirlo, que la pasarela que están pisando es una obra de arte sean capaces de tomarse en serio la responsabilidad y el juicio que se les encomienda como espectadores.
De todos modos en esta ocasión, no se trata de una obra que pueda resultar "chirriante" para el no entendido en cuestiones de arte contemporáneo, pues permite un agradable disfrute y apreciación del diáfano y luminoso espacio del edificio, así como una nueva vista de este tanto desde el interior como el exterior. Lo cual era precisamente, en parte, lo que se intentaba producir: "Ondák busca un desvío de lo real que parta del espectador y lo sitúe en una percepción distinta [...] el Palacio se puede ver ahora de fuera hacia dentro, de un modo inédito que no permitía su constitución previa". Algo que no consigue ya con tanta eficacia en mi opinión es su verdadero propósito de desencadenar en el espectador la esperada reflexión crítica sobre el ser y realidad de la obra de arte. Más probable encuetro que esta presentación, de acuerdo al modo en el que se nos descubre la obra, genere en el turista una opinión de pérdida de seriedad en cuanto a todo lo relacionado con el arte contemporáneo.
Con esto no quiero ni mucho menos insinuar un jucio en cuanto a la calidad de esta obra en concreto, no es a eso a lo que busco referirme.
Joâo Fernandes, comisario de esta exposición y subdirector del MNCARS, expuso ya a principios de este año en una entrevista realizada en el "ABC" la situación en la que se encontraba un museo como el MNCARS, importante referente turistico, visitado frecuentemente por gente no interesada en el arte (aunque digo yo que un mínimo de interés si que debe haber si la gente esta dispuesta a pagar una entrada por la visita, pero eso es ya una opinión personal). Como el mismo declara buscan "que el espectador sea más lúcido, exigente y crítico cuando se confronta con la obra de arte, que pueda pensar y que (el museo) no sirva únicamente para decir que ha estado allí [...] gente real en los museos y no modelos para las fotos de viaje o de familia".
Es cierto que el arte actual reclama un espectador crítico, activo e implicado para su correcta experimentación, con lo cual este pasa a tener una necesidad de instrucción y conocimiento artístico que ha de remediar según sea su grado de motivación e inquietud intelectual. Pero el espectador no es el único responsable de esta formación, ya que el museo, según la propia definición de su término, se constituye como institución responsable de brindarle buena parte de los medios necesarios en este proceso.
Puesto que entonces, como parte de su función educadora, el museo se hace componente de dicha tarea, en el caso del MNCARS aún debería de dársele más importancia debido al desafío al que se expone al recibir la masa turística que recibe y en cuanto a su reclamación abierta de un público más exigente, según su propósito de alejarse de la imagen de museo como un mausoleo y de asentarse como un "espacio para la reflexión y discusión crítica del arte".
Puede que la sensación de distanciamiento que generan muchas de sus exposiciones se deba a su proceso de negación del rol de receptor de turismo masivo que la sociedad parece haberle impuesto, a pesar de que con esta postura eluda su responsabilidad comunicadora, necesaria para el enrequecimiento y la formación del público crítico que reclaman. Tal vez el convertirse en espacio reflexivo solo para unos pocos sea retribución suficiente como para descuidar la puesta en escena (valga la ironía) de unos medios, que como institución museística se ha comprometido a brindar.
lunes, 4 de noviembre de 2013
FRIEZE ART FAIR
Por JMO
Del 17 al 20 de octubre de este año ha tenido lugar la Frieze Art Fair de Londres que se lleva realizando desde 2003. Siendo actualmente una de las ferias más importantes de arte contemporáneo, la organizan Amanda Sharp y Matthew Slotover, los que crearon la revista Frieze en 1991. En ella podemos ver unas 150 galerías representadas y al rededor de 1000 artistas que exponen sus obras, siendo estos de total actualidad. Además, en estas mismas fechas tiene lugar la Frieze Masters, una feria aparte cercana a la primera que se lleva realizando desde el año pasado que acoge, desde una perspectiva actual, el arte desde el año 2000 “hacia atrás”, siendo de gran interés y caracterizándose por tener obras de gran calidad. Por si fuera poco, otro de los puntos fuertes es el programa de actividades que se realizan paralelamente a la feria, que cuenta con conferencias, proyectos de diferentes artistas, el Emdash Award, un espacio para películas, otro para música, etc. Todo esto sugiere un encuentro para compradores e interesados en arte, en el que el aspecto mercantil no se apodera de la feria, si no que propone un suculento programa que sitúa a Frieze en un punto importante de referencia de la actividad artística actual.
Como patrocinadores importantes de la feria se encuentran, por orden de relevancia, el Deutsche Bank, Alexander McQueen, FT Financial Times; y en segundo nivel se encuentran Pommery, BMW, Hyatt Regency, Simmons & Simmons, ArtFund, etc. Aunque las razones a la hora de patrocinar eventos de este tipo puedan ser discutibles en relación al supuesto “compromiso social” de las empresas, es cierto que investigando acerca del Deutsche Bank, principal patrocinador de Frieze, me ha sorprendido el gran interés y dedicación de este banco hacia las actividades artísticas y culturales. Tiene una página web adjunta únicamente dirigida a la actividad relacionada con el arte que promueve y apoya este banco, de manera que podemos enterarnos de los proyectos que lleva a cabo con otros museos e instituciones, su actividad con la revista ArtMag, noticias y entrevistas del mundo del arte, etc. Visto esto, hace que me crea que sienten una responsabilidad seria hacia estos campos, pues ciertamente la actividad de esta página es realmente importante.
En 2003 se creó la Frieze Foundation, una fundación que lleva a cabo las actividades complementarias de la feria. Esta fundación sin ánimo de lucro recibe la colaboración de numerosas instituciones internacionales como el Arts Council de Inglaterra, el Australia Council for the Arts, el Frame Finland, el Institut Français, etc. Para áreas más específicas a veces colaboran otras fundaciones como la Emdash Foundation, que lleva a cabo el Edmash Award para artistas emergentes residentes fuera de Reino Unido, que en colaboración con Gasworks, propone esta iniciativa para atraer nuevas ideas y proyectos a Inglaterra. En la página de Frieze Foundation encontramos un breve párrafo donde se expone el “filantrópico interés” de esta fundación por promover nuevas ideas, descubrir nuevos talentos y “promocionar el amor al arte”. Aunque esto pueda ser cuestionable, es interesante ver la claridad con la que sus intenciones son expuestas, más aun cuando están respaldadas por iniciativas tangibles. Puede que en Inglaterra, se hayan dado cuenta de la verdadera importancia de promover la innovación y atraer nuevas ideas, y establecer en sus ciudades centros de interés cultural y de desarrollo.
De un modo u otro, esta feria apuesta por un concepto aparentemente diferente al de una feria en la que únicamente se compra y se vende arte. Tal y como dice Matthew Slotover, no solo se trata de comprar y vender, si no de hacer contactos, establecer buenas relaciones con los artistas... Algunos visitantes de Frieze destacan el hecho de que se trata de una feria diferente al resto puesto que es una en la que el contacto con la gente está muy cuidado y en la que se trata con seriedad las inquietudes de aquellos interesados en el arte. Las actividades que envuelven la feria y las personas involucradas en ella dotan de mayor interés las cuestiones tratadas dentro de esta. En definitiva parece existir un buen equilibrio entre el aspecto más comercial y los diferentes proyectos y actividades complementarias que propone. Aunque esto suene bien, también creo que debemos mencionar el interés de Frieze por reducir el número de galerías y de visitantes con el fin de evitar la banalización del evento. Según los datos de la organización, en 2012 de los 60000 visitantes el 80% no eran profesionales pese a que la entrada costase unos 60€. Aunque algunas personas importantes ven positiva la participación del público amateur en la feria, entienden también la necesidad de establecer un equilibrio, pues al fin y al cabo las ferias tienen fines comerciales.
Otro dato importante que mencionar de esta edición ha sido la inesperada presencia de pintura entre los stands. Habrá que estar atento a los acontecimientos siguientes pues puede que cobre más relevancia dada la “saturación” de instalaciones y arte conceptual.
Es una buena ocasión para preguntarnos acerca de la situación actual de Londres en relación la mundo del arte. Según Slotover, “Londres se encuentra en una buena situación para el arte moderno pues se está empezando a entender como algo más cotidiano y en la que tiene un público establecido. Ha ganado relevancia y cada vez se escucha más de esto en los medios de comunicación”. Con eventos como Frieze, Londres contiene una actividad capaz de competir con Nueva York. Desde finales de los ochenta con los Young British Artist, pasando por el 2000 y 2003 tras la creación de la Tate Modern y la Frieze, y la inmigración de personas con mucho dinero de diferentes partes del mundo, sitúan hoy a Londres como un importante cruce cultural donde cada vez tiene más relevancia la producción artística. En las fechas próximas a las de la feria Frieze, numerosas organizaciones se preparan para sacar partido a este acontecimiento (como Christie’s, Sotheby’s, Charles Saatchi...) ya que asegura un flujo de compradores de arte importante en la ciudad. Además, algunas de las galerías más importantes de Manhattan como David Zwirner, Pace, Michael Werner o Marian Goodman, ya han marcado como objetivo a Londres para situar sus próximas sedes.
Del 17 al 20 de octubre de este año ha tenido lugar la Frieze Art Fair de Londres que se lleva realizando desde 2003. Siendo actualmente una de las ferias más importantes de arte contemporáneo, la organizan Amanda Sharp y Matthew Slotover, los que crearon la revista Frieze en 1991. En ella podemos ver unas 150 galerías representadas y al rededor de 1000 artistas que exponen sus obras, siendo estos de total actualidad. Además, en estas mismas fechas tiene lugar la Frieze Masters, una feria aparte cercana a la primera que se lleva realizando desde el año pasado que acoge, desde una perspectiva actual, el arte desde el año 2000 “hacia atrás”, siendo de gran interés y caracterizándose por tener obras de gran calidad. Por si fuera poco, otro de los puntos fuertes es el programa de actividades que se realizan paralelamente a la feria, que cuenta con conferencias, proyectos de diferentes artistas, el Emdash Award, un espacio para películas, otro para música, etc. Todo esto sugiere un encuentro para compradores e interesados en arte, en el que el aspecto mercantil no se apodera de la feria, si no que propone un suculento programa que sitúa a Frieze en un punto importante de referencia de la actividad artística actual.
Como patrocinadores importantes de la feria se encuentran, por orden de relevancia, el Deutsche Bank, Alexander McQueen, FT Financial Times; y en segundo nivel se encuentran Pommery, BMW, Hyatt Regency, Simmons & Simmons, ArtFund, etc. Aunque las razones a la hora de patrocinar eventos de este tipo puedan ser discutibles en relación al supuesto “compromiso social” de las empresas, es cierto que investigando acerca del Deutsche Bank, principal patrocinador de Frieze, me ha sorprendido el gran interés y dedicación de este banco hacia las actividades artísticas y culturales. Tiene una página web adjunta únicamente dirigida a la actividad relacionada con el arte que promueve y apoya este banco, de manera que podemos enterarnos de los proyectos que lleva a cabo con otros museos e instituciones, su actividad con la revista ArtMag, noticias y entrevistas del mundo del arte, etc. Visto esto, hace que me crea que sienten una responsabilidad seria hacia estos campos, pues ciertamente la actividad de esta página es realmente importante.
En 2003 se creó la Frieze Foundation, una fundación que lleva a cabo las actividades complementarias de la feria. Esta fundación sin ánimo de lucro recibe la colaboración de numerosas instituciones internacionales como el Arts Council de Inglaterra, el Australia Council for the Arts, el Frame Finland, el Institut Français, etc. Para áreas más específicas a veces colaboran otras fundaciones como la Emdash Foundation, que lleva a cabo el Edmash Award para artistas emergentes residentes fuera de Reino Unido, que en colaboración con Gasworks, propone esta iniciativa para atraer nuevas ideas y proyectos a Inglaterra. En la página de Frieze Foundation encontramos un breve párrafo donde se expone el “filantrópico interés” de esta fundación por promover nuevas ideas, descubrir nuevos talentos y “promocionar el amor al arte”. Aunque esto pueda ser cuestionable, es interesante ver la claridad con la que sus intenciones son expuestas, más aun cuando están respaldadas por iniciativas tangibles. Puede que en Inglaterra, se hayan dado cuenta de la verdadera importancia de promover la innovación y atraer nuevas ideas, y establecer en sus ciudades centros de interés cultural y de desarrollo.
De un modo u otro, esta feria apuesta por un concepto aparentemente diferente al de una feria en la que únicamente se compra y se vende arte. Tal y como dice Matthew Slotover, no solo se trata de comprar y vender, si no de hacer contactos, establecer buenas relaciones con los artistas... Algunos visitantes de Frieze destacan el hecho de que se trata de una feria diferente al resto puesto que es una en la que el contacto con la gente está muy cuidado y en la que se trata con seriedad las inquietudes de aquellos interesados en el arte. Las actividades que envuelven la feria y las personas involucradas en ella dotan de mayor interés las cuestiones tratadas dentro de esta. En definitiva parece existir un buen equilibrio entre el aspecto más comercial y los diferentes proyectos y actividades complementarias que propone. Aunque esto suene bien, también creo que debemos mencionar el interés de Frieze por reducir el número de galerías y de visitantes con el fin de evitar la banalización del evento. Según los datos de la organización, en 2012 de los 60000 visitantes el 80% no eran profesionales pese a que la entrada costase unos 60€. Aunque algunas personas importantes ven positiva la participación del público amateur en la feria, entienden también la necesidad de establecer un equilibrio, pues al fin y al cabo las ferias tienen fines comerciales.
Otro dato importante que mencionar de esta edición ha sido la inesperada presencia de pintura entre los stands. Habrá que estar atento a los acontecimientos siguientes pues puede que cobre más relevancia dada la “saturación” de instalaciones y arte conceptual.
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| Imagen de decorandstyle |
Es una buena ocasión para preguntarnos acerca de la situación actual de Londres en relación la mundo del arte. Según Slotover, “Londres se encuentra en una buena situación para el arte moderno pues se está empezando a entender como algo más cotidiano y en la que tiene un público establecido. Ha ganado relevancia y cada vez se escucha más de esto en los medios de comunicación”. Con eventos como Frieze, Londres contiene una actividad capaz de competir con Nueva York. Desde finales de los ochenta con los Young British Artist, pasando por el 2000 y 2003 tras la creación de la Tate Modern y la Frieze, y la inmigración de personas con mucho dinero de diferentes partes del mundo, sitúan hoy a Londres como un importante cruce cultural donde cada vez tiene más relevancia la producción artística. En las fechas próximas a las de la feria Frieze, numerosas organizaciones se preparan para sacar partido a este acontecimiento (como Christie’s, Sotheby’s, Charles Saatchi...) ya que asegura un flujo de compradores de arte importante en la ciudad. Además, algunas de las galerías más importantes de Manhattan como David Zwirner, Pace, Michael Werner o Marian Goodman, ya han marcado como objetivo a Londres para situar sus próximas sedes.
viernes, 1 de noviembre de 2013
jueves, 31 de octubre de 2013
La colección Helga de Alvear en el CentroCentro
Por Dem
De visita la semana pasada en CentroCentro, antiguo Correos, en la Plaza de Cibeles, tuve ocasión de ver la exposición El Arte del Presente, de Helga de Alvear. Localizada en la Planta 1, muestra 103 obras correspondientes a 76 artistas de una de las colecciones de arte contemporáneo más completas de España, actualmente ubicada en el Centro de Artes Visuales de Cáceres que rige la fundación Helga de Alvear.
Fui informada de que el precio de la entrada eran 5 euros pero que, para mi fortuna y la de algunos visitantes más, las dos últimas semanas se accedia gratis. Añadieron que la idea de la coleccionista era que la gratuidad se hubiera aplicado desde un principio pero que “había que hacer frente a los costes”, (al bajar y leer en la entrada “Comisario, Diseño de Montaje, Construcción, Montaje de Obra, Iluminación, Producción y Registro, Audiovisuales, Transporte y Seguros”, pensé que a ellos se referían). Confirmo en entrevista de Alvear para El Cultural que: “el Ayuntamiento de Madrid me propone hacer una exposición sobre la colección y sólo pido que al frente esté un profesional como María del Corral “(crítico de arte, comisaria independiente, ex-directora del MNCARS), “… me entero después que quieren cobrar entrada y protesto, porque pienso que no es entender las cosas: tenemos que enseñar ésto para que la gente vaya aprendiendo, es una oportunidad y si se cobra llegamos a menos gente.” Así todo, soprende la escasez de espectadores con quien compartí el recorrido, ¿falta de publicidad?.
Creo que sí es una oportunidad acceder a ésta recopilación de obras que comprenden disciplinas del arte actual como fotografía, vídeo, pintura, instalaciones, escultura o dibujo; seleccionados por su calidad o significación, que se muestran por primera vez en Madrid. Artistas nacionales e internacionales nacidos entre 1911 (Louise Burgeois) y 1972 (Ester Partegas) sobre los que Helga de Alvear ha apostado en su búsqueda de obras que “hablen”: “A mi me interesa el arte contemporáneo porque nos habla de nuestro tiempo y de nosotros mismos, porque crea y desarrolla un lenguaje que puede explicarnos, de una manera nueva, el mundo que nos ha tocado vivir y del que a menudo sólo rozamos la superficie”.
María del Corral estructuró la exposición en distintos apartados que abordan temas como la vida en las grandes ciudades, las relaciones que las personas mantienen con su cuerpo y con los demás o los extremos a los que la globalización nos conduce. Con una amplia representación de artistas alemanes como Ruff, Grosse, Knoebel, Sander, Schneider, Hofer, Forg, Hutte, Thiel, Struth, Gursky, Schutte, Lochner, Tillmans o Balkenhol. Españoles Irazabal, de la Cruz, Soto, Sierra, Valdosera, Muñoz, Partegas, Moreno, Uslé y Lucas. Disfruté especialmente las tres imágenes de las gemelas Jane y Louise Wilson, parte de YBA, fruto de su encuentro con los archivos Kubrick sobre el guión de una película que nunca llegó a realizar: Oddments Room II,III y IV, 2008, c-prints; su “senda” entre viejos libros hacia viajes, aventuras, naufragios o captividad. También el fondo movido, indefinido y nostálgico de la fotografía de Jean Marc Bustamante y su inquietante alusión a “aquello que se perdió es a veces más importante que lo que ha quedado”. El tronco de olivo blanco A Day Like This. Made of Nothing an Nothing Else, 2009 de Ugo Rondinone o el territorio caótico, personal y colorista más allá de las fronteras de Jason Rhoades. La luminosidad del color naranja en la obra The Cotton Fabric del portugués Cabrita Reis, Pictures of Color del brasileño Viz Muniz que interroga la condición de la fotografía en una sociedad saturada de imágenes, Road to exile (madera, algodón y botellas de vodka) de Toguo, natural de Camerún, que reflexiona sobre los flujos de seres humanos o la fotografía de Frank Thiel, Stadt 7/03, Berlín 1996, quien describe su obra como una especie de arquitectura de la transición. Muchos otros. Me llamó también la atención descubrir entre la obra de Karen Sander, consistente en pequeñas esculturas cada una en una urna independiente, el retrato de la misma Helga, satisfecha y sonriente. Están realizadas mediante la exploración por rayo láser (con cámara 3 D), cuyos datos se escanean en ordenador y posteriormente se concretan en plástico con acabado de policromía por medios mecánicos. La autora alemana trabaja sobre las relaciones entre el arte, las instituciones,y el público. Muy instructiva la alusión, junto a los datos de la obra, de la idea o ideas que subyacen en la creación de cada artista. Como decía el filósofo y crítico de arte Arthur C. Danto, recientemente fallecido, “ser un artista hoy consiste en filosofar a través de medios visuales”. Se espera del espectador que desentrañe el pensamiento que la obra encierra. O que reaccione frente a lo que ve. En cualquier caso creo que la obra permanecerá en nuestra memoria en la medida en que alcance a emocionarnos, por un camino u otro. Estoy de acuerdo con Bustamante cuando dice que “el arte, si el artista es suficientemente bueno, permite al espectador descubrir cosas en sí mismo que antes ignoraba”. Y es a través de esa expansión personal que conectamos con los que nos rodean, por lejos que estén.
No tuve tiempo más que para dar una vuelta rápida por las demás plantas del edificio, Lo cierto es que, aunque a la carrera, el resto de exposiciones no me despertaron mayor interés. Disfruté más la bajada por esas maravillosas y en una época transitadas escaleras, o al menos es lo que la “huella” de sus gastados peldaños de mármol parecía insinuar.
De visita la semana pasada en CentroCentro, antiguo Correos, en la Plaza de Cibeles, tuve ocasión de ver la exposición El Arte del Presente, de Helga de Alvear. Localizada en la Planta 1, muestra 103 obras correspondientes a 76 artistas de una de las colecciones de arte contemporáneo más completas de España, actualmente ubicada en el Centro de Artes Visuales de Cáceres que rige la fundación Helga de Alvear.
Fui informada de que el precio de la entrada eran 5 euros pero que, para mi fortuna y la de algunos visitantes más, las dos últimas semanas se accedia gratis. Añadieron que la idea de la coleccionista era que la gratuidad se hubiera aplicado desde un principio pero que “había que hacer frente a los costes”, (al bajar y leer en la entrada “Comisario, Diseño de Montaje, Construcción, Montaje de Obra, Iluminación, Producción y Registro, Audiovisuales, Transporte y Seguros”, pensé que a ellos se referían). Confirmo en entrevista de Alvear para El Cultural que: “el Ayuntamiento de Madrid me propone hacer una exposición sobre la colección y sólo pido que al frente esté un profesional como María del Corral “(crítico de arte, comisaria independiente, ex-directora del MNCARS), “… me entero después que quieren cobrar entrada y protesto, porque pienso que no es entender las cosas: tenemos que enseñar ésto para que la gente vaya aprendiendo, es una oportunidad y si se cobra llegamos a menos gente.” Así todo, soprende la escasez de espectadores con quien compartí el recorrido, ¿falta de publicidad?.
Creo que sí es una oportunidad acceder a ésta recopilación de obras que comprenden disciplinas del arte actual como fotografía, vídeo, pintura, instalaciones, escultura o dibujo; seleccionados por su calidad o significación, que se muestran por primera vez en Madrid. Artistas nacionales e internacionales nacidos entre 1911 (Louise Burgeois) y 1972 (Ester Partegas) sobre los que Helga de Alvear ha apostado en su búsqueda de obras que “hablen”: “A mi me interesa el arte contemporáneo porque nos habla de nuestro tiempo y de nosotros mismos, porque crea y desarrolla un lenguaje que puede explicarnos, de una manera nueva, el mundo que nos ha tocado vivir y del que a menudo sólo rozamos la superficie”.
María del Corral estructuró la exposición en distintos apartados que abordan temas como la vida en las grandes ciudades, las relaciones que las personas mantienen con su cuerpo y con los demás o los extremos a los que la globalización nos conduce. Con una amplia representación de artistas alemanes como Ruff, Grosse, Knoebel, Sander, Schneider, Hofer, Forg, Hutte, Thiel, Struth, Gursky, Schutte, Lochner, Tillmans o Balkenhol. Españoles Irazabal, de la Cruz, Soto, Sierra, Valdosera, Muñoz, Partegas, Moreno, Uslé y Lucas. Disfruté especialmente las tres imágenes de las gemelas Jane y Louise Wilson, parte de YBA, fruto de su encuentro con los archivos Kubrick sobre el guión de una película que nunca llegó a realizar: Oddments Room II,III y IV, 2008, c-prints; su “senda” entre viejos libros hacia viajes, aventuras, naufragios o captividad. También el fondo movido, indefinido y nostálgico de la fotografía de Jean Marc Bustamante y su inquietante alusión a “aquello que se perdió es a veces más importante que lo que ha quedado”. El tronco de olivo blanco A Day Like This. Made of Nothing an Nothing Else, 2009 de Ugo Rondinone o el territorio caótico, personal y colorista más allá de las fronteras de Jason Rhoades. La luminosidad del color naranja en la obra The Cotton Fabric del portugués Cabrita Reis, Pictures of Color del brasileño Viz Muniz que interroga la condición de la fotografía en una sociedad saturada de imágenes, Road to exile (madera, algodón y botellas de vodka) de Toguo, natural de Camerún, que reflexiona sobre los flujos de seres humanos o la fotografía de Frank Thiel, Stadt 7/03, Berlín 1996, quien describe su obra como una especie de arquitectura de la transición. Muchos otros. Me llamó también la atención descubrir entre la obra de Karen Sander, consistente en pequeñas esculturas cada una en una urna independiente, el retrato de la misma Helga, satisfecha y sonriente. Están realizadas mediante la exploración por rayo láser (con cámara 3 D), cuyos datos se escanean en ordenador y posteriormente se concretan en plástico con acabado de policromía por medios mecánicos. La autora alemana trabaja sobre las relaciones entre el arte, las instituciones,y el público. Muy instructiva la alusión, junto a los datos de la obra, de la idea o ideas que subyacen en la creación de cada artista. Como decía el filósofo y crítico de arte Arthur C. Danto, recientemente fallecido, “ser un artista hoy consiste en filosofar a través de medios visuales”. Se espera del espectador que desentrañe el pensamiento que la obra encierra. O que reaccione frente a lo que ve. En cualquier caso creo que la obra permanecerá en nuestra memoria en la medida en que alcance a emocionarnos, por un camino u otro. Estoy de acuerdo con Bustamante cuando dice que “el arte, si el artista es suficientemente bueno, permite al espectador descubrir cosas en sí mismo que antes ignoraba”. Y es a través de esa expansión personal que conectamos con los que nos rodean, por lejos que estén.
No tuve tiempo más que para dar una vuelta rápida por las demás plantas del edificio, Lo cierto es que, aunque a la carrera, el resto de exposiciones no me despertaron mayor interés. Disfruté más la bajada por esas maravillosas y en una época transitadas escaleras, o al menos es lo que la “huella” de sus gastados peldaños de mármol parecía insinuar.
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