Besos

Beneton ha recuperado la estrategia polémica de tiempos pasados, cuando Oliviero Toscani sorprendía y escandalizaba a medio mundo. La nueva campaña se ha materializado en montajes fotográficos que muestran besos entre personajes públicos: Barack Obama con Hu Jintao, el Papa Benedicto XVI con Ahmed Mohamed el-Tayeb (imán de la mezquita Al-Azhar de El Cairo), Mahmoud Abbas (presidente palestino) con  Benjamin Netanyahu (primer ministro de Israel); Merkel y Sarkozy...

Según el portavoz vaticano, la campaña supone "una grave falta de respeto al Papa" y anunció que recurrirán a las autoridades competentes...

ESTE MUERTO ESTÁ MUY VIVO ( Y SU ARTISTA TAMBIÉN)

Por Ana Blázquez

Viendo el videoclip “Closer”, censurado  y añadido recientemente a la colección del Museo de Arte Moderno, introduzco el tema que gira en torno al fotógrafo Joel-Peter Witkin. El vídeo de “Closer” muestra imágenes afines a la fotografía de este artista. Y, si el vídeo está censurado, ¿por qué no este señor?

Recuerdo que estudiamos la fotografía del señor Witkin en el primer año de la carrera, y mi primera reacción fue pensar que eran fotomontajes. En estos tiempos que corren, con  el photoshop en las manos de todos , cualquiera pude manipular una imagen y conseguir cualquier resultado, pero seria como cuando descubres que Juan Francisco Casas dibuja con protector.

En este caso no se cuestiona el uso de imágenes estéticamente morbosas, sino cómo se realizaron dichas imágenes. Witkin utiliza cadáveres, manipulánlos, descuartizándolos, para hacer una lustrosa fotografía. Bastante atrás quedan los artistas que exhiben su cuerpo, los que se automutilan, los artistas esquizofrénicos explotados por el mercado del arte; mucho más atrás queda el accionismo vienés y un largo etcétera  de provocaciones que buscan como resultado   el morbo entre el personal.

Para acercanos más al pensamiento de este hombre, resumiré su vida brevemente.

Joel Peter Witkin nació el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York, hijo de padre judío de origen ruso y madre italiana católica. Fue criado en el catolicismo. Debido a las diferencias religiosas, sus padres se divorciaron. Trabajó como fotógrafo de guerra  en la guerra de Vietnam. A partir de 1967 comenzó a trabajar como fotógrafo en Nueva York, asistiendo a la Cooper Union School de Bellas Artes para recibir clase de escultura al salir de su trabajo.  Se licenció en Bellas Artes en 1974 y su tesis final se tituló “Fotografía, la rebelión contra lo místico”.

La obra de Witkin está marcada por un suceso presenciado en su infancia: un accidente de tráfico donde una niña resultó decapitada. Pero parece ser que estos hechos no están del todo claros , ya que según el artista, la prensa se ha inventado parte de esta historia. Lo que en realidad vio fue una pelota que rodaba por allí y fue en sueños donde revivió la historia, intercambiando la pelota por una cabeza decapitada.

En sus fotografías abarca,  entre otra cosas, la muerte, el sexo,la enfermedad, lo grotesco, motivos bíblicos, parodias de cuadros famosos, como por ejemplo  El nacimiento de Venus, en la aparece una reunión de transexuales . Sus  influencias  van desde  el arte barroco, las pinturas negras de Goya, hasta los primeros daguerrotipos. 

La  parte más interesante de su trabajo es el tratamiento de la belleza, juega con lo feo,lo extraño, con los freaks, los enanos, los hermafroditas, personas que en este mundo de perfección no entran dentro de los cánones de belleza.

“Me considero retratista pero no de gente, sino de la condición del ser. Mi esperanza no se centra en mostrar la insania de nuestras vidas, también pretendo que mi trabajo sea visto como la historia de lo diverso y desesperado de nuestro tiempo”.(violentus.wordpress.com/page/12/)

Si aprobamos la concesión de cadáveres para fines científicos ¿ por qué no para fines artísticos? Cierto es que dentro de este uso en medicina, se abre una polémica en torno a la utilización de cadáveres de indigentes, presos, y  aquellos que han sido declarados como desconocidos en las morgues, ya que  éstos  no han dado su permiso para que se utilice su cuerpo. Pasando el mismo planteamiento del ámbito de la medicina al campo artístico, nos preguntamos: ¿Es necesario realizar estos actos para conseguir la fotografía perfecta?. Por una lado,  nuestra moral nos dice que eso está mal. Por otra parte , hay que reconocer que las imágenes están cargadas de  contenido estético, son atractivas, aunque en muchas ocasiones generen repulsión.

Ante posibles replicas, estos son los argumentos que el artista utiliza en su defensa:

"La muerte es una parte de la vida, es la gran puerta por la que todos nosotros entraremos algún día  y creo que no debe ser evitada en ningún tipo de expresión o diálogo expresivo. Mis fotografías de restos humanos se han hecho con todos los permisos, con el conocimiento de que hay implicaciones médicas y morales, y nunca fotografiaré a nadie sin permiso, porque mi propósito es positivo, no oscuro, lo que hago se hace siempre de la forma más humilde, reverente y siguiendo fines elevados." 

Sería bastante curioso contemplar cómo Witkin forma un composición muerta. ¿Utilizará cuchillos de carnicero? ¿Qué hace con los restos tras la ejecución de la fotografía?.

Pero dentro del altercado que esto puede generar, que nadie se alarme del todo,  ya que aún hay varios artistas  por nombrar, que levantan el doble de polémica. 

Divulgación y pedagogía

Por Martín Peño.

El lunes 14 de noviembre se anuncia (diario Público) dos exposiciones con el título de ¡Volumen! y La persistencia de la geometría. El primero corresponde a  la muestra que se relizará en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) y el segundo a  la que se presentará en diciembre en Madrid en La Caixa.

Esculturas, pinturas, fotografías e instalaciones realizadas en un período que va desde los años cincuenta hasta la actualidad y centrada en el sonido como un elemento más de la producción artística. Las dos muestras nacen con una voluntad similar: la de reconstruir la memoria del arte reciente, y la de mantener un espíritu abierto que permita que crezcan las interpretaciones del acuerdo firmado hace un año entre la Fundación Macba y la Fundación La Caixa, para unir los fondos artísticos que atesoran ambas entidades. En este sentido se aclara que hay un presupuesto común pero modelos independientes a la hora de adquirir y programar obra. Para La Caixa supone un solape en cuanto a sus fondos, deficitarios relacionados con las décadas 60´ y 70´. El artículo está apoyado con los comentarios de Bartomeu Marí, director del Macba y comisario, y Nimfa Bisbe, directora artística de la Fundación de la caja catalana.

El enfoque del artículo se presenta interesante, ya que pone sobre la mesa el habitual tema en torno  a la divulgación del arte como elemento de conocimiento general y popular, en contraposición al elemento elitista intelectual y económico: “las instituciones culturales no sólo tenemos la obligación de explicar las obras hacia un público exquisito, sino también hacia aquellos que, demasiado a menudo, olvidamos" además Marí, opina que la relación con el arte debería ser desde temprano coincidiendo en el aspecto pedagógico con Bisbe. La fórmula de convenio entre instituciones es una práctica habitual, pero lo que en este tipo de contratos suele haber es cierto grado de “escepticismo”.

En torno a la función, habría que comprender que la labor de una institución cultural, no en su totalidad pero en su mayoría de carácter público, como es el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona no tiene porqué ajustarse a los intereses ni modelos de  gestión de una entidad privada como lo es La Caixa. Es decir, cuando se afirma la voluntad de realizar este tipo de colecciones, entendemos que  aunque supone un mismo fin, en el caso del ente público, su condición de ser, es la formación, divulgación y propagación de la cultura de forma general, y en este caso el hecho artístico. De manera que se plantea en qué medida se beneficia la entidad privada con respecto a la pública y viceversa.

La cuestión de los modelos de convenio o colaboración entre instituciones públicas con entidades privadas, en un país dado a los chanchullos y desvíos de fondos públicos siempre es delicada. Tendremos que acostumbrarnos a métodos donde la rigurosidad sea norma y haya gente adecuada en su labor, donde el bien público no sea centro de especulación, aunque se disfrace de buena intencionalidad y generosidad. Que las iniciativas independientemente de su carácter, redunden en el bien común, pero no de cualquier manera.  

Centrándonos en las exposiciones, a falta de ver la de Barcelona acudiremos a la versión madrileña. Según el director del Macba "la biodiversidad cultural es una condición para el desarrollo de las culturas, por tanto, que haya discursos y miradas distintas sobre objetos similares hace el panorama más rico". A parte de que esto parezca sacado de un documental de La2 sobre los indios del Amazonas, el comentario se entiende desde esa pluralidad de distintas disciplinas relacionadas con el arte. Pero nos preguntamos, y a la espera de que llegue a la capital para resolver la duda que nos asalta, si a lo que se refiere, es que si se expondrán unos fondos en los que se refleje un período de la historia artística del país con su idiosincracia y forma de entender el arte, deudora aún de una tradición artística academicista decimonónica o  una muestra ajustada a los gustos e ideas posmodernistas característicos de un arte internacional que aquí se dió con posterioridad y con ciertos matices. “La exposición ¡Volumen! no brinda últimas palabras pero sí ofrece hipótesis sobre cómo interpretar el profundo cambio que se ha producido en la materialidad de la producción artística desde el cambio de siglo hasta hoy". Esto nos pone en relación con los fondos de arte moderno autóctono del Reína Sofía, y la conveniencia de mostrar la particularidad cultural local en correspondencia con el arte que se daba fuera y su contexto.

Hay un momento del artículo, que parece como una luz al fondo del túnel. Que nos hace pensar   casi casi, que  hubiera vida; que se pueden hacer cosas con buen criterio y mesura: “las reducciones presupuestarias no han condicionado el acuerdo, la idea surgió antes de los recortes, aunque no se puede negar que ahora esta unión nos conviene mucho porque nos permitirá continuar programando en mejores condiciones. Creo que la respuesta más inmediata que pueden ofrecer los museos hoy en día es la de dar valor a las propias colecciones, y estos fondos son un capital muy importante en estos momentos", argumenta Bartomeu Marí. Y con la que está cayendo... ¿por qué no se hacían estos planteamientos antes del desastre?

La "privatización" del poder político

He incluido comillas en el título y no sé si es gramaticalmente correcto...
Con intención irónica, en alguna entrada propuse que tanta privatización —en los sectores culturales, sanitarios, educativos, etc.— debiera comenzar con la del poder político...
En ocasiones los dioses, que no tienen sentido del humor, se burlan de los humanos y les conceden sus deseos, incluso aunque sean retóricos o metafóricos: Italia y Grecia ya tienen gobiernos "privatizados", por inspiración de quienes pasean  bajo los tilos (Unter den Linden).
Ahora sólo falta que la clase política europea se apunte al paro y habremos resuelto el problema de la deuda. Malos tiempos para la creación cultural.

F. Gehry, DZ Bank, Berlín (Unter den Linden)

“Fogarasi go home”

Por Patricia Puchol Carabaña

La  exposición que se está llevando a cabo en este momento en el Reina Sofía del artista Andreas Fogarasi, “Vasarely go home” se puede considerar como un nuevo formato dentro del mundo de las exposiciones, algo tan insólito que deja de ser una exposición para pasar a ser lo que yo llamaría como una muestra desordenada de las obras…

Las diferentes piezas de las que se compone la serie se encuentran distribuidas por las amplias instalaciones del Museo Reina Sofía. Podría encontrarse algo de sentido común y coherencia, si las piezas estuvieran colocadas a una distancia razonable como para poder seguir de una en otra sin perderse. Y en tal caso si el recorrido a seguir tuviera un significado o persiguiera algún fin.

Pero me temo que no es el caso. Las piezas se encuentran distribuidas sin ningún tipo de concepto a seguir por el museo. En lugares tan insólitos como los pasillos, la terraza superior… da la sensación de que se trata de piezas olvidadas que no guardan relación unas con otras, ya que en varios casos  se encuentran en simples lugares de paso, o sitio a los que la mayoría de la gente no llega.

¿Con qué fin se hace algo así? ¿Para qué se consigue y se prepara una exposición, si después se va a descolocar y desquitar de cualquiera estructura posible? No posee un planteamiento claro, no hay principio y fin, no hay textos explicativos ni presentación… simplemente piezas danzando a sus anchas por el museo.

Acaso el museo persigue un objetivo contrario al de cualquier institución que presenta la obra de un artista: desacreditar su obra y echarla a perder.

Irónicamente observo esta “exposición” y me planteo si el Reina Sofía ha querido hacer lo mismo que János Major le hizo a Vasarely (hecho sobre en el que se inspira la obra que se presenta). Es posible que a su modo se pueda interpretar esta muestra de la obra como un “Fogarasi go home” por parte del museo.

MOVISTAR APOYA A LOS ARTISTAS

por Oscar Riquelme

Hoy, como un buen sábado que se precie, estaba viendo la televisión y, como buena cadena privada que veía, estaban emitiendo publicidad. En cierto momento salió un anuncio de Movistar, en el que un variado grupo de gente hacían una votación para eliminar horarios de no-sé-qué-mierda.

El caso es que cada uno exponía que le venía mejor una hora por tal o cual cosa. ¡Cuán grande fue mi sorpresa al ver que entre esa gente había un artista! Un hombre joven, con aspecto algo desarreglado, acento argentino y cuya intervención seguía a la de unas chicas que decían hacían nosequecosa a cierta hora, y era cuando él decía: "A esa hora es cuando sho me levanto, verán es que soy artista y estoy trabajando en una abstracción de la Divina Come..." Y un fuerte abucheo acaba con su texto.

No he podido evitar tener sentimientos encontrados, y casi sentirme insultado como artista (o como intento de ello) que soy. Por lo que ya sé de mis bastos conocimientos sobre publicidad, los anuncios van enfocados a un público concreto por medio de los tópicos y perfiles de usuario. En este spot en concreto hacen como una asamblea rollo 15-M en el que hay gente muy diferente, por lo que se deduce que tratan de llegar al mayor público posible.

Bien, hasta ahí correcto. Pero quiero analizar al artista, que es lo que me toca: 

-        Vago. Se levanta tarde, y como pretexto dice ser artista. Por lo tanto, el primer estereotipo de artista es alguien que no tiene horarios y trabaja cuando quiere.

-        Argentino. Aquí hay que echar mano a los tópicos más extendidos, los que dicen que los argentinos son unos charlatanes y unos pesados, que se consideran más inteligentes de lo que son.

-        Es joven. Los jóvenes no saben lo que quieren, tratan de vivir siguiendo la Suprema Ley del mínimo esfuerzo, topicazo actual, de nuevo.

Todo esto lo sumamos y tenemos un individuo indeciso, perezoso y charlatán representando al mundo del arte (de la pintura, supongo, por aquello de la abstracción) en un spot donde, si no fuera poco con todo eso, es abucheado por todos. Asíque uno puede llegar a la descabellada conclusión de que Movistar es una empresa que tiene esa opinión de los artistas jóvenes y que deben ser abucheados y acallados.
Tras esta reflexión que tuve en una fracción de segundo, puse esto en un buscador: "movistar arte". Y qué curioso, aparece una página de facebook sobre la finalista de un concurso de arte joven... de ¡Movistar en Argentina!

Saquen sus propias conclusiones, pero yo sólo puedo llegar a una con cierta lógica: Debo dejar de ver televisión o preparar un blog propio para llenar con los escritos que van a surgir de mis breves visitas a la caja tonta.

(Por cierto, me encantaría poner un enlace al anuncio, pero por lo visto es muy difícil encontrar un spot concreto y actual cuando lo buscas, pero que nadie se sorprenda si sale antes de algún video de  Youtube.)

¿Arte urbano?

De Escrito en la Pared:

Documentocero: Arte urbano en Madrid from numerocero on Vimeo.

¿Arte que huye de los museos? ¿O arte "curricular"?
¿Contra la higiene visual? ¿La calle como imperio expresionista?
¿Narcisismo desbordado?¿Arte de Peter Pan?
¿Expresión estética o de inmadurez social? ¿Simple gamberrismo?
¿Incivismo estético contra la corrupción municipal?

Jonathan Meese "War 'Saint Just (First Flash)"' at Gallery Bortolam, N. York

Arturo Prins me envía el enlace a este vídeo... realizado en la galería Bortolami de Nueva York.

Hace unos días, Ken Jhonson se preguntaba dónde están los límites que separan las performances de la comedia.... inducido por la exposición de Maurizio Cattelan en el Guggenheim y por otros eventos recientes: Dina Seiden, Bedwyr Williams, Reggie Watts...
Me pregunto si el arte no estará jugando una baza peligrosa, favoreciendo por la vía estética cierta "trivialización" de las expresiones críticas o de protesta. Me he acordado del Speakers' Corner de Hyde Park, de los alrededores de Parlamento Británico, de Briam Haw, de Mark Wallinger y, por supuesto, de la Puerta del Sol. 

LOS BIENES DE "LA FRANJA"

Por Mª Lorena Pérez Berges

El origen de este conflicto, que hace ya unos 13 años aproximadamente enfrenta a las diócesis de Barbastro-Monzón y Lérida, radica en las diferencias históricas en las que se impusieron los límites diocesanos y administrativos en el territorio español. Los límites diocesanos entre Huesca y Lérida se fijaron mucho antes que los límites territoriales entre Aragón y Cataluña. Un tiempo más tarde la iglesia llevó a cabo una reforma entre sus sedes episcopales, creando así la diócesis de Barbastro que tomó parte de Huesca y de Lérida.

Con esta nueva reforma, la diócesis de Barbastro contenía partes de ambos territorios y los límites diocesanos y territoriales no coincidían, pero se mantuvieron así. Tuvo que ser entre 1995 y 1998 cuando se creó definitivamente el obispado de Barbastro-Monzón y se incluyeron en él las 111 parroquias que aun seguían en dominios ilerdenses.

Aclarados definitivamente los límites territoriales y diocesanos con coherencia, el obispo de Barbastro pidió el regreso de los bienes de estas parroquias que ahora pertenecían a la diócesis de Barbastro-Monzón, que se encontraban (y se encuentran) en el museo Diocesano de Lérida.

El decreto de la Nunciatura Apostólica de 1998 establecía que los bienes se encontraban en el Museo Diocesano de Lérida a modo de “deposito” no de “propiedad”, de modo que en el momento que sus dueños reclamaran sus posesiones la Diócesis de Lérida debía devolver los bienes a sus verdaderos poseedores. Pero la Diócesis de Lérida no hizo caso de este decreto y recurrió esta orden a la Congregación de Obispos iniciando así “el conflicto de los bienes de la franja”.

El Vaticano le ha dado la razón al obispado de Barbastro hasta en tres ocasiones (1998, 2005 y 2008) y estipuló que la diócesis de Lérida debía devolver las 113 obras de arte y poner los medios necesarios para encontrar otras doce piezas perdidas bajo su custodia. La diócesis de Lérida ha recurrido dichas órdenes, e incluso ha llevado el conflicto a los tribunales civiles implicándose así la Diputación de Lérida, la Generalitat de Catalunya y el Gobierno de Aragón.

De esto podemos extraer que la diócesis de Lérida lleva ya 13 años de retraso para devolverle a la diócesis de Barbastro-Monzón lo que es suyo y según la Ley del Patrimonio Histórico Español:

“Art. 2. º 1. Sin perjuicio de las competencias que correspondan a los demás poderes públicos, son deberes y atribuciones esenciales de la Administración del Estado, de conformidad con lo establecido en los artículos 46 y 44, 149. 1.1 y 149.2 de la Constitución, garantizar la conservación del Patrimonio Histórico Español, así como promover el enriquecimiento del mismo y fomentar y tutelar el acceso de todos los ciudadanos a los bienes comprendidos en él. Asimismo, de acuerdo con lo dispuesto en el artículo 149.1, 28, de la Constitución, la Administración del Estado protegerá dichos bienes frente a la exportación ilícita y la expoliación.

(…)3. A la Administración del Estado compete igualmente la difusión internacional del conocimiento de los bienes integrantes del Patrimonio Histórico Español, la recuperación de tales bienes cuando hubiesen sido ilícitamente exportados (2) y el intercambio, respecto a los mismos, de información cultural, técnica y científica con los demás Estados y con los Organismos internacionales, de conformidad con lo establecido en el artículo 149.l, número 3, de la Constitución. Las demás Administraciones competentes colaborarán a estos efectos con la Administración del Estado.

(…)Art. 4.º A los efectos de la presente Ley se entiende por expoliación toda acción u omisión que ponga en peligro de pérdida o destrucción todos o alguno de los valores de los bienes que integran el Patrimonio Histórico Español o perturbe el cumplimiento de su función social. En tales casos la Administración del Estado, con independencia de las competencias que correspondan a las Comunidades Autónomas, en cualquier momento, podrá interesar del Departamento competente del Consejo de Gobierno de la Comunidad Autónoma correspondiente la adopción con urgencia de las medidas conducentes a evitar la expoliación. Si se desatendiere el requerimiento, la Administración del Estado dispondrá lo necesario para la recuperación y protección, tanto legal como técnica, del bien expoliado (6).”

Conforme a dichos artículos de la Ley del patrimonio histórico español, podemos deducir que la Administración del Estado tendría que haber recuperado ya los bienes y haberlos llevado a su lugar de origen, pero ¿Por qué no se ha hecho a pesar de tener una sentencia firme?

Quizá el Gobierno Central no considera a Aragón una comunidad con importancia ni peso político a la hora de las elecciones y por eso no se atienden sus demandas, en cambio cuando la Generalitat de Catalunya le reclamó a Salamanca los documentos sobre la guerra civil sí que era un tema importante y de actualidad que abría muchos informativos, y al final los documentos volvieron a su lugar de procedencia.

Aun no he visto que en ningún informativo nacional se haya mencionado este tema, ni este ni muchos de los problemas de la comunidad aragonesa.

¿Volverán algún día los bienes a Aragón? ¿Qué más tiene que hacer la diócesis de Barbastro-Monzón para que se le devuelva lo que es suyo?

Lo peor de todo es que a pesar de tener una sentencia firme por lo eclesiástico y por lo jurídico-civil y que aún no se hayan devuelto los bienes, es que ni a Monseñor Piris, ni a la diócesis de Lérida, ni a la Diputación de Lérida ni a la Generalitat de Catalunya se le ha sancionado. Y claro, si no hay ningún tipo de sanción mucho me temo que los bienes continuaran en el Museo de la Diócesis de Lérida en vez de estar en un museo en Aragón.

Los espíritus que hablan con Anne Germain viven en la cara de Jordi González

Por Óscar Riquelme

No os podéis imaginar la suerte que es convivir con una abuela, una abuela de esas abonadas a Telecinco durante más de 5 ó 6 horas diarias. De esta manera, aunque uno no quiera, se entera de lo que pasa en la tele entre canción y canción cuando tienes los cascos a todo volumen. No se vaya a pensar nadie que voy a dedicar esta entrada a mi querida abuela (aunque bien se la podría merecer) sino que voy a hablar sobre una de esas informaciones residuales que me llegan desde el salón; concretamente del programa "Más allá de la vida" en el que una médium prestigio (no sé en qué circulos, pero como habla en inglés debe de ser prestigiosa) contacta con espíritus de familiares de famosos y más tarde con las almas que acompañan al público, mientras el Jordi González, el presentador va traduciendo lo que dice esta señora.

"Jo, Óscar, ¿qué me estas contando? ¿Qué tiene esto que ver con el arte o las clases?" Tranquilidad, ya lo explico: Al empezar este programa el martes pasado, no pude evitar recordar la definición de arte que daba Alicia Murria en un reportaje de la2 sobre la presentación de la exposición Futuropresente del año 2000: "El arte es un dispositivo para la reflexion, para el disfrute, para conocerse a si mismo y a los otros" (más o menos).

Y aquí empiezo. Esta definción, bastante aceptable de arte, ¿se podría aplicar al espectáculo? El espectáculo se puede entender como forma de arte y si aburre, no dice nada, no sirve de nada. Sin embargo, no termina de convencerme eso de vender sentimientos íntimos y de personas concretas como un espectáculo...  Creo que la base de lo que se me pasa por la cabeza es que es lícito estimular (que bonito término) los sentidos y sentimientos en un espectáculo, en una obra de arte; pero aprovecharse y manipular esos sentimientos de la gente como en este programa es una verdadera estafa, con todas las letras (si alguno es seguidor de series, en "El Mentalista" explican unos cuantos trucos, así como en este enlace http://blogs.elcorreo.com/magonia/2010/08/09/mas-alla-la-vida-trucos-los-mediums-la-tele-para/ ).

Pero claro, es una manera muy sencilla de conseguir la empatía del público. Todos hemos perdido a alguien cercano, y es esa identificación con el invitado de turno lo que vende. Pero aún es mayor la empatía con esas pobres mujeres mayores (en su gran mayoría lo son) que han perdido a su marido u otro familiar recientemente y que cuando la señora Germain se gira hacia el público ya están llorando como magdalenas, deseando y a la vez sufriendo por si "hablan" con su ser querido.

Diría que por suerte esto se emite a media noche y que los niños se libran de verlo, pero es la tónica de esta cadena a todas horas: Hablar de alguien, sacarle las tripas, y ensuciar con su contenido montones y montones de folios con los que luego se documentan. Todo metafórico, claro, pero era para explicar que viven de sacar mierda. Mierda que en el caso de la medium saca con afirmaciones genéricas y que las propias víctimas van proporcionando.

Por último, ya que hablo de fantasmas y espíritus, de malos y buenos ejemplos para la juventud, creo que me quedaría con Goku. Al contrario que el contenido de estos programas que abundan en Telecirco y que fomentan la desconfianza, la mala leche, las faltas de respeto continuadas (en unos gritan e insultan, en otros estafan, falta de respeto igual) yo prefiero mirar Dragon Ball, que aunque ciertamente es una serie con contenido violento, lo que en realidad exalta es la amistad, la interculturalidad (Goku es de otro planeta, al igual que Picolo), la unión ante la adversidad, el ejercicio y alimentarse bien. Y es que era todo un espectáculo ver esas peleas, cuando Belén Esteban o Jordi Gonzalez sepan volar o hacer la onda vital, que me llamen.

That's all, folks

La portada de The Economist acaso sea telón histriónico a la carrera política de Berlusconi, que, según sus creadores gráficos, podría pasar a la historia en el emparedado definido por la sátira de Thomas Couture y la trivialidad de Bugs Bunny...

Da que pensar. Los dibujos animados proporcionan el gag de impacto y la pintura de Couture el potenciador reflexivo. Thomas Couture pintó Los romanos de la decadencia (Musée d'Orsay) en 1847, un año antes de que muchos países europeos conocieran uno de los fenómenos revolucionarios más importantes del siglo XIX, del que surgieron algunas transformaciones políticas de gran trascendencia. Los fenómenos más destacables: 

- La II República francesa.

- La Märzrevolution de Alemania marcó el comienzo de la Alemania actual.

- Los movimientos revolucionarios en los estados austriacos.

- Los conflictos políticos activados con violencia por toda Italia: Primera Guerra de la Independencia Italiana.

- Los movimientos obreros, progenitores de las organizaciones sindicales del siglo XX. 

El arte, que suele ser notario solemne del presente, en ocasiones, abre ventanas hacia el futuro.

PREMIO NACIONAL DE TAUROMAQUIA

Por María Gil González

Pocos días atrás abríamos un debate sobre si el toreo es un arte o una barbaridad. Pues bien, casualidades de la vida, esta semana se hacía público que el Ministerio de Cultura se ha sacado de la manga un nuevo galardón, el Premio Nacional de Tauromaquia, que dotará de 30.000 euros a “los méritos extraordinarios de un profesional del toreo”, cuyos requisitos son “cualquier profesional en todas sus diferentes manifestaciones (torero, ganadero, empresario, etc) y persona o institución que haya destacado por su labor en su favor de la difusión de los valores culturales de la tauromaquia”.

Vamos a dejar a un lado la catalogación de cultura que le otorgan al toreo y, centrémonos en el hecho de que el premio “es el reconocimiento de la actividad taurina como disciplina artística”. ¿Disciplina artística? ¿Cómo? No será que el afán de cierto sector por hacer prevalecer las corridas de toros sobre todas las cosas utiliza la palabra arte como pretexto para la perdurabilidad de esta tradición cultural.

No, claro que no. Tengamos Esperanza.

Esperemos que ahora que han creado un premio específico para la tauromaquia, dejen en paz la Medalla al Mérito en las Bellas Artes y se reconozca de una vez por todas a los verdaderos artistas, que también están ahí.

Reflexiones en el Esteban Vicente

Por Yari Yuna

Aprovechando que los jueves la entrada es gratuita me acerqué al museo Esteban Vicente de Segovia para ver qué se encontraba expuesto estos días. Tuve la suerte también de acudir a la visita guiada que parece ser, fue realizada por una de las propias comisarias de la exposición. Sin embargo éramos únicamente dos personas siguiendo la visita, una de ellas un tanto obligada al sentirse incómodo de decir en público que no, un muchacho estudiante de diseño en Valencia. La exposición consistía en piezas de collage y unas pequeñas piezas escultóricas en madera. Gracia tenía que aquellas piezas de madera para el propio artista no eran consideradas obras de arte, sino piezas salidas del aburrimiento, divertimento, un juego. Y ahí estaban expuestas. Uno de los collage resultaba ser una pieza perteneciente al MOMA neoyorkino. Particularmente solo captaron mi atención unas pocas, mientras el resto me parecían intentos y experimentación. ¡Eran trozos de papeles de colores colocados estratégicamente sobre un lienzo! Incluso había uno que me recordaba a un huevo frito y una taza de desayuno. Por desgracia no se permiten hacer fotos en el interior del museo. Había otro collage con la bandera de la España republicana que me animó a preguntar a la comisaria qué pensaba sobre la relación entre la política y el arte. Ella consideraba que muy pocos artistas vinculan a la política sus obras de arte. Yo no sé si pienso lo mismo. Y aquí terminó mi visita de la semana en el Esteban Vicente.

Game Story. Una historia de los video-juegos

Ayer se inauguró en el Grand Palais de Paris una exposición comisariada por J.B. Clais, centrada en los videojuegos, presentados desde el punto de vista estético y cultural ("Cette exposition vise donc à l’aborder sous un angle différent, esthétique et culturel").

Casi cien propuestas, entre juegos, consolas y ordenadores, se ponen a disposición del público para lo que cada cual estime oportuno, sin eludir la manipulación lúdica.

"Mêlant image animée, musique, dialogues, scénarios complexes et interactivité, le jeu vidéo est devenu au fil du temps un objet culturel à part entière et un véritable mode d’expression."  

Delacroix en CaixaForum. No es para tanto

Dentro de los patrones expositivos habituales  —de notable alto—, La Caixa nos ofrece una exposición de Delacroix, con el previsible éxito de público. Es agradable contemplar obras de uno de los pintores más interesantes y promocionados del siglo XIX, aunque sea en cantidad tan exigua. El aficionado especialmente interesado en la obra del pintor francés disfrutará con una colección difícil de reunir... Los demás seguramente saldremos defraudados porque apenas hay media docena de las obras que esperamos ver cuando acudimos a una exposición de Delacroix. Entre todas ellas, me ha emocionado  La agonía de Grecia en las ruinas de Missolonghi... Y me he preguntado cuantas personas "de gusto refinado" ", como Lord Byron,  y de "gustos comunes", como cualquiera de nosotros, estarán padeciendo las penurias actuales entre las ruinas del Palacio Real de Otón y Amalia.

"La tentación de la pintura pura está siempre presente en la obra de Delacroix. ¿Cómo un arte tan material puede llegar al alma del espectador y transmitirle tan profundas emociones? En sus escritos, el artista habla del "acuerdo mágico" que permite a la pintura apoderarse de quien la contempla" (en un panel de la exposición)

¿Magia de la pintura o de la mirada?

El magisterio de Tele Madrid

Según la televisión de doña Esperanza, en el Madrid medieval  anterior a "la Reconquista" había  una comunidad de "católicos visigodos" mozárabes, vinculados con Roma, que debían ocultar sus prácticas religiosas a los ojos de las autoridades emirales. Según la misma fuente el culto a la Virgen sería una tradición muy arraigada en época visigoda... 

¡Las cosas que se aprenden en Tele Madrid!

Sólo un par de acotaciones, para quienes no estén familiarizados con esos asuntos:

1. En Alándalus (al-Ándalus), los cristianos andalusíes, en general, no sufrieron persecuciones. Sólo se conoce un conflicto serio, ocurrido durante el siglo IX: los "mártires voluntarios", movilizados por Eulogio (san Eulogio), para intentar detener la progresiva islamización de los andalusíes (los musulmanes tenían mejores condiciones fiscales). El conflicto se resolvió gracias al concurso de la mayoría de los prelados cristianos, que no sentían demasiada incomodidad bajo el gobierno de Córdoba. Desde ese momento no se conoce "persecución" alguna. Es más: los obispos cristianos estaban perfectamente integrados en la etiqueta palatina del califato de Córdoba (siglo X).

2. Reivindicar la herencia cristiano-visigoda en las tradiciones hispano-cristianas a estas alturas es alucinante. Los datos históricos nos informan, precisamente, de lo contrario: el impacto cultural de las "invasiones de los pueblos germánicos"—por mucho que las enfatizaran los ideólogos franquistas para respaldar el parentesco con los alemanes— fue mínimo. Además, las autoridades visigodas debieron abjurar del arrianismo relativamente tarde (Recaredo, 587) para evitar conflictos con los cristianos hispanos, que habían asumido dogmas más ortodoxos.

Parece obvia la intención de las autoridades políticas y religiosas de borrar de la Historia  la "fundación" de Madrid en época de Muhammad I. ¡Qué vergüenza!

Santiago Valenzuela

Santiago Valenzuela ha sido galardonado por el ministerio de cultura con el Premio Nacional del Cómic por su obra Plaza Elíptica. 

Arte transgresor o la transgresión del arte

Por Martín Peño

Entré en la página de artivismo.es y me detuve en leer un artículo sobre la Norgweian School of Economics, NHH (Escuela de Negocios Noruega) fechado el 8 de octubre de 2011. Hacía referencia a las actividades programadas en los meses de julio-agosto de 2011 y concluídas el 6 de septiembre. En ellas se invitaron a cinco artistas urbanos (Escif, M-City, EINE, Hyuro y Dolk), y fueron  completadas las jornadas con charlas sobre este arte y el Capitalismo, pintándose nueve murales en las que se hacía una crítica más o menos explícita, en lo que parece fue un enfrentamiento cara a cara entre caballeros. De esas intervenciones se puede ver el vídeo.

Lo que realmente me llamó la atención de todo esto no fue la noticia en sí misma, sino el artículo   de Manuel Alcántara-Plá, el cual comienza: “Hablando se entiende la gente, ¿no? Eso debe de ser lo que han pensado en la Escuela Noruega de Economía. Se autodenominan elitistas(...)” rematándolo con “seguro que el atrevimiento (¿o debería decir reconocimiento?) ha merecido la pena”.

De verdad que no acabo de entender si el final contiene cierta carga de ironía, o si por el contrario es una afirmación inocente, por clasificarla de alguna manera. Si es la primera opción estaría bien que se extendiese más el artículo y así podríamos entender al autor. Si es la segunda opción, desconcierta. Me da qué pensar y buscarle alguna explicación. No quiero negar el hecho, de que tal comentario haya sido escrito con las mejores intenciones, pero si esto refleja el momento en el que vivimos o el grado de agudeza crítica que se respira, y más en ciertos sectores, pues a mi entender,  no estamos muy acertados...y por lo que se puede observar me temo que pueda ser así.

Inmediatamente de haber leído esto, me vino a la cabeza la exposición de fotografía montada en el Pabellón Villanueva del Jardín Botánico, Growth y la reseña en el blog Fotografías y banqueros de Alp. También la entrevista realizada al artista brasileño Marlon de Azambuja en El Cultural (4/11/2011) en la que dice “para mí, que creo en el poder transformador del arte, me parece fundamental que se hable y se piense sobre cómo se da ese encuentro entre el arte y el espectador. A la conclusión que llego es que las personas aprecian y agradecen cualquier herramienta de pensamiento que se le proporcione. Lo más poderoso del arte, de hecho, es la posibilidad que ofrece para cambiar lo que pensamos.” Un discurso ya conocido.

Si no nos despistamos y entrando en lo político, llegamos a entender la capacidad que tiene el Poder en general, y el sistema capitalista en concreto de fagocitar y eliminar cualquier propuesta de transformación y crítica respecto a sus planteamientos, cuando no, de forma ilusoria crearlos, formulando iniciativas que como mucho llegan a ser reformistas, sacándoles rendimiento.

En este sentido el arte a través de la Historia ha sido un elemento que ha servido tanto para afianzar la dominación como para negarla o cuestionarla. Algo que ahora parece no está tan claro.  

Estamos viviendo unos momentos en los que cualquier forma de crítica pasa a formar parte de un espectáculo mediático en el que las ideas y reflexiones son convertidas en opiniones casi carentes de contenido. Se ha creado el papel de un espectador partícipe, en una gran performance en la que importan más las formas que los contenidos, dándole un carácter meramente estético a la acción, donde se introducen elementos éticos y morales disfrazados de intencionalidad política. En este escenario o si se quiere en esta foto, si no se aparece es que no existes. Ahí está el logro de haber eliminado cualquier disidencia auténtica y potencialmente peligrosa, si no eliminándola, sí absorbiéndola o  ignorándola.

La fórmula de conocer al adversario para combatirlo siempre ha sido una estrategia efectiva  empleada. Por ejemplo en los seminarios (de la Iglesia). Siempre ha habido espacio para poder escuchar cualquier deriva ideológica y/o política, con el fin de conocer cómo piensa el otro y poder afrontar su discurso. Es una manera de neutralizar previsibles problemas o adelantarse en el pensamiento.   

La frase final del comentario de Manuel Alcántara-Plá parece reflejar la idea del caballo de Troya, la de haberle colado un tanto al adversario en su campo y sin haberse enterado, pero más bien parece que los artistas han sido los ratones de laboratorio que han servido como objeto de estudio. Si es que es cierto que ellos  mismos se han creído su mensaje. Si no ¿por qué lo harían? 

TODOS QUIEREN SER 15M

Por Laura Madrid

Investigando sobre los distintos partidos políticos que presentaron su candidatura para las próximas elecciones generales del 20 de noviembre descubrí, ante mi sorpresa, la existencia del “Partido del Movimiento Ciudadano 15 de Mayo”.  Este partido, que nada tiene con el “Movimiento 15-M”, está representado por José María Rivera Córdoba y curiosamente fue registrado como partido político el 24 de julio de 2007. Tras la aparente visión de futuro de sus integrantes todo queda reducido a una tremenda astucia de un partido minoritario y casi desconocido llamado “PAE-UVE” (Autónomos de España - Unión de Verdes y Ecologistas) que, aprovechando la coyuntura, se apropió de este nombre para intentar recolectar una mayor cantidad de votos. Por supuesto, la reacción de los indignados no se hizo esperar y el 23 de octubre hicieron un comunicado negando cualquier posible vinculación con este partido político.

“El Partido del Movimiento Ciudadano 15-M” presentó las candidaturas para las provincias de Madrid, Sevilla, Valencia y Alicante, sin embargo, las Juntas Electorales Provinciales han desestimado las candidaturas alegando que no cumplen las condiciones necesarias consistentes en reunir el 0,1% de avales del censo de la circunscripción por la que se presenten.

Por lo visto no son los únicos que se han subido al carro y han tratado de aprovechar el filón que puede suponer tener un nombre que haga referencia al 15M ya que también existe “Candidatura 15M”. Si entramos en la página web de este partido (www.candidatura15m.com), sus miembros, justifican de esta manera la creación del mismo:

[“Candidatura15m” nació de la ideología del movimiento 15M en forma de Plataforma Social creada por ciudadanos/as que han estado vinculados/as al movimiento en diferentes reivindicaciones (asambleas, grupos de trabajo, manifestaciones). Creemos que la lucha en la calle es necesaria, pero también creemos que es necesario evolucionar y seguir luchando con las mismas armas del sistema para cambiarlo desde dentro; toda una operación "Caballo de Troya". Es por eso que hemos evolucionado para constituir este partido político con el fin de transformar nuestra indignación en votos.

"Candidatura15m" no representa a todo el "movimiento 15m" pero sí es una parte de él, que ha tomado esta decisión para crear de esta forma un partido que SÍ NOS REPRESENTE…]

Resulta cuanto menos llamativo cómo la gente aprovecha cualquier hecho en su beneficio. En estos tiempos de crisis hay que ahorrar, hasta en ideas, y que mejor que apoderarse del nombre y propuestas de otros, si nadie se va a dar cuenta… 

Steve Coleman and Reflex

Por Silvia Martín Vázquez

En el festival de Jazz San Juan Evangelista, con Steve Coleman (saxo alto), David Virrelles (piano y teclados), Marcus Gilmore (batería), se pude apreciar un forma musical rica en matices, en una combinación de melodías de distintos orígenes, aderezadas con improvisaciones propuestas por alguno de los tres. El estudio de la relación del lenguaje con la música y los símbolos le ha llevado a viajar por África, Cuba, India, Indonesia y Brasil, para acercarse a diferentes tradiciones musicales y culturales, que han enriquecido un poso que está en el fundamento de la solidez interpretativa de Steve Coleman y sus compañeros.

Es una pena que estas formas musicales no puedan llegar a la gente por falta de promoción.

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"El Barça es una expresión artística novedosa que ha generado cultura"

Marcelo Bielsa, entrenador del Bilbao Athletic, dixit

Fundación Juan March. Aleksandr Deineka (1899–1969). Una vanguardia para el proletariado

Tiene gracia que la fundación Juan March, generada por la entidad financiera que facilitó los primeros planes de Franco, sea una de las entidades más activas en la difusión del arte soviético en España... Ha de ser una paradoja posmoderna o post-posmoderna. 

En esta ocasión nos ofrecen un paseo por el arte soviético, con especial atención a la obra de Aleksandr Deineka, cuyas cualidades formales sintonizan con ciertos valores estéticos de la actualidad, relacionados con la recuperación de la pintura por imperativo de la demanda de los países emergentes (Rusia y China, en este caso). Como suele ser habitual, el arte cambia de naturaleza con el paso de los años. Obras que nacieron con la finalidad de ser instrumentos al servicio de la revolución soviética se transforman en objetos de deseo para pijos posmodernos, museos globalizados y coleccionistas rusos...

Tiene gracia.

En el futuro, ¿la pintura de caballete será figurativa (...) o, por el contrario, romperá con el objetivismo de las imágenes concretas y adquirirá un carácter abstracto (...)? ¿O se convertirá acaso en arte de museo? (...) Toda la ira revolucionaria que se ha desencadenado exhalará su último suspiro en la tranquilidad del cementerio museístico.

Los museólogos tienen un gran trabajo por delante. Deberán colocar por "orden histórico" todo ese material que fue tan revolucionario en su tiempo, además de darle sepultura, siguiéndole a cada obra un "número" en las listas de inventario de estos "depósitos artísticos". Y los "historiadores del arte —otros incansables sepultureros— también tendrán un nuevo trabajo: la redacción de textos aclaratorios para estas criptas, para que así nuestros nietos (...) puedan valorar su pasado artístico como merece. También los artistas, a pesar de su futurismo, tendrán su particular obligación: la de no olvidar ocupar el lugar que en derecho les pertenece en esos cementerios de amor al pasado.

Nikolái Tarabukin, Del caballete a la máquina, 1923

(De un panel de la Fundación March)

Premio BMW de Pintura

Por Silvia Martín Vázquez

La obra de Cristina Gamón Lázaro, "Infinito II" , ha sido galardonada con 25.000 euros. Me pregunto si el jurado del premio BMW no debería tener en cuenta el desarrollo creativo experimentado por los aspirantes y también si existe correspondencia entre los objetivos estéticos y los recursos técnicos empleados para conseguirlos. No estoy segura de que, en estos momentos, sea oportuno recuperar el expresionismo abstracto, teniendo en cuenta la obra realizada por Cristina Gamón Lázaro hasta ahora (lo que ha mostrado). Creo que, con sus precedentes, volver el discurso estético de la Escuela del Pacífico, requiere, cuando menos, una explicación que ignoro.

Exceso de celo

Para regocijo de los sectores ultramontanos de todo el mundo, una limpiadora ha destruido la patina superficial de una obra de Martin Kippenberger (Dormund, 1953-Viena, 1997), expuesta en el Museo Ostwall de Dormund, y cedida por un coleccionista particular. La obra está valorada en 800.000 €.

Los responsables de la empresa encargada de la limpieza no han sido capaces de explicar la conducta de la empleada, a la que se había indicado que no debía acercarse a las obras a menos de 20 cm.

Vista la obra, no es difícil imaginar la situación. Cualquier persona sensata, no familiarizada con el arte contemporáneo, habría hecho lo mismo en situación parecida: limpiar los restos de porquería  dejados por quienes habían montado un andamio para reparar algo en el techo... El trabajo de la limpiadora fue especialmente concienzudo.

Se me ocurre que pudiera convenir imponer a las empresas de limpiezas para los museos  la contratación de licenciados en Historia del Arte o Bellas Artes para tan delicados asuntos. Estoy pensando en la creación de un "MIR" para aspirantes a conservadores y restauradores...

(Foto tomada de ABC)

Museo Universidad de Navarra: la Obra es mucha obra

Por Martín Peño.

El veinte de octubre, Rafael Moneo hizo la presentación en el Isem (Fashion Business School) de su proyecto para el Museo Universidad de Navarra. Para quien no conozca, la Universidad de Navarra es la universidad perteneciente al Opus Dei, y el Isem uno de los centros superiores que la universidad tiene en Madrid.  Una infraestructura (el museo) en la que está presupuestada una cantidad de 25 millones de €uros, de los cuales el 60% provendrá de capital privado y el 40% restante de capital público y fondos propios según informó su rector Jaime García del Barrio (diariodenavarra.es, 20/10/2011), esto sin especificar. El comienzo será dentro de las dos primeras semanas de noviembre del presente año, cuando se determine qué empresa se encargará de llevarla a cabo, elegida de entre un grupo de nueve, “la mayoría navarras y algunas ya han trabajado con la universidad” (noticiasdenavarra.com, 1/11/ 2011) para inaugurarse en otoño de 2013.

María José Huarte Beamont (de la familia Huarte, empresarios florecientes en la época de posguerra) donó su colección en 2008, dando así pie a este proyecto que se completará con otro legado, de carácter fotográfico ya existente desde 1991 en la universidad, realizada por la familia Ortiz Echagüe.

Precisamente por ser la Obra una entidad “privadísima”, al aportar capital y correr de su interés la  creación de este centro, es de suponer que esto no vaya a tener un uso de carácter general. De hecho “tenemos previsto funcionar sin ayuda pública, aunque, lógicamente, con ella haríamos más actividades” (diariodenavarra.com, 1/11/2011), algo que contrasta, cuando los portavoces del evento nos hablan  del aporte del dinero público. Algo que no han especificado, al igual que la cantidad que la institución piensa desembolsar.

El trato entre la entidad religiosa y sus futuros socios privados,  pondrán, si es que ya no están en marcha, modelos de gestión y explotación anglosajones, y contando desde el principio, con la administración pública en el apartado de gastos, pero sin aclararnos de lo que revertirá sobre el común. Eso sí, todo maquillado en un discurso difuso y de buenas intenciones, donde estas son de esperar y nada novedosas.

Detrás de la imagen humanista y universal que se muestra, quien sepa mínimamente como se desarrolla el programa formativo de aquellos que cursan sus estudios en los centros de esta institución, sabrá que hay ciertos aspectos que distan mucho del interés popular y general, esto quiere decir que las programaciones, cursos, exposiciones, conferencias, visitas, actividades, etc, a no ser que se ajusten a las pautas del guión, por propia temática y contenido, previa elección y criba, tendrán un carácter ideológico dirigido que irremediablemente afectará al sentido y finalidad de lo que vaya a suceder ahí dentro. Esto, si es que esperamos que funcione como un centro de arte con características divulgativas y de interés público, recordando las declaraciones de la donante. Pero es que no sabemos de forma manifiesta y concreta, el interés e intenciones que tenía en donar la señora Huarte su legado a estas manos, en lugar de los fondos públicos, algo que no se acaba de entender si es que tanto le interesaba el prójimo. Jaime García del Barrio señaló que, en efecto, han mantenido conversaciones con el Gobierno de Navarra, que "ha mostrado muchísimo interés por el proyecto, porque, a fin de cuentas, entre todos hemos conseguido que la colección de Mª Josefa Huarte se quede aquí" (diariodenavarra,com, 1/11/2011). Eso sí, de momento no han llegado a ningún acuerdo concreto.

Según su director, Miguel López-Remiro, en Noticias Universidad de Navarra (19 de octubre) “todo arte tiene una finalidad pública y la misión del museo se centra en presentar, analizar y difundir el arte”. Ya...qué bien queda. Pero es que las   intenciones no concuerdan con lo que parece que va a ocurrir: “oportunidad para situar a las artes contemporáneas en el centro de la vida de los universitarios”, es decir, sus universitarios. Los que probablemente sí estén en concordancia con los contenidos y finalidad del centro y del ente. Porque hay que recordar que Pamplona posee una universidad pública a la que se le ha metido la tijera por valor de cuatro millones de €uros. Parece ser que importa más el apoyo a esta institución de intereses particularísimos, que fomentar la cultura general y enriquecer el patrimonio. Que por cierto, estaría bien saber si la donación es un regalo, pasando a ser propiedad de la entidad; si forma parte de algún acuerdo con la familia; si pertenece a alguna variante de explotación, o rentabilidad basada en la especulación del mercado del arte...cuantas cosas oye.

Y ahí está Moneo, un tudelano. Super arquitecto para completar la foto, para que todo esto siga siendo una balsa de aceite y quede bien bonito. Quizás, ese empeño según Moneo en señalar el museo como un puente entre la universidad y la ciudad, evidencie la distancia y diferencia real y no sólo como una cuestión física: “vimos que era la ocasión de establecer un puente con la ciudad de Pamplona porque el museo aspira a ser una pieza que contribuya a establecer esta proximidad con la ciudad. De ahí que se haya colocado del perímetro que separa el campus de la ciudad".(en diariodenavarra.es, 20/10/2011).

La verdad que analizando el contexto in general, donde se va a crear el centro, el destino y uso que va a tener,  deja  poco lugar a la duda: en la ciudad ya se construyó el Baluarte, un lugar infra utilizado para sus características, con pretensiones de colocar a esta capital de provincia a la zaga de San Sebastián y Bilbao; a cuatro kilómetros se encuentra el Museo Fundación Oteiza, habitualmente poco frecuentado; la Fundación Huarte Buldain, el Centro Huarte de arte contemporáneo tres cuartos de lo mismo; la mayoría de galerías de cierta entidad han cerrado; el panorama cultural e interés en la calle es aterrador...

Con todo, si echamos cuentas el proyecto es redondo: unos fondos permanentes para el museo caídos del cielo, un aporte de dinero que llega de unos socios externos, el fondo público inyectando a favor de la causa, inversión propia mínima (ese 40% procedente de las instituciones públicas y de fondos propios, en distinta proporción dependiendo de la coyuntura económica), unos terrrenos en propiedad, el circo político formando parte de intereses religiosos, constructoras ya relacionadas al aparato político-religioso, un arquitecto famoso y nativo del terruño... todo se queda en casa.

Los restos de la iglesia de San Juan Bautista en Madrid

Hace seis meses, José Luis Barchino daba noticia en Arqueólogos del peculiar sistema de protección y exhibición empleado por el Ayuntamiento de Madrid para conservar y ofrecer al público los restos de la iglesia de San Juan Bautista. 

"Se pueden observar allí, por el descontrol de las condiciones de humedad  y temperatura: condensación, evaporación, acción capilar, eflorescencias salinas, costras y alveolización, que son quienes propician la disolución y descohesión de materiales que llevan al desmoronamiento de los muros.

También esta urna-lucernario es un modelo de biodeterioro; se dan allí una colonización generalizada de plantas de bajo porte y de otras que llegan a la superficie acristalada, raíces, microorganismos de pudrición y corrosión, musgos y líquenes que propician el ocultamiento, tinción y ruina de los muros al provocar fisuras, disgregaciones y disoluciones de piedras, ladrillos y argamasas".

Al parecer, no hay dinero para remediarlo, aunque no creo que sea importante hacerlo... en tiempo de crisis. Hay tantos restos en peores condiciones...

Además, sería una pena perder este ejemplo de cómo no gestionar los restos arqueológicos. Y por añadidura, también es un buen ejemplo de cómo aprovechar los restos arqueológicos para ofrecer un invernadero a la flora autóctona.  Queda tan mono y ecológico...

Sanja Iveković en el MOMA

El arte contemporáneo sigue atento a los problemas específicamente femeninos, en este caso, ofrecidos desde la perspectiva de esta creadora croata...

La imagen procede de zagreb.openinstitutions