Settecento Veneziano. Del Barroco al Neoclasicismo

Se ha levantado un día moderadamente frío, casi de otoño antiguo, como el ambiente ideológico que invadía el centro de Madrid... Nos ha costado convencer a los guardias para que nos permitieran acceder al aparcamiento de Sevilla. Por fin, hemos llegado a La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando... Nos esperaba una interesante exposición... Según la información suministrada por la Fundación Banco Santander (patrocinadora), "La exposición Settecento Veneziano. Del Barroco al Neoclasicismo ofrece una selección de las mejores pinturas venecianas del siglo XVIII. La pintura figurativa, el paisaje y las vedute fueron las expresiones artísticas más importantes de la Venecia del Settecento y están representadas en esta muestra. En todas las obras (52 en total) puede percibirse la tradicional riqueza cromática veneciana junto a la explosión de gracia dieciochesca y los juegos de luces y claroscuros que caracterizan a estos pintores".
Seguramente, convendría mesurar un poco las lisonjas, reproducidas gregariamente por los periódicos de tirada nacional y los medios electrónicos, pero debo reconocer que hay una docena de pinturas de asunto mitológico y "vistas" que justifican los esfuerzos por llegar allí en día tan poco propicio... y padecer las penurias de unas instalaciones que necesitan urgentemente ser remodeladas con criterios más operativos.

Maurice de Vlamink en CaixaForum Madrid

En la tradición joven de CaixaForum, se nos ofrece una exposición, en principio, muy sugerente sobre uno de los protagonistas del "fenómeno" fauve, que se limita al período 1900-1915.
Me ha parecido la exposición más pobre de la corta historia de esta institución, desde que ocupa la sede ideada por Herzog y De Meuron ; y lo digo así, porque sin conocer demasiado la obra de este peculiar personaje, que se ganó la vida como ciclista y profesor de música, me hubiera gustado ver más retratos y algunas obras que informaran sobre la evolución posterior... Para compensar las carencias, es conveniente ver el documental que proyectan continuamente en un apartado mal acondicionado para oír el sonido y leer los subtítulos si no se nos ocurre sentarnos en la primera fila o permanece de pié.
Al margen de toda valoración personal mejor o peor fundada, sería imperdonable no aprovechar la ocasión para contemplar la obra de un autor muy importante en la formación de las corrientes académicas posteriores al arraigo de las vanguardias históricas.
Para poder valorar con buenas referencias la apuesta estética de M. de vlamink conviene acudir teniendo frescas las obras de van Gogh, Cézanne y lo realizado por Picasso y Matisse antes de 1915.

Fallas

Algunos hablan del "arte efímero" por excelencia... Forzando las claves morfológicas, son conjuntos escultóricos concebidos para cumplir un ciclo social muy limitado, que comprende la integración en un rito festivo complejo, dentro del cual deben ser exhibidas para solaz de la población y, por fin, quemadas para cerrar un ciclo y abrir otro, en las proximidades del equinoccio de marzo. La mayoría son de concepción mediocre, quintaesencia de una cultura popular, orientada hacia la parodia y la broma de dudoso gusto , con formas que basculan entre lo puramente naif y las estilizaciones manidad reiteradas hasta la saciedad, entre las que prevalece la obsesión por explotar los rasgos infantiles. Pero de vez en cuando aparecen obras que se acercan a la excepcionalidad, a lo sorprendente, lo que deberíamos calificar como "artístico" si no mediaran las servidumbres sociológicas que clasifican los objetos según parámetros "periféricos". Integran referencias metafóricas de cierta complejidad, son atractivas, ofrecen propuestas reflexivas de cierta complejidad, nos hacen preguntarnos sobre nuestra naturaleza y sobre el mundo que nos rodea...
Pero, obviamente, una falla no puede tener entidad "estética" relevante más que como "artesanía", sencillamente, porque es un falla y "todo el mundo sabe" que las fallas son "objetos artesanos"... Además, están concebidas para arder y en ello está implícita una cualidad contradictoria con la "naturaleza artística", tal y como hoy la concebimos, obsesionados con la perdurabilidad, incluso aunque ello suponga ultraje a sus propias naturalezas materiales...
Como diría Roy Batty, he visto disfrutar a la gente alrededor de las más meritorias con actitudes afines a las que podrían tener entre las obras de Rodin... Las diferencias: el tipo de personas, mucho menos atildadas por las calles valencianas... No, no me he vuelto loco por forzar una comparación tan irreverente; pero se me ha ocurrido la "relación" al imaginar lo difícil que es en la actualidad encontrar un escultor con tanto éxito social como los maestros falleros...
¿Y Ron Mueck?... ¡Qué tontería!

El monasterio cisterciense de Tulebras

Este fin de semana "tocaba" dar una vuelta por tierras navarras y en el programa estaba previsto hacer una parada breve en un monasterio cisterciense... Queda poco del antiguo edificio, realmente poco, aunque las instalaciones que se ofrecen al visitante, incluida la hostería, son de pulcritud excepcional.
Lo mejor: un museo con una interesante colección de pinturas, la repostería y, sobre todo, la religiosa que explica las bondades del monasterio al viajero deseoso de vivir experiencias estéticas singulares. Es una mujer de edad incierta -es difícil deducir la edad de las religiosas-; tiene el perfil de Petrarca y una locuacidad "feminista" excepcional y sorprendente para quien se reconoce "católica" en el más estricto sentido del término. Jamás imaginé que oiría a una religiosa decir que, si Jesucristo hubiera considerado los méritos de sus seguidores, habría puesto a María Magdalena, que estaba enamorada de Él, al frente de la Iglesia... Y lo argumenta recordando a quién se manifestó en primer lugar Jesucristo cuando resucitó.
Lo más destacable: la Trinidad de Jerónimo Cósida, con modelo iconográfico obtenido fundiendo tres cabezas, próximo a los juegos perceptivos que interesaron a Picasso....

Arco2009 - Más de los mismo.

Por Carmela Alcolea

La tan traída y llevada crisis se ha adueñado de Arco 2009. A pesar que todas las miradas estaban puestas en la salud financiera del encuentro, y concentradas como estaban las galerías en pasar con nota el trago amargo de la recesión, encontramos crisis de innovación, crisis de nuevos modos y estilos, crisis de valor y hasta de valores, la recesión de la imaginación y una año más, más de lo mismo. Exigirle a la economía, la real y la virtual, la ficticia y la de todos los días, un elevado grado de riesgo, no es adecuado, pero hacerlo con el arte en un evento de vanguardia, parece más que justificado, hasta en los tiempos que corren. Sin embargo, la exigencia tiene un resultado nulo, y volvemos a contemplar elementos caducados de años anteriores, excesivamente vistos, acusadamente banales, desinflados, flacos, denostados de modernidad acuciada por la necesidad imperiosa de hacer caja.

A la luz de lo visto, o por así decirlo, visto lo visto, debemos catalogar la feria como mucha repetición, falta de originalidad haciéndonos contemplar obras basadas en temáticas parecidas, escandalosamente parecidas a las provocaciones de años anteriores. Tanto fue la provocación a la fuente, que terminó dejando de provocar; cuando algo despierta nuestra atención con su punto de atrevimiento, bien por “morbo” o “repugnancia”, no nos plantearnos nada más, sumiéndonos en el impacto que esto nos causa; así y todo, nos sirve. Lo perverso es cuando, conocido el riesgo de la saturación, por la repetición del estímulo, lo trasgresor se desvanece y se convierte en un simple y llano indicio de aburrimiento. El resultado final son obras con poca calidad y sin ningún tipo de atractivo, atrevimiento o motivación, dada la abundancia de artistas que tocan el mismo tema, provocando sin duda un preocupante grado de insensibilización.

Por qué no decir que se echa en falta alguna instalación de gran tamaño, cuando la calidad no aparece, la cantidad importa, por ejemplo la obra de Bill Viola casi pasaba desapercibida, escondida a pesar de su interesante ritmo. La escultura, quizá una forma desconocida de hacer arte, apenas ha tenido cabida en la feria; Cristina Iglesias, George Pineda, Juan Muñoz, Mar Solís…..y poco más.

Tratando de no demoler la expresión en su conjunto, destacaría la investigación que se está realizando dentro del campo de la fotografía, con nuevos materiales. Destaco la obra de Dario Urzay sobre aluminio.

En fin, otro Arco, esta vez el de 2009.

Penuria arqueológica y potencial turístico

Este fin de semana nos hemos dado una vuelta por dos yacimientos arqueológicos (Ercávica y Recópolis) de esos que se mantienen en estudio gracias al empuje y la buena voluntad de los jóvenes arqueólogos, dispuestos a trabajar por becas y salarios de caridad...
"Ercávica" está en los alrededores del pantano de Entrepeñas y Buendía, y se llega a él desde Cañaveruelas, recorriendo un camino de tierra sembrado de baches peligrosos para la integridad del vehículo. Nos recibe un guarda de un empresa de "interposición", que se refugia en una caseta cosntruida con bloques de cemento...

-En verano suele acudir más gente... -nos dice- Es una lástima el estado del camino...
Como es habitual en estos lugares, es necesario dejar el coche en un aparcamiento mal acondicionado, al pié del yacimiento, para desde allí iniciar una peregrinación cuesta arriba, que castiga la curiosidad. Al final del camino nos esperan las cuadrículas irregulares que la intuición de los arqueólogos ha distribuido por el despoblado para ofrecernos restos de la vieja ciudad, entre los que destacan algunas áreas de cierta amplitud (foro, casas) y dos o tres piezas de poca relevancia estética...

Da pena ver como las zonas excavadas hace años van deteriorándose por la acción de las fuerzas naturales...

Valorando con criterio estético, lo que se conserva no es gran cosa, ciertamente. Lo más interesante: la panorámica del pantano con los restos de un pueblo (La Isabela) sacrificado a los kilowatios.

La segunda etapa era "Recópolis", en el término municipal de Zorita de los Canes, población conocida porque también posee una central nuclear...
En este caso, se llega al yacimiento mediante una carretera de buen firme; algo es algo. Es obligado dejar el automóvil en los alrededores de un "Centro de interpretación", compuesto por un pequeño museo, una tienda y dos o tres dependencias más... Nos cobran 4 € por verlo y la persona que nos atiende nos explica que dicha entrada da derecho a visitar el yacimiento... Poco después comprobaríamos que no existe control de acceso alguno...

El museo es como casi todos los arqueológicos modernos, un centro concebido con la pretensión de insuflar sabiduría a los visitantes...

La situación del yacimiento no difiere del anterior, con cualidades derivadas de la entidad de los restos, entre los que destaca una iglesia desmochada y los "recuerdos" de la fortaleza islámica, apenas definida por el arranque de los muros y los pilares.
Coincidimos con media docena de personas de inquietudes comparables a las nuestras... acaso también profesionales de "la cosa cultural".

Y de regreso, recordando el abandono de tantos y tantos yacimientos comparables a éstos, nos preguntamos cuántos años deberán transcurrir hasta que a alguien con capacidad política suficiente se le ocurra que, en momentos de crisis, los yacimientos arqueológicos que pueblan nuestra geografía podrían ser un buen destino inversor para, cuando menos, acrecentar las posibilidades turísticas españolas... Porque poder y conocimiento son entes incompatibles y otros argumentos serían estériles.

Desorientando la mirada

El 26 de febrero pasado , en la Sala de las Bóvedas del Conde duque se inauguró una exposición de título impropio (Orientando la mirada) sobre "arte oriental"... con piezas de India, China, Japón, Tíbet, Tailandia...
¿Se imagina alguien una exposición de "arte occidental" realizada en Tokio con piezas romanas (del imperio romano), rusas (iconos del siglo XVI), "españolas" (siglo X de Al-Ándalus), francesas (pinturas impresionistas)...? Francamente, no entiendo el sentido de eventos tan forzados como éste, que ofrece al espectador una "visión uniformadora" de obras pertenecientes a tradiciones culturales muy distintas y, en ocasiones, distantes... Hay más "distancia" entre las tradiciones de la India y las japonesas que entre las españolas y las rusas...

En suma, tótum revolútum más propio de un chamarilero de El Rastro o de cuando estaban de moda las "chinerías" (siglo XIX), que de nuestros días, cuando hasta ElCorte Inglés organiza sus promorciones exóticas con menos matices de provincianismo....

El escándalo de las medallas al mérito en las Bellas Artes

Las últimas concesiones de las medallas al mérito en las Bellas Artes han activado un escándalo de alcance aún inimaginable.

Según recoge La Vanguardia, "Los toreros Paco Camino y José Tomás tienen intención de devolver sus Medallas de las Bellas Artes del toreo, concedidas en 2004 y 2007, respectivamente, por medio de una carta que enviarán al ministro de Cultura.
Esta decisión la han tomado unos días después de hacerse pública la concesión del mismo galardón a Francisco Rivera Ordóñez por parte del Consejo de Ministros del pasado 27 de febrero, a propuesta del titular de Cultura por haber dado "prioridad a afinar su técnica que resulta ahora más estética, reposada y profunda".
Aunque todavía no está concretado el texto de la carta, sí es firme la decisión de Camino y Tomás, que acordaron devolver sus medallas en el transcurso de un encuentro que mantuvieron en Sevilla la semana pasada, según allegados a los mismos.
Camino y Tomás redactaron entonces una primera carta, que todavía no han llegado a enviar, dirigida al ministro César Antonio Molina, en la que justifican su decisión "por vergüenza torera" y en la que no se hace mención explícita de Rivera Ordóñez.
En esa misiva señalaban que "el concepto Arte del Toreo lo están ustedes degenerando" y que "las medallas no las queremos tener entre tantos y tantos prestigiosos recuerdos y trofeos que sí que valoran nuestro Arte de Torear, porque con ello traicionaríamos el valor y sentimiento de los mismos".

La idea de conceder Medallas nació allá por el 1969, cuando a los legisladores franquistas, poco interesados en desentrañar los misterios del número del año en curso, se les ocurrió crear "La Medalla al Mérito en las Bellas Artes, para distinguir a las personas y Entidades que hayan destacado de modo eminente en el campo de la creación artística, que hayan prestado servicios destacados o fomentado notoriamente la enseñanza, el desarrollo y difusión del arte o la conservación del Patrimonio Artístico Nacional" (Artículo primero. BOE 19 enero 1970). Desde entonces fueron apareciendo diferentes reglamentaciones que culminaron en la situación actual, descrita en el texto publicado coincidiendo con el Consejo de Ministros de 20 de febrero de 2009 y que sugiero leer en su totalidad a pesar de lo tedioso, por lo que tiene de esclarecedor:
El Consejo de Ministros ha concedido las Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes correspondientes al año 2008. Las Medallas distinguen a las personas y entidades que hayan destacado en el campo de la creación artística y cultural o hayan prestado notorios servicios en el fomento, desarrollo o difusión del arte y la cultura o en la conservación del patrimonio artístico. (...) Los galardonados este año son:
Imanol Arias. Actor y director (Riaño, León.1956). Es uno de los más sólidos y brillantes actores de su generación. Tras su paso por diversas compañías de teatro independiente del País Vasco, se trasladó a Madrid donde se integró en el Centro Dramático Nacional. Efectuó su debut cinematográfico en 1976 con "La Corea", de Pedro Olea. Muy pronto llegaron sus éxitos como protagonista, en títulos como "Bearn", de Jaime Chávarri; "Camila", de María Luisa Bemberg; "La muerte de Mikel", de Imanol Uribe; "Laberinto de pasiones" y "La flor de mi secreto" de Pedro Almodóvar o "Demonios en el jardín", de Manuel Gutiérrez Aragón. Con Vicente Aranda protagonizó dos películas dedicadas a “El Lute”, personaje por el que ganó la Concha de Plata al Mejor Actor en el Festival de San Sebastián de 1987. Paralelamente, ha desarrollado una destacada labor televisiva en series como "Anillos de oro", "Brigada Central" y "Cuéntame cómo pasó". También ha dirigido un episodio de la serie televisiva "Delirios de amor" y el largometraje "Un asunto privado".
Juan María Arzak. Restaurador. (San Sebastián. 1942) Con la cocina vasca tradicional como base y con la influencia de grandes maestros como Paul Bocusse, hizo suyo el reto de crear una nueva cocina española que atravesase las fronteras y adquiriese renombre mundial. El restaurante "Arzak" cuenta con tres estrellas Michelín y el listado de méritos y reconocimientos personales es numeroso: Premio Nacional de Gastronomía, Gran Premio del Arte de la Cocina por la Academia Europea de Gastronomía, Premio Especial de la Gastronomía Austriaca, Vasco Universal y otros prestigiosos galardones. Preocupado por la transmisión de sus investigaciones e innovaciones gastronómicas ha escrito varios libros e instalado un " laboratorio " que cuenta con un " banco de sabores " con más de mil productos , con los que el equipo Arzak innova sin perder de vista los sabores tradicionales.
Pilar Bardem. Actriz. (Sevilla. 1939). Pertenece a una célebre saga de cómicos. Desde sus comienzos como actriz apenas cumplidos los veinte años hasta hoy, raro ha sido el año en que Pilar Bardem no ha estado sobre un escenario. Durante décadas compaginó sus trabajos en cine, teatro y televisión haciendo todo tipo de papeles. De estos cincuenta años de trayectoria teatral se pueden destacar algunos hitos, como "Harold y Maud", en 1975, dirigida por José Tamayo; "La Carroza de plomo candente", dirigida en 1976 por José Luis Alonso; "Las arrecogías…" en 1977, dirigida por Adolfo Marsillach; "Martes de Carnaval", en 1996, dirigida por Mario Gas; o "Pelo de Tormenta", dirigida en 1997 por Pérez de la Fuente. En cuanto a su carrera cinematográfica, cuenta en su haber con ochenta títulos, entre los figuran "María querida", de José Luis García Sánchez (2004) o "Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto", de Agustín Díaz Yanes (1995).
Miguel Bosé. Cantante y actor. (Panamá. 1956). Hijo de Lucía Bosé y Luis Miguel Dominguín, creció en un ambiente privilegiado para el arte. Siendo muy joven intervino en varias películas y en 1973 se trasladó a Londres donde se inscribió en la escuela de Lindsay Kemp. Después prosiguió sus estudios de danza con Maurice Bejart en Bruselas. En 1975 se inició en el mundo musical, consiguiendo su primer gran éxito con el disco "Linda". A partir de ahí comenzó una carrera de éxito por todo el mundo. Ha sido frecuentemente número uno en ventas y ha obtenido numerosos premios y varias nominaciones para los premios Grammy. Como actor cinematográfico ha intervenido en películas como "Tacones lejanos", "Libertarias", "La reina Margot", etcétera. En cuanto a sus interpretaciones teatrales, ha colaborado con la Fura dels Baus y tomado parte como narrador y rapsoda en varios espectáculos. En 2007 emprendió un proyecto para celebrar sus treinta años en el mundo de la música. Se trata de "Papito", una recopilación de sus canciones con nuevos arreglos y cantadas a dúo con grandes estrellas nacionales e internacionales como Alejandro Sanz o Shakira.
Enrique Cerezo. Productor. (Madrid. 1948). Antes de dedicarse a la producción cinematográfica, Enrique Cerezo ascendió paso a paso en el escalafón profesional desde su inicial dedicación como ayudante de cámara. En 1980 fundó su propia compañía de distribución, Video Mercury, con la que fue adquiriendo los derechos de explotación de numerosas películas españolas. Además de ser uno de los más prolíficos productores españoles, con títulos tan destacados como "El perro del hortelano", "La buena estrella", "Juana la Loca", o "Las Trece Rosas", ha dedicado buena parte de sus esfuerzos a preservar el patrimonio cinematográfico español mediante la restauración digital de numerosos títulos de nuestra filmografía. Es presidente de EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos Audiovisuales) y presidente del club de fútbol Atlético de Madrid.
Isabel Coixet. Directora, guionista y productora. (Barcelona. 1962) Es una de nuestras cineastas más internacionales. Con sólo veinticinco años debutó en la dirección con "Demasiado viejo para morir joven". Entre 1996 y 2009, los largometrajes "Cosas que nunca te dije", "A los que aman", "Mi vida sin mí", "La vida secreta de las palabras", "Elegy" (rodados, en su mayoría, fuera de España) y la recién filmada "Mapa de los sonidos de Tokio" conforman una trayectoria en la que destacan la originalidad en la creación de imágenes, el profundo sentimiento que las impregna y un exacto dominio de la dirección de actores. Ganadora de tres Premios Goya como directora y guionista, representante de nuestro país en numerosos certámenes internacionales, Isabel Coixet también ha obtenido una justa fama como creadora de “spots” publicitarios.
María Colomer . Presidenta de Payasos sin Fronteras. (Valencia. 1959). Miembro de esta asociación humanitaria desde su creación en 1993 se convirtió en su presidenta nacional en 2004. Entre 1980 y 1984 trabajó como pedagoga y psicóloga mientras se formaba como actriz. Desde 1984 se ha dedicado profesionalmente al teatro, donde desempeña, alternativamente, la profesión de actriz, pedagoga teatral, directora, autora, gestora y payasa. Es miembro fundador de las Compañías Falaguera Teatre Excèntric y La Mar Salà. Ha colaborado con entidades y organizaciones de diversa índole (SGAE, Ayuntamientos, Asociaciones) en el diseño, coordinación y realización eventos escénicos. Como pedagoga teatral ha impartido clases en diversos centros de la Comunidad Valenciana. Compagina esta labor con la de formadora de impartiendo cursos en diferentes lugares de España en materias como Expresión Corporal, Improvisación, y Payasos. Desde 2006 es miembro del Consejo Asesor de Circo del INAEM.
Victoriano Cremer. Poeta, novelista y ensayista. (Burgos. 1907) Afincado en León desde muy joven, comenzó a escribir poesía a los 21 años. Su primera obra, "Tendiendo el vuelo", fue publicada en 1928. Fundó y dirigió varias revistas de vida efímera y en 1944, junto con Eugenio de Nora y Antonio de Lama, puso en marcha la revista "Espadaña" que habría de influir notablemente en diversos poetas. Su obra poética ("Caminos de mi sangre", 1947; "Las horas perdidas" y "La espada y la pared", 1949 o "Nuevos cantos de vida y esperanza", 1952) se movió entre la denuncia de la injusticia y el afán por la solidaridad. También cultivó la narrativa, siempre con tintes sociales, en obras como "Libro de Caín" (1958) e "Historias de Chu-Machuco" (1970). Ha recibido numerosos premios de poesía y distinciones tanto por su trayectoria como por obras concretas.
Nacho Criado . Artista plástico. (Mengíbar, Jaén. 1943). Es uno de los más representativos exponentes del panorama contemporáneo español en los últimos 40 años. Su formación en arquitectura y en sociología le han permitido abarcar el arte desde una perspectiva más amplia, tanto intelectual, como en su relación con los materiales y el espacio. Sus esculturas e instalaciones, que en muchos casos requieren la participación e intromisión de público, se han exhibido en numerosos museos y galerías internacionales desde 1970 hasta la actualidad, y diversas colecciones museísticas españolas cuentan con obra suya entre sus fondos. Esta brillante trayectoria fue premiada en 2001 con el Pablo Ruiz Picasso de las Artes de Andalucía y en 2007 con el Premio de la Villa de Madrid, Mariano Benlliure.
Isaac Díaz Pardo. Pintor. (Santiago de Compostela. 1920). Comenzó trabajando con su padre, el pintor, ilustrador y escenógrafo Camilo Díaz Baliño. En 1940 obtuvo una beca que le permitió iniciar los estudios de Bellas Artes en la Academia de San Fernando en Madrid. A partir de ese momento comenzó a dedicarse de forma profesional y única a la pintura, con un estilo marcado por el clasicismo, que posteriormente evolucionaría hacia temáticas de mayor preocupación social y de denuncia. En 1949 inició el proyecto de Cerámicas do Castro. Creó junto con Luis Seoane el "Laboratorio de Formas de Galicia", dedicado a la futura creación de una serie de empresas recuperadoras de la memoria histórica de Galicia. Además de estas actividades, escribió ensayo, crítica y teatro. Entre los premios y reconocimientos recibidos, se podrían destacar el Premio das Artes e das Letras da Xunta de Galicia (2003) y su nombramiento como Doctor Honoris Causa de las Universidades de Santiago de Compostela (1992) y de A Coruña (2007).
Rafael Frühbeck de Burgos. Director de orquesta. (Burgos. 1933). Cursó estudios de violín, piano, armonía y composición en los conservatorios de Bilbao y Madrid, y más tarde dirección de orquesta en Munich. En 1962 se convirtió en director titular de la Orquesta Nacional de España tras el fallecimiento del maestro Argenta, cargo que mantendría durante dieciséis años. Posteriormente fue director general de música y titular de la Orquesta Sinfónica de Düsseldorf y de la Sinfónica de Montreal. Su debut en 1968 en los Estados Unidos tuvo lugar con la Orquesta Sinfónica de Philadelphia, dirigiendo con posterioridad todas las orquestas importantes de ese país. En Europa ha dirigido regularmente a las Filarmónicas de Berlín, Munich y Hamburgo, las Sinfónicas de diferentes radios alemanas, la de Viena, las de Londres y a conjuntos japoneses como la Nipona Yomiuri de Tokio, así como la Filarmónica de Israel. Es director emérito de la Orquesta Nacional de España desde 1998 y director titular y artístico de la Dresdner Philharmonie (Dresde).
Rosina Gómez Baeza . Gestora de Arte Contemporáneo (Gijón. 1942). Es licenciada en Literatura y Filología Inglesa por la Universidad de Cambridge. Entre 1986 y 2006 ocupó la dirección de ARCO, Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Fundadora y directora de la publicación trimestral "ARCO, Arte Contemporáneo", fue presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo hasta diciembre de 2008. Actualmente dirige en Gijón "La Laboral Centro de Arte y Creación Industrial". Es miembro del jurado del Premio Príncipe de Asturias de las Artes, así como del Consejo de Cultura de la Comunidad de Madrid y del Patronato del Centro Galego de Arte Contemporáneo (CGAC), de Santiago de Compostela. Ha recibido premios como el Premio a la Cooperación Iberoamericana, la placa de distinción a la excelencia Europea en el campo de la cultura y el Premio Juan Antonio Gaya Nuño.
Blanca Li. Coreógrafa y bailarina (Granada. 1964). A los 17 años entró en la escuela de danza de Martha Graham de Nueva York, donde estuvo cinco años. A su regreso a España fundó en Madrid su primera compañía. Un año más tarde cambió su residencia a París donde presentó diferentes montajes. En 1998 inauguró en la capital francesa el Centre Choréographic Blanca Li. En 2001 fue designada directora y coreógrafa del Ballet de Berlín y, durante ese tiempo, también estrenó "Shéhérazade" para el Ballet de la Ópera de París, con vestuario de Christian Lacroix. Los trabajos más recientes de Blanca Li la han llevado a París, Nueva York y a la Bienal de Lyon. En 2004 recibió el “Premio Manuel de Falla a las Artes Escénicas y Musicales” de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, y en 2006 fue nombrada directora del Centro Andaluz de Danza (CAD) de la Junta de Andalucía.
Pedro Iturralde. Músico de jazz (Falces, Navarra. 1929). Estudió saxofón, clarinete, violín, guitarra y armonía en el Real Conservatorio de Música de Madrid. Se introdujo en el mundo del jazz de la mano de Francisco Allo y de Paulino Vacas. Más tarde fue becado por el Berklee College of Music de Boston, donde estudió "arranging" y saxofón. Colaboró con grandes figuras del jazz como Donald Byrd o Hampton Hawes, y formó parte de la All Stars Big Band, junto con otro pionero español del jazz, Tete Montoliu. Ha sido pionero en la fusión del jazz con otras músicas y colaborado con Paco de Lucía. En 1988 protagonizó el primer concierto de jazz que tuvo lugar en el Teatro Real de Madrid. Ha sido profesor especial de saxofón y más tarde catedrático del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Ha recibido varios premios, y es autor de numerosas composiciones de jazz y clásico, así como de varias bandas sonoras para el cine.
José Antonio Labordeta Cantautor (Zaragoza, 1935). Creador de la denominada 'Canción Aragonesa', está considerado uno de los principales exponentes de la canción de autor española. En la década de los 80 alternó la música con la literatura, aunque esta faceta siempre se ha visto en un segundo plano debido a su fama como cantautor y diputado. Es autor de varios libros de poemas, novelas y libros de memorias, como el reciente "Memorias de un beduino en el Congreso de los Diputados" (2009) en el que cuenta sus vivencias como diputado en Madrid. Participó en la fundación y el desarrollo del semanario "Andalán", periódico mítico que se opuso al antiguo régimen en los últimos años de la dictadura y marcó la transición en Aragón.
José Manuel Lara . Presidente del Grupo Planeta (Barcelona. 1946). Es uno de los grandes líderes del sector de los medios de comunicación. Licenciado en Ciencias Económicas por la Universidad de Barcelona, comenzó a trabajar desde su época universitaria en la Editorial Planeta, fundada por su padre. Tras la reestructuración del grupo en la sociedad limitada Planeta Corporación, asumió en 1997 el cargo de consejero delegado del Grupo Planeta. En junio de 2003, cuando Planeta y el grupo De Agostini compraron un 25,1 por 100 de Antena 3, fue nombrado presidente de esta cadena de televisión. Es también presidente de la Fundación José Manuel Lara y editor de los diarios "Avui" y "La Razón". Fuera del ámbito editorial también ha estado vinculado a diversas empresas como BBVA, Fira de Barcelona y Banco de Sabadell. Es presidente del Círculo de Economía desde 2005 y accionista mayoritario del RCD Espanyol.
Charo López. Actriz (Salamanca. 1943). Cuando era estudiante de Filosofía y Letras, participó en varios montajes del Teatro Español Universitario. Después cursó estudios en la Escuela Oficial de Cinematografía y debutó en la pantalla en 1967 con "Ditirambo" de Gonzalo Suárez. Desde entonces ha rodado unas setenta películas. Consiguió el premio como mejor actriz en el Festival de Berlín por su trabajo en "La colmena". En 1996 participó en "Secretos del corazón", de Montxo Armendáriz, por la cual consiguió el Premio Goya a la mejor interpretación femenina de reparto. Ha trabajado en series de televisión como "El pícaro", de Fernando Fernán Gómez; "Fortunata y Jacinta", de Mario Camus; "Los gozos y las sombras", de Rafael Moreno Alba; o "Los pazos de Ulloa", de Gonzalo Suárez, entre otras. En teatro comenzó en los Estudio 1, de TVE, en montajes como "El alcalde de Zalamea" o "El Caballero de Olmedo". En los últimos años ha protagonizado obras de teatro como "Una jornada particular", "Hay que deshacer la casa", "Tengamos el sexo en paz", "Los puentes de Madison", "Infierno", "El libro del alma" o "El otro lado".
Juan Antonio Porto Guionista (A Coruña. 1937). Diplomado en Dirección por la Escuela Oficial de Cinematografía, Juan Antonio Porto es uno de los maestros de la escritura de guiones en España. Colaborador habitual de cineastas como Pilar Míró y Pedro Olea en películas como "El crimen de Cuenca", "Beltenebros", "El bosque del lobo", "La casa sin fronteras" o "La Corea", ha destacado especialmente en la adaptación de obras literarias, como "La Regenta", de Gonzalo Suárez; la citada "Beltenebros" o la serie televisiva "La forja de un rebelde", de Mario Camus. Autor de numerosos ensayos y textos sobre temas cinematográficos, Porto ha desarrollado también una fructífera labor pedagógica impartiendo clases en la Escuela de Cine de la Comunidad de Madrid. Su guión más reciente es el de "La conjura de El Escorial", de Antonio del Real.
Francisco Rivera .Matador de toros. (Madrid. 1974). Desde muy joven tuvo claro que daría continuidad a la saga de toreros que había comenzado tres generaciones atrás. Fue su abuelo, Antonio Ordóñez, quien le inició en el mundo del toreo. Tomó la alternativa en 1996, en la plaza de Toros de la Maestranza de manos de Juan Antonio Ruiz "Espartaco" y Jesulín de Ubrique como testigo. Un año después llegaría su confirmación, en la Feria de San Isidro con José Miguel Arroyo "Joselito" como padrino y Enrique Ponce como testigo. Tras cosechar éxitos en las distintas plazas, a partir de 2000 acortó su número de actuaciones dando prioridad a afinar su técnica que resulta ahora más estética, reposada y profunda. Así lo demuestra en sus últimas faenas reseñables entre las que están las Ferias de Madrid del 2001 y 2002 o la Goyesca del pasado 2008.
Cecilia Roth . Actriz. (Buenos Aires. 1958). Hija de un escritor y periodista de origen ucraniano y de una cantante chilena, los orígenes de Cecilia Roth ya denotaban un cosmopolitismo que influiría en su trayectoria como actriz. Iniciada en este trabajo con tan sólo dieciocho años en Argentina, desde 1980 alterna su labor en este país con la que desarrolla en España, protagonizando películas para Pedro Almodóvar, como "Laberinto de pasiones", "Entre tinieblas" y, muy señaladamente, "Todo sobre mi madre" en 1999, por la que obtuvo su segundo Goya a la Mejor Interpretación Femenina Protagonista, dos años después de que lo lograse por "Martín Hache", de Adolfo Aristaráin. Intérprete de gran versatilidad, igualmente dotada para el drama que para la comedia, otros trabajos suyos de gran resonancia han sido en las películas "Un lugar en el mundo", "Segunda piel", o "El nido vacío", entre otras.
Ágatha Ruiz de la Prada . Diseñadora. (Madrid. 1960). Desde sus comienzos en el mundo de la moda, en 1980, es una de las diseñadoras españolas más reconocidas y reconocibles por su personalidad e independencia. Sus creaciones se extienden no sólo al mundo de la indumentaria y textiles de hogar, sino a la decoración en su más amplio sentido y al diseño industrial, abarcando todo tipo de complementos, perfumería e, incluso, juguetes. Miembro de la Asociación Creadores de Moda de España, su “Retrospectiva” ha recorrido desde 1998 importantes museos europeos como el Museo Reina Sofía o el Museo Centro de Arte Contemporáneo en Burdeos y actualmente se encuentra en Antioquia (Colombia). Entre sus más recientes proyectos se encuentran el diseño de un parque de atracciones infantil en Neda (Galicia), y el diseño del vestuario para el espectáculo Dream2.
Pedro Serra . Mecenas. (Sóller, Mallorca. 1928). Es propietario del grupo de comunicación más importante de las Islas Baleares, el Grupo Serra, que incluye diarios, semanarios, emisoras de radio y televisión local, que lideran la audiencia y se publican en cuatro lenguas: castellano, catalán, inglés y alemán. Como periodista inició su carrera en el diario "Baleares" en 1947. Más tarde, en 1953, fundó la editorial Atlante. Es autor de diversas obras entre las que destaca "Miró y Mallorca", fruto de la estrecha amistad que le unió con el pintor y por la que consiguió que Miró realizara el famoso logotipo para la imagen exterior de España. Coleccionista y mecenas del arte, es el director de la Fundación d’Art Serra y el promotor del Museo Es Baluard d’Art Moderno i Contemporani de Palma de Mallorca.
Alberto Schommer. Fotógrafo. (Vitoria. 1928). Aunque dedicó su formación a la pintura, en 1952 se marchó a Alemania para estudiar fotografía en Hamburgo. En 1966 abrió su estudio en Madrid e inició las series “Dulce Violencia” y “Tierra Fermentada”. En los años 80 su proyección internacional se relanzó con la exposición en el Visual Estudies Workshop de Rochester, New York, y la publicación de su libro "Zero Huts". A finales de los años 80 y principio de los 90 publica "Euskalherria" y "Bizkaia Profunda" y expone durante tres meses en el Centre Georges Pompidou de París con su “Antológica de Retratos”. Seguirían otros libros como "La fiesta La Vida-La Habana" y "El Viaje". Es académico de número por la Real Academia de Bellas Artes San Fernando. En 1997 publicó dos libros muy significativos como "Sevilla" y "Flamenco". En los últimos años ha dirigido varios talleres de fotografía que se han caracterizado por dar nuevos impulsos a la creatividad fotográfica asociada que han tenido como fruto la creación del grupo “Ojo de vaca”.
Festival de Cine de San Sebastián. Creado en 1953, el Festival ha desarrollado a lo largo de más de medio siglo una amplia y fructífera labor de difusión y promoción de la cultura cinematográfica. Forma parte del selecto grupo de certámenes considerados como de Categoría A por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores de Films. A través de sus secciones dedicadas al cine de cada temporada, pero también mediante de sus ciclos paralelos y retrospectivas dedicadas a cineastas de primera fila, el Festival donostiarra ha dado a conocer o revisado la obra de autores imprescindibles del cine mundial. Con personalidad jurídica propia y respaldado institucionalmente por el Ayuntamiento de San Sebastián, el Gobierno Vasco, la Diputación de Guipúzcoa y el Ministerio de Cultura, el Festival, al frente del cual se halla Mikel Olaciregui, ha logrado consolidarse plenamente en los últimos años.
Fundación BBVA. Lleva a cabo una importante actividad cultural que se materializa en tres líneas de actuación: organización de exposiciones, apoyo a la conservación del patrimonio histórico y fomento de la creación musical. La Fundación BBVA organiza exposiciones para dar a conocer los fondos de la colección del banco, que actualmente integra más de tres mil obras, en su mayoría pictóricas, aunque cuenta también con importantes piezas escultóricas y destacadas colecciones de artes decorativas y tapices. Además, mantiene una colaboración continua con museos como el Prado o el Guggenheim Bilbao a través de un programa ya consolidado de patrocinios.

Me pregunto por qué se siguen llamando "Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes"... Me alegra que el hecho cinematográfico se contemple integrado en el universo de las Bellas Arte, pero me desagradan las preseas en los pechos de las personalidades que han realizado o colaborado en la realización de obras destinadas, casi exclusivamente, a recaudar subvenciones... Estarían mejor compitiendo por los "Goyas" o a la sombra de El Coloso...

Y ante los principios que se están aplicando en la "doctrina Bolonia", también me pregunto si, por adecuar los títulos universitarios a los intereses de los "ciudadanos europeos", las mentes preclaras que dirigen nuestros destinos académicos, no estarán preparando nuevas titulaciones en sintonía con lo que, a efectos de consideración artística, implican las concesiones mencionadas. Y se me ocurre la cátedra Curro Romero, que debería ocupar José Tomás, lógicamente, con una titulación paralela en "Bellas Artes Taurinas"; la cátedra Arguiñano, anexa al "Máster" de "Restauración"; la cátedra Fofito... (esta idea no es mía; la he plagiado del comentario de un amigo). Ya se encargará el BBVA de ofrecer créditos para que los alumnos de Bellas Artes no sufran problemas económicos excesivos...

Quien no se ríe es porque no quiere.

LA CULTURA DEMOCRATIZADA

Por Andrea López Montero

“La cultura ya es de masas” rezaba el titular de ayer de la sección cultural de El País: como dato positivo, aumento de la compra de claves de la alta cultura: libros, películas de culto y revistas frente a los habituales betsellers y films de entretenimiento.

Dato inestable a distintas opiniones pero que constata un nivel cultural medio más alto. Pero ¿el aumento del consumo (compra) de cultura significa cultura como constante en el público general? Cultura como conocimiento entendido, como práctica de dicho entendimiento, con su consecuente dificultad y tiempo, o mero consumo mecánico.
¿Aumento de cultura o quizá adaptación al popular e impulso publicitario desde los organismos de poder para que esta entre dentro del consumo, de la lógica del mercado?
Se recogen en el artículo, entre otras, palabras de Francisco Chacón: “Antes había un desnivel notable entre unos pocos muy preparados y una mayoría que no alcanzaba la excelencia en el conocimiento", añade. "Esa distancia se ha acortado y el nivel cultural se ha democratizado”
Resulta curioso el uso de los términos nivel cultural democratizado; la democracia iguala una serie de características culturales desde sus propias cualidades… imponiendo unas categorizaciones ideales que hacen de un consumo cultural determinado una necesidad curricular para presentarse como el ciudadano correcto e interesado.
Enlazando otro dato estadístico sobre el aumento de la asistencia a museos, conciertos, teatro y danza, estadística de “Hábitos y prácticas culturales” con lo que su propio nombre resalta… la cultura como hábito, como rutina social impuesta. La visita al Prado (preferente en este aprendizaje del “ideal ciudadano”) es la que cuenta con un mayor aumento de visitantes… Artículo que coincide con la exposición de Bacon en el Prado y con la presentación del director adjunto de conservación del mismo, Gabriele Finaldi, del recorrido que realizaría un “visitante ideal” (término utilizado por ellos mismos) tras la reordenación de sus salas:
“nuevo recorrido […] que resume un viaje por los grandes maestros de la pinacoteca a través de una selección de 400 obras”….
Un paseo por el Prado del Futuro se titula la noticia…: “visitante ideal” no ya un visitante interesado en las obras, o en algunas determinadas por su propia inquietud o afinidad, sino idealizadas y prefijadas, ¡idóneas!: el perfecto recorrido según quién, según qué juicio ¿estético, biográfico? Si bien es una selección habitual en los museos no deja de someter a categorías, aislar, descartar y rechazar en pos de lo que se debe ver, de lo que se debe consumir. La cultura democratizada según intereses históricos, nacionalistas y políticos.
Búsqueda compulsiva de las obras magistrales. Ya no hay un diálogo distraído, sincero, con la obra, un chocarse, un dejarse maravillar, encontrarse con y en la pintura… Seleccionamos, eliminamos, obviamos dentro de la velocidad que solo nos deja conocer lo necesario, ¡el mínimo social ¡es suficiente, es ideal!
Consumimos cultura, pero ¿dejamos qué la cultura nos inquiete? La intentamos descubrir, la queremos entender, dialogar, o tan solo poseer como otro producto más.
Qué saca de ARTE un “visitante ideal”, del arte completo: porque así se niega el arte, se le niega situándolo en un plano histórico su encuentro con él y ahora se le incita a descuartizarlo según el interés, que no es determinado desde la búsqueda del individuo sino impuesto por el organismo cultural, y controlando la expresión corporal que la obra pueda causar, faltaría menos. He ahí el visitante ideal hierático y vacio.
El espectador ya no vive la obra, se aleja y es alejado de la misma, es algo lejano, perteneciente a la historia, es pasado pese a situarse en presente frente a la obra, directamente con la materia en un cuerpo a cuerpo.
La cultura, la información nos domina, nos engaña y su verdad es “LA VERDAD”. Desde los museos, desde los organismos políticos, desde el artículo de opinión. Confiamos en que no nos engañan, y creemos, nos sentimos seguros ¡nos informan de los hechos reales!
Y es la anécdota que viene a continuación la que justifica todo lo dicho hasta ahora, qué cultura, qué arte:
http://www.elpais.com/articulo/opinion/alma/cuerpo/elpepiopi/20090216elpepiopi_4/Tes
Artículo de opinión de Feliz de Azúa donde con seriedad justifica la obra de Bacon dentro de la vida con su mujer e hijos y nos deja creer que Diego Velazquez no fue Diego sino Isabel, llevándonos al desconcierto entre la forma y el contenido. Expresándose con una lógica de historiador, (similar a cualquier visita guiada del Prado donde nos cuenten los entresijos de la Corte para acercarnos a la pintura de Velazquez) incluso planteando la Venus del Espejo como consecuencia de que Isabel Velazquez ocultase ser mujer… Si bien inverosímil resulta creíble, incluyendo blogs que han tomado las nuevas características del pintor de corte como reales y de no saber que Bacon era homosexual la justificación de los cuadros se hace “evidente”.
No deja de constatar la creencia de que lo publicado es real, y de cómo se nos acerca hoy a una obra de arte.
Cómo la obra del artista se analiza justificándola en los períodos dramáticos de su vida, siendo el medio morboso actual que nos queda para acercarnos a una obra, como si en el cotilleo sobre sus penurias fuésemos más cercanos al artista, y no fuese el artista quien ha pasado a formar parte de la historia de la obra, de la vida de la obra, que en el momento q ha sido creada, inicia un recorrido propio, con materia y cuerpo, Adquiriendo valor por sí sola, acabada la función del artista de posibilitar materialmente el encuentro del espectador con la obra.
Lo creado que interactúa hoy directamente con el espectador. Por sí solo, con la fuerza plástica, técnica, desde la percepción primaria, instintiva hasta la elaborada, cargada de contenido: todo aunado dentro de sí para ofrecerse al entendimiento, a ser descifrado por cada individuo, desde la vivencia de este y la obra.
¿Qué cultura estamos adquiriendo, el acercamiento al arte como sustituto de la prensa rosa? ¿La vida de los Janeiro vsus las Meninas y su corte? ¿Es acercarse al arte? ¿Es toda la cultura que rodea al arte?

Las direcciones de los otros artículos:
Un paseo por el Prado del futuro: http://www.elpais.com/articulo/cultura/paseo/Prado/futuro/elpepicul/20090303elpepicul_1/Tes
La cultura ya es de masas:
http://www.elpais.com/articulo/sociedad/cultura/masas/elpepisoc/20090303elpepisoc_1/Tes

Un paseo deprimente por el Reina Sofía

Esta mañana hemos regresado al Reina Sofía... Desde la última visita, coincidiendo con la apertura de la exposición de Eulalia Valldoseera, se habían inaugurado la de Alia Syed y la de Paul Thek. En aquella ocasión no escribí nada en el blog por "razones estratégicas"... Desde entonces teníamos pendiente subir a la Torre de Leandro Erlich... Nueva prueba de que los gestores del Reina Sofía sienten debilidad por la física recreativa. Creo que "la obra" tendría más sentido en el Museo de la Ciencia de Alcobendas, aunque si yo lo dirigiera, exigiría "cosas" de mayor interés y complejidad. Las cámaras de "ilusiones ópticas" son muy habituales en los museos científicos de todo el mundo. Yo mismo he utilizado muchas veces un vídeo sobre percepción que empezaba con una broma ambientada en un laboratorio de la Universidad de Stanford.
Continuamos la visita con las obras de Alia Syed. Si olvidamos la palabrería para consumo de la beatería estética, quedan sendas "obras" de cualidades visuales y argumentales irrelevantes. Desde que apareció la posibilidad de ofrecer reflexiones estéticas mediante la imagen-movimiento, millones de creadores en todo el mundo han propuesto al espectador "instrumentos proyectivos", en competencia desigual con los directores cinematográficos empecinados en convertir el cine en instrumento de expresión estética personal. Y desde esa apreciación sugiero al director del Reina Sofía que si persiste en esta línea, busque por otro lado... Existen infinidad de jóvenes creadores con que obras más interesantes que las de Alia Syed... y las de otros "acreditados artistas" (Deimantas Narkevičius, sin ir más lejos) cuyas obras pudimos ver recientemente en ese Museo.
Cuando visité las exposiciones (ya clausuradas) de Zoe Leonard y Nancy Spero, me asaltó la idea de si las "autoridades competentes" habrían decidido rebajar la categoría del Reina Sofía... acaso por abaratar su gestión. ,Hoy me ha sucedido lo mismo. Zoe Leonard, Nancy Spero, Paul Thek son creadores de cierta entidad, pero de una calidad tal que si la utilizáramos como "referencia de nivel" permitiría exponer a una legión infinita de artistas de todo el mundo... encabezados por mil o dos mil españoles. ¿Cómo entender que la exposición de Bacon haya tenido lugar en El Prado...? Por ese camino, se reducirán drásticamente las cifras de visitantes y si los presupuestos de los museos se gestionan con criterios de interés social, el futuro del Reina Sofía parece más negro que el casco de Darh Vader.
Culminada la peregrinación dominguera, desemboco en océanos extraños desde mis propias previsiones: lo mejor que expone el Reina Sofía durante estos días es la obra reciente de Eulalia Vlldosera, paradigma de "ingenio aplicado" ("ingenio cutre"), según los parámetros definidos en su día por J. A. Marina (Elogio y refutación del ingenio)...
¡Deprimente!

ARCO 2009

Hace años perdí la costumbre de recorrer ARCO y, sin embargo, cada mes de febrero tengo la obligación profesional de recomendar recorrer los stads... con hondo pesar, porque poco a poco mis tragaderas se van estrechando... o las ruedas de molino aumentan de tamaño hasta alcanzar dimensiones descomunales.

Puede que mi percepción esté equivocada y me gustaría que alguien con argumentos sólidos me iluminara, pero hoy por hoy mi imagen de ARCO se define con cuatro brochazos de cromatismo patético:
1. Me parece una feria concebida para reforzar un hipotético mercado de pretendida homologación estética, que con el paso de los años, apenas ha cambiado desde la situación inicial, porque tanto el mercado como la feria se siguen sosteniendo gracias a las entidades oficiales, al coleccionismo institucional (bancos, aseguradoras, etc.) y a un grupo poco numeroso de coleccionistas impenitentes.
2. Entiendo que la feria se sostiene, sobre todo, gracias al "prestigio curricular" que proporciona a quienes participan en ella, y a las posibilidades que ello implica a efectos de proyección profesional (para los artistas) y comercial (para las galerías).
3. "Creo" que la actual gestión de ARCO establece, de hecho, dos grandes grupos, que son fiel reflejo de nuestra estructura social:
a) Los privilegiados, que "usan" ARCO como evento socio-comercial, financiado con el dinero de los contribuyentes, los jóvenes artistas y los "pringaos". En él se integran quienes acuden al evento con gastos pagados: políticos, funcionarios de alto rango (de nombramiento discrecional) relacionados con las administraciones involucradas, técnicos de museos o en general, funcionarios relacionados con la adquisición institucional de obras de arte, ejecutivos de entidades financieras, compañías de seguros, clientes potenciales (especuladores, comisionistas, etc.)... personas del grupo social próximo a las galerías que exponen, etc.
b) Los "pringaos". Quienes deben pagar por cometer el terrible pecado de la curiosidad estética... Lo dijo Thomas Krens cuando desembarcóo con el Guggenheim-Bilbao: si el interés estético de la sociedad puede funcionar como "locomotora financiera", ¿por qué desaprovechar su energía...?
4. La gestión ofrece una imagen de glotonería financiera impropia de una entidad pública, que debería regirse por el viejo principio de Nulla Ethica sine Æsthetica. Me parece escandaloso que se aplique tarifa reducida de 21 € a los estudiantes de Bellas Artes y, en general, a cualquier persona que pudiera acreditar interés académico para visitar el certamen... Francamente, no sé cómo no se le cae la cara de vergüenza a todas las personas relacionadas con la gestión de ARCO, a quienes recorren sus pasillos con etiquetas de privilegio y a quienes dirigen la inauguración con cara de circunstancias.

He oído decir que la entrada no era tan cara porque, sin ir más lejos, la EXPO de Zaragoza fijó precios más elevados y en ambos casos la gente acudió en tropel... Sí, en efecto, si 100 millones de moscas comen mierda y alguien pone una tienda donde la vende a 50 € el kilo, la mierda debe ser exquisita...

Ignoro cómo justificarán los "responsables" de turno tanta arbitrariedad, pero desde el territorio estético, la conclusión que surge casi necesariamente es obvia: ARCO se rige por los principios del pensamiento político liberal y los artistas y quienes aspiren a serlo deben comprender que su proyección profesional pasa por satisfacer a quienes pueden pagar... aquello que, según nos decían los acólitos de Immanuel Kant, no tiene precio. Para partirse de risa.

Caja Madrid y las sombras... de una gestión cultural penosa

Casi por pasar el rato, hemos dado una vuelta por la sala de CajaMadrid para echar un vistazo a la exposición que, en contubernio con Tita's Museum, ambas instituciones dedican a "La sombra". Los gestores de la entidad financiera madrileña se superan evento a evento. Supongo que, tras "Las lágrimas de Eros" (anunciada para el próximo mes de octubre), dedicarán la sala a "El color"; luego pueden seguir con "La luz", "El brochazo", "Los pigmentos"... Y si se les acaban las ideas, me ofrezco a inventar cien obviedades del mismo tipo, con referencias míticas comparables a la fábula de Plinio el Viejo sobre la hija del alfarero Butades. Para la luz, podríamos recurrir al mismo mito (la joven perfiló la línea que separaba la luz de la sombra), hablar del resplandor de Zeus o recoger cualquier comentario de Eumolpo... a modo de vía transversal... A mi tampoco me falta sentido del humor, aunque disimule, ni ganas de tomar el pelo a la gente.
Por fortuna, en nuestros días no falta público para cualquier exposición, por inoportuna que sea, y no creo que a nadie se le ocurra discutir iniciativas tan descafeinadas, pero la imagen de la entidad financiera madrileña no puede quedar en buen lugar, sobre todo, si comparamos este engendro con lo que ahora mismo hay en Caixa-Forum.
Por el lado positivo... Es un buen momento para contemplar diez o veinte pinturas (según los criterios selectivos de cada cual) de planteamientos representativos, difíciles de ver en circunstancias "normales"; entre ellas destaca La sombra sobre la mujer, de Picasso.

Me ha divertido especialmente que dedicaran un apartado a "la sombra" en el cine... En la misma línea, cuando realicen la exposición dedicada a "el color", deberán crear una sección cinematográfica... Será interesante ver qué películas descartan... porque seguro que para ilustrar la importancia del color en el cine eligen la trilogía de Krzysztoft Kieslowski.
Dicen que la muestra de Tita's Museum es más interesante... Así, pues, a pasar por caja...

Caixa-Forum sigue en su línea

Caixa Forum sigue siendo actualidad cultural gracias a un conjunto de actividades que, por aquello de las comparaciones, nos hace sentir envidia sana e insana de algunas cosas catalanas: la costa, el clima, el conjunto monumental de la ciudad antigua, algunos famosos cabarets... la capacidad gestora de la Caixa. Estos días podemos contemplar una exposición muy interesante con obras de la propia entidad bancaria, un pequeño montaje explicativo sobre la obra de Barceló en Ginebra y, lo que parece recabar la mayor aceptación social: las obras de Rodin, que convocan verdaderas aglomeraciones de público ávido del arte de toda la vida.
Acudimos el sábado y además de cumplir el rito obligado de las fotografías, dimos un paseo por las salas de "Zonas de riesgo", donde han reunido varias obras interesantes, alguna de pasado conocido en una exposición memorable del Reina Sofía... Lo más curioso: un joven guía con aspecto de Harry Poter empollón en Historia del Arte, explicaba a la puerta de una sala de proyección una vídeo-obra a un grupo de personas... Seguramente, tenían poco tiempo para hacer una visita detallada... La exposición, según mi juicio, es de un nivel bastante alto.
En otra sala de pocos metros cuadrados se ofrece al público una especie de "reportaje" fotográfico y videográfico sobre la polémica obra de Barceló, que apesta a promoción simbiótica...
En definitiva, obras para todos los gustos...

El Manga y el Louvre

Por Miguel Ángel Rego Robles

Ya solo con el título del artículo, se denota cachondeo. Parecen dos compañeros de fechorías típicos del tebeo. Y es que de tebeos anda la cosa. Parece ser que los comisarios de este emblemático museo, se acaban de dar cuenta de la importancia de la tira cómica, la viñeta o la caricatura en el mundo del arte, mejor dicho en la Historia del Arte. En ciertos portales de Internet, el manga se califica como arte contemporáneo ¿?¿?¿ El procurador de esta exposición Fabrice Douar, argumenta que quiere resaltar la calidad de las tiras cómicas. (Más ¿?¿?¿)
Las condiciones de los encargados es que los dibujantes deberían referirse a Paris, y demás aspectos históricos que rodean a la ciudad y al museo del Louvre ¿De nuevo el poder encaminando? Y es que desde la aparición de las primeras caricaturas a raíz del Salón de Paris de 1789, donde cualquier persona podía admirar las obras de los antiguos (y que más tarde cualquiera podría exponer junto a ellas), el poder se apresuró a aprovechar esas risas incondicionales que surgían del espectador. Parece ser que se nos han olvidado nombres como Alfons Allais y esos monocromos donde a plena carcajada se reía de lo acaeciente en su época, Duchamp dotando de un peculiar “mostacho” a la mona lisa, o simplemente cuando en esos salones se exponían cuadros del revés.
Creo que esta idea tampoco es que haya surgido de una cabeza alumbrada por la divinidad ya que ¿Qué hace sino el Perro Puppy de Koon al darnos la bienvenida al Guggenheim? Esa es la verdadera tira cómica.

La "Mierda Compleja" de Paul McCarthy siembra el caos en Suiza

Dicho así, suena a cachondeo, en especial, si quien lee el titular no distingue al Paul McCarty creador plástico contemporáneo, nacido en Utah (USA), de Paul McCartney de los Beatles... Y lo cierto es que el titular describe exactamente lo sucedido en el Centro Paul Klee (Berna), cuando el viento arrastró por más de 200 metros una escultura de Paul McCarthy, con aspecto de monumental acopio excrementicio.
Según las autoridades del museo la obra de McCathy tenía un dispositivo automático de seguridad que lo desinflaba en caso de emergencia, pero que falló... No me lo creo, francamente no me lo creo; poner un dispositivo de seguridad a una mierda cauterizaría su potencial provocador y apocalíptico y ello sería incompatible con la actitud provocadora del autor... Entiendo que debemos situar la justificación como respuesta forzada por el oficio.... Los visitantes al Centro Paul Klee no pueden acudir corriendo el riesgo de ser aplastados por una... obra de arte.

Floridablanca. La utopía reformadora... en penumbra

En la Academia de San Fernando podemos ver uno de los acontecimientos culturales de mayor aceptación social, si atendemos a las cifras de visitantes y dejamos al margen los eventos de los grandes museos madrileños: "Floridablanca. La utopía reformadora, 1728-1808" (23 de diciembre de 2008 a 22 de febrero de 2009). si no he entendido mal el objetivo de la exposición, el comisario, Cristóbal Belda Navarro, nos ofrece una panorámica del movimiento ilustrador en torno a la figura del conde Floridablanca, que fue Fiscal del Consejo de Castilla y Primer Ministro, hasta la llegada de Godoy al poder, cuando fue destituido acusado de corrupción; recuperó cierto protagonismo político al final de su vida, en plena "Guerra de la Independencia" y murió en 1808. Lo más meritorio de su actividad política, por supuesto, además de su incansable labor cotidiana: la firma del Breve Dominius ac Redemptor noster, que suponía la supresión de la Compañía de Jesús (1773), según mi punto de vista insuficientemente explicado en el "nivel divulgativo".
Se han recogido alrededor de 170 obras de naturaleza variable, entre las que destacan unas pocas obras de Goya y algunas otras de diferentes autores menos valorados por la ciudadanía...
Me han sorprendido dos cosas en este evento... La primera, el escaso "interés objetivo" de la exposición (seguramente el catálogo solventará las carencias en ese sentido y en otros detalles, como el da la supresión de los jesuitas), según mi particular juicio, que obviamente no se corresponde con el de otras muchas personas. Entiendo que centrar el estudio de la historia en las biografía de los "grandes prohombres" no es, precisamente, la más adecuada. Interpretar la Ilustración como un fenómeno supeditado a la voluntad de tres o cuatro "espíritus refinados" es, cuando menos, tendencioso, incluso, sabiendo que se habla de "Despotismo Ilustrado". En ese sentido, esta exposición parece anexo pobre a la que se realizó en el Palacio Real: Ilustración y Liberalismo, 1788-1814.
La segunda: en el montaje se ha empleado un sistema de iluminación propio de un oratorio, que dificulta considerablemente la visión de las pinturas y hasta la lectura de las cartelas. Es sabido que la luz estropea las pinturas, pero si se hace una "exposición" es obvio que los visitantes deben poder contemplar lo que se exhibe... Imagino que los señores académicos habrán pensado en mostrar el alma de las obras y dejar la imagen para cuando llegen los técnicos de Google...

Experiencias estéticas singulares. El museo del vidrio de Alcorcón o el éxtasis del "moviment"

El ayuntamiento de Alcorcón gestiona un museo singular, que fue inaugurado el 23 de octubre de 1997: el Museo Municipal de Arte en Vidrio de Alcorcón (MAVA). Su sede es un antiguo palacio de principios del siglo XX, con regusto a capricho bávaro interpretado por un tramoyista de Walt Disney. Lo hemos visitado esta mañana, animados por el ambiente frío y ventoso, inadecuado para actividades más naturales o para pasear... Nada más cruzar la puertas de vidrio, sentimos una sensación más propia de una cámara frigorífica que de un museo. La persona que nos recibe, nos explica que el sistema de climatización no tiene arreglo y el ayuntamiento no tiene dinero para cambiarlo... ¿¡Que el ayuntamiento de Alcorcón no tiene dinero¡? La duda queda atrapada en mi mente como burbuja metafísica en el vientre de Quevedo... Antes de visitarlo, me había dejado perplejo conocer que se trataba de un museo de arte contemporáneo, compuesto exclusivamente por piezas de vidrio. Si existe un museo de arte contemporáneo con obras de vidrio, cabría imaginar otros tantos con obras de madera, mármol, aluminio, latón, acero inoxidable,lana, plástico... Tiene sentido un museo de vidrio anexo a la fábrica de la Granja, pero substanciar la médula de un museo de arte contemporáneo de ese modo es como organizar los libros de una biblioteca según el color de las cubiertas... Desde esas consideraciones, llegaba con grandes recelos, suponiendo estar ante una de esas instituciones que, al amparo de un interés social muy forzado, sirven para mover dinero, proporcionar beneficios a unas cuantas empresas, para crear cuatro o cinco puestos de trabajo para otros tantos amiguetes o parientes y unas cuantas plazas más para mileuristas...
La página Web del museo, en texto firmado por su directora, Mª Luisa Martínez García, justificaba su existencia como respuesta al "Studio Glass Moviment" (sic), creado por Harvey K. Littleton en el "Toledo Art Museum de Ohio" (sic)... Y deduje que se trataba de otro caso de subsidiariedad cultural con tintes de rancio provincianismo... Si los americanos tienen un Glass Pavillion en el Toledo Museum of Art, nosotros tendremos un museo completo dedicado exclusivamente a piezas de cristal y que acredite nuestra modernidad, documentando la inclusión de nuestros artistas en el Studio Glass Movement...
La persona que nos recibe, envuelta en un grueso abrigo y con una bufanda de lana alrededor del cuello, nos pregunta dónde vivimos y nos advierte que no se pueden hacer fotografías, tal y como indica el cartel correspondiente... Es sabido que las cámaras fotográficas roban el alma de los objetos artísticos... a no ser que las fotos sean realizadas por los técnicos de Google, tal y como nos ha recordado el señor Zugaza (director del Museo del Prado), al dar a conocer las imágenes de gran definición, accesibles mediante Google Earth: "(mediante Google Earth) Vamos a ver el cuerpo, pero no el alma de la obra, que está en la contemplación del original". Sumido en el estado pesimista inducido por la primera impresión y mis prejuicios, me reitero en la idea de que mientras el dinero público se concentra en los grandes museos emblemáticos, los demás, cumplidas las prosaicas funciones mencionadas, subsisten entre el desinterés de sus gestores y la pasividad del público... Y me pregunto si las "pequeñas obras de arte" del MAVA, también tendrán un alma... aunque sea chiquitita...
Unos instantes de vacilación nos proporcionan las ideas necesarias para completar la ubicación: en el museo, cuya entidad espacial, se abarca de un vistazo, no hay nadie más que nosotros... Optamos por subir las escaleras y empezar el recorrido por la planta alta; de ese modo la visita será más relajada...
Pero al superar el último peldaño, mi ánimo se transforma por completo: allí está la piedra de Rosetta que nos obliga a modificar radicalmente nuestro juicio inicial pesimista y profundamente equivocado, porque la frialdad ambiental, el bloqueo de la calefacción no era una cuestión de incuria ni pasividad política sino algo muy distinto.
Estábamos ante un espectáculo magnífico, insólito, maravilloso, de esos que erizan el vello y elevan alma a las terrazas del éxtasis. El título, por obvio, es innecesario: "Obra de Arte en Cristal con Cubos de Plástico de línea Prestigio"; no se apreciaba la cartela con el título y el nombre del autor, pero no hacía falta. Lo que veíamos parecía el efecto de una monumental gotera, pero es sabido que los sentidos nos confunden con frecuencia. En realidad se trataba (debía tratarse) de una obra de María Luisa Martínez García (directora del Museo). Con ella, la autora ha sabido establecer una relación metafísica y multipolar entre el espacio expositivo intangible, el mármol del suelo y el falso techo, envejecido y degradado gracias al agua que se filtra desde la cubierta. Todo ello es fiel reflejo de un discurso hermenéutico que nos habla de la interrelación entre la cosificación museística y las consecuencias del cambio climático, aludido, claro está, por el vaho que salía de nuestros rostros, gracias a la temperatura ambiental. Francamente maravilloso. Por fin me fue dado comprender el sentido simbólico de la aparente errata del texto citado: no es "Movement", sino "Movi-ment", es decir, el "movimiento" (movi) que estas constataciones deben activar en las mentes de los visitantes (ment)...
Y, milagrosamente, nuestro espíritu comenzó a emanar un fervor místico que nos hizo pensar en la Santa Teresa de Bernini... ¡Por fin nos fue dado comprender la voluntad de Bernini al retratar a la santa de modo tan inconveniente en apariencia!
Para finalizar, desde este foro deseo felicitar públicamente a todas las personas involucradas en la creación de una experiencia estética tan singular... Lo que sucede en el Museo del Vidrio de Alcorcón, las goteras, la inexistencia de calefacción, la incapacidad para atraer al público no es fruto de mala gestión, chapucería, torpeza ni nada por el estilo es, sencillamente, Kunstwollen (voluntad estética).

El desfile de las vacas en Madrid

En Zurich, hace diez años, al escaparatista Walter Knapp se le ocurrió una idea que, substancialmente, ha recorrido muchas ciudades del mundo y que, con cierto retraso, llega ahora a Madrid, cuando casi todo el mundo está familiarizado con las peculiares vacas policromadas.
La idea de Walter Knapp nacía condicionada por la intención de que los ciudadanos volvieran a las zonas comerciales tradicionales. Y se le ocurrió distribuir 800 vacas de fibra de vidrio con cualidades "artísticas" proporcionadas por varios artistas, dirigidos por su propio hijo, el conocido escultor Pascal Knapp. Desde entonces, se han celebrado "exposiciones" en muchas ciudades, sin que el "sistema" haya variado substancialmente.
Para ésta de Madrid se han preparado más de cien vacas, "decoradas" por varios artistas o por personalidades de gran proyección social, según los criterios determinados por las empresas patrocinadoras. Transcurrido un tiempo preestablecido, las vacas más reconocidas estéticamente se subastarán y el dinero acumulado será destinado a organizaciones no gubernamentales; en estas operaciones se han recaudado durante los últimos 10 años 23 millones de euros.
Con un presupuesto próximo a los 3 millones de euros, según marketingdirecto.com, CowParade Madrid está producido por EnergY Splash, empresa dedicada a dar respuesta a "los retos que suponen la producción artística y la organización de eventos en un campo continuamente en movimiento" , según reconocen en su página Web.
Los eventos realizados durante los últimos años por esta empresa son (siempre según la página de la propia empresa): Minho Campus Party (2004), Estoril Open'04, Celebración sobre el Nacimiento de la Lotería Nacional (2004), Karlovacko Korner (2004), Heineken Thirst (2005), Heineken Mundomix (2005), Heineken Convención (2005),Heiken Champios League (2006), CowParade Lisboa (2006 ), Inauguración de la Exposición Daniela Ribeiro (2006), Jardines Digitales (2006), 100 Años del Puerto de Lisboa (2007), Bodies (20707-2008), CowParade Madrid (2008) y Titanic, The Artifact Exhibition (2008). Sintetizando, que es gerundio: EnergY Splash es una empresa especializada en la organización de eventos sociales de cierta entidad.
¿Quién paga el evento? En este caso, los patrocinadores componen varios grupos. Los llamados "patrocinadores oficiales" son: Audemars Piquet (fabricantes de relojes), El Gobierno Español (Ministerio de Medio Ambiente y Medio Rural y Marino) y El Corete Inglés; los "Patrocinadores de Manada" son El Metro y La Mutua Madrileña; los Medios Oficiales que apoyan el evento son: El País, TeleCinco y Kiss FM. También existen "Patrocinadores de Vaca" (Coronita Cerveza, Mallorca Pastelerías, Tetra Pak, Madrid Visión, MasterCard, Café & Té, Prevent, Correos, Delta, Break, Rodilla, Lauki y Mixta), "Colaboradores Especiales" (Anuncios, Christie's, Círculo de Bellas Artes, Deseo Sin Límites, Energy Splash, Escola Superior de Conservación e Restauro, Globally, Hospital Infantil Universitario Niño Jesús, McCann Erickson, Refresh Multimedia, The Westin), "Patrocinadores Institucionales" (la Oficina en España del Parlamento Europeo y la Embajada del Reino de los Países Bajos) y "Anfitriones" (Distritos de Centro, Retiro y Salamanca, del Ayuntamiento de Madrid)
"CowParade fue considerada en 2001 una de las diez mejores ideas de Marketing del mundo por la más prestigiosa revista especializada del sector, Advertising Age, y hoy, siete años después, sigue siendo una poderosa herramienta de comunicación al servicio de las empresas patrocinadoras que ha triunfado en más de 50 países de los cinco continentes"

Lo más positivo: Desde la perspectiva de los "espectadores", El desfile de las vacas, ofrece una escusa perfecta para realizar una excursión por las zonas predeterminadas, curiosear y, sobre todo, realizar fotografías... ese nuevo "deporte" universal desde que se difundieron las cámaras digitales. Debo reconocer que algunas vacas ofrecen magníficas soluciones estéticas... Y si realizamos el paseo un domingo por la mañana, quedaremos a cubierto de las veleidades consumistas...
Por el lado de lo manifiestamente mejorable, me gustaría enfatizar unas cuantas majadas:
La primera: ¿Qué hace la Administración Central (Ministerio de Medio Ambiente y Medio Rural y Marino) empleando dinero del contribuyente en esta iniciativa?
La segunda: Tirón de orejas enérgico a Energy Splash, por la deficiente instalación de algunas vacas y por su incapacidad para reparar rápidamente las acciones de los gamberros o las erosiones producidas por el uso y disfrute. Las vacas colocadas en calles con fuerte pendiente se han dispuesto chapuceramente, sin nivelar el soporte, y ofrecen un resultado visual manifiestamente mejorable.
La tercera: las autoridades políticas deberían exigir mayor especialización a las empresas dedicadas a eventos estéticos, sobre todo, si aportan dinero público; una exposición artística no puede gestionarse con criterios afines a un festejo universitario...

La Escuela Yi: treinta años de arte abstracto chino

La creciente importancia de China en el concierto estético internacional se siente cada día con mayor firmeza; cada vez son más frecuentes las exposiciones de arte chino y, en general, los eventos relacionados aquella sociedad, aún dividida. La que podemos ver en Caixa Forum presenta a un puñado de artistas centrados en un peculiar "Expresionismo Abstracto", que ponen, de nuevo, sobre la mesa los principios creativos que recogiera Gillo Dorfles hace muchos años ("Últimas tendencias del arte de hoy"). Aunque para las corrientes culturales chinas ortodoxas (sujetas al poder político), el Expresionismo abstracto es una corriente "burguesa" o, incluso, la expresión estética específica del "Imperialismo Norteamericano", lo cierto es que sus principios teóricos encajan perfectamente con las tradiciones taoísta, muy arraigadas en el inmenso país asiático. Esa es, a mi juicio, el camino por el que debemos buscar la explicación para "comprender" que una corriente casi marginal en China se haya mantenido con vigor hasta la actualidad, hasta convertirse en un "símbolo" o, mejor, "síntoma" de la globalización asumida por una nueva corriente cultural dominada por el pragmatismo. ¡Si Mao Zedong levantara la cabeza! Me han interesado muy especialmente las obras reticulares, que unas veces parecen inspiradas en efectos ópticos (retícula de Haring) y otras en estructuras específicas del Expresionismo Abstracto (J. Pollock)...

"Arte sencillo"

César Delgado, gran amigo, a quien no veo hace tiempo, me ha enviado este vídeo sorprendente. Aún más sorprendente es el tinglado comercial anexo y los precios que cobran por las pinturas de los elefantes, entre 40 $ y 800 $; el dinero se dedica a la protección de estos animales, amenazados de extención...



Al parecer, uno de ellos, llamado Punpecht, de 8 años de edad, que lleva dedicándose a la pintura desde los 2, se interesa muy especialmente por las composiciones "abstractas", como la de la imagen adjunta; sus obras se cotizan en 185 $...

Entropa; escándalo político-estético a la vista

Aún fresca la bóveda de Barcelo, la República Checa, como "presidenta" de la Unión Europea, acaba de inaugurar una exposición artística para poner de manifiesto que los estereotipos de cada país son barreras a destruir... Pero a la vista de la documentación correspondiente, no sé si nos están hablando de superar vicios o de uniformidad.
La obra que representa a España está firmada por Ricardo Romeo y representa el mapa de la Península como un erial de hormigón armado. Los demás creadores no han sido menos ácidos...

Los medios de comunicación se están alineando como de costumbre... Adivine el lector a qué paises corresponden las imágenes adjuntas:

El Arte y la Iglesia Católica

Es frecuente que en este blog aparezcan referencias a la relación entre el Arte y la Iglesia; supongo que ello obedece a que, a pesar de los dictados del sentido común y de las recomendaciones de las personas más cualificadas en asuntos de patrimonio histórico-artístico, en su día, los políticos no tuvieron agallas para ofrecer una actitud firme frente a la Iglesia y consagraron un texto legal (la Ley del Patrimonio Histórico Español), que, a su vez, consagraba un orden de prioridades que anteponía el uso ritual al cultural. El día que se promulgó la ley debería señalarse con un punto negro en el calendario de los intereses sociales, porque en aquella dejadez de responsabilidad está el origen de un caudal infinito de situaciones surrealistas y de arbitrariedades que dejan en muy mala situación al excepcional Patrimonio Histórico Español. Son muy conocidos los escándalos promovidos por las "restauraciones" de algunas catedrales de Castilla-León. En la actualidad continúa el grave problema de la degradación de Ávila...
Y con la dinámica evolutiva de la institución religiosa, es de suponer que las cosas irán a peor, a mucho peor. Ahora mismo son numerosísimos los edificios que han dejado de ser atendidos, sencillamente, porque las instituciones eclesiásticas no tienen "personal" para afrontar las necesidades más elementales del mantenimiento arquitectónico. Los conventos y las iglesias se cierran por falta de religiosos y sacerdotes y, en consecuencia, nadie vigila si aparece una gotera, si se rompe una tubería, si han entrado los ladrones. Y en esas circunstancias, sería absurdo esperar que alguien se ocupara de atender a las personas interesadas en "la cosa estética"... Las consecuencias se ofrecen nítidas en la actualidad... Me limitaré a enfatizar dos fenómenos muy concretos... La iglesia también especula

El paso siguiente a la dejadez secular antes mencionada es casi obvio: perdida la servidumbre real, la Iglesia se "ve obligada" a renunciar a la conservación y facilitar su expropiación o a ofrecer sus bienes inmobiliarios al mejor postor... Y ante el dilema, la solución es obvia. Poco a poco, pero en secuencia continua, las antiguas iglesias se van convirtiendo en hoteles, cafeterías, bares... sin que ello suponga ninguna reacción social. Seguramente, ello se debe a la inmensidad de nuestro patrimonio. Y además... bajo el imperio de liberalismo, estaría bueno que la Iglesia fuera la única entidad ajena a los pingües beneficios de la especulación inmobiliaria. En el derecho canónigo no se contemplan impedimentos contra ello... Sin embargo, los bienes de interés cultural no pueden ser utilizados como cualquier otro inmueble, porque tal y como recoge el Preámbulo de LEY Patrimonio Histórico Español (BOE de 29 de junio de 1985):
"El Patrimonio Histórico Español es una riqueza colectiva que contiene las expresiones más dignas de aprecio en la aportación histórica de los españoles a la cultura universal. Su valor lo proporciona la estima que, como elemento de identidad cultural, merece a la sensibilidad de los ciudadanos. Porque los bienes que lo integran se han convertido en patrimoniales debido exclusivamente a la acción social que cumplen, directamente derivada del aprecio con que los mismos ciudadanos los han ido revalorizando.
En consecuencia, y como objetivo último la Ley no busca sino el acceso a los bienes
que constituyen nuestro Patrimonio Histórico. Todas las medidas de protección y
fomento que la Ley establece sólo cobran sentido si, al final, conducen a que un número
cada vez mayor de ciudadanos pueda contemplar y disfrutar las obras que son herencia de la capacidad colectiva de un pueblo. Porque en un Estado democrático estos bienes
deben estar adecuadamente puestos al servicio de la colectividad en el convencimiento
de que con su disfrute se facilita el acceso a la cultura y que ésta, en definitiva, es
camino seguro hacia la libertad de los pueblos."
Por desgracia, el Estado español no ha mostrado capacidad para hacer valer esos principios frente a la Iglesia, por dos razones obvias. La primera: el intento de no chocar con una entidad que aún conserva poder sobre las conciencias de un porcentaje estimable de los ciudadanos. Y la segunda: porque asumir activamente esa responsabilidad supondría un gasto incompatible con la actual estructura económica. Si el Estado no ha sido capaz de poner en valor el patrimonio histórico artístico que está bajo su tutela (los edificios de "segundo nivel" permanecen en situación de abandono fáctico), ¿cómo afrontar el cuidado de un conjunto tan extenso como el eclesiástico?
La pasividad consiguiente tiene, pues, ventajas obvias, pero también ciertos inconvenientes...

La catedral de la Almudena

Hace poco, dando un paseo por la catedral de la Almudena, casi nos dimos de bruces con la inscripción que existe a la entrada y da testimonio de la iniciativa que tenía por objeto finalizar las obras:
"LOS EMMOS SRES CARDENALES D. ANGEL SUQUÍA GOICOECHEA Y D. ANTONIO MARÍA ROUCO VARELA DECIDIERON CULMINAR ESTE TEMPLO CATEDRAL EN HONOR DE SANTA MARÍA LA REAL DE LA ALMUDENA.
FUERON SUS PRINCIPALES COLABORADORES EL ILMO. Y RVMO. MONS. D. ANTONIO ASTILLERO BASTANTE (PROTONOTARIO APOSTÓLICO DE SU SANTIDAD), COMO DELEGADO Y LOS EXCMOS. E ILMOS. SRES. D. ÁLVARO LACALLE LELOUP, D. PEDRO OJALVO MANZANARES, D. FRANCISCO MUÑOZ GARCÍA-VASO Y D. ALFONSO RAMONET GARCÍA, QUE CONSTITUYERON LA JUNTA PARA LA REALIZACIÓN DE LAS OBRAS.
FUERON SU ARQUITECTO Y CONSTRUCTOR, AMBOS BENEFACTORES, LOS EXMOS. SRES. D. FERNANDO CHUECA GOITIA Y D. ÁNGEL-CÉSAR BELTRÁN SANZ, RESPECTIVAMENTE.
LA ARCHIDIÓCESIS DE MADRID DA TESTIMONIO DE SU RECONOCIMIENTO Y GRATITUD
XXXI-XII-MCMXCVI
"IN LAUDEM GLORIAE EIUS" (EfI, XIV)
De su lectura deduzco que el templo fue construido con el dinero de las personas mencionadas en la lápida conmemorativa... Sin embargo...
Para la finalización de las obras, iniciadas en 1883 y que se eternizaban, hubo que reunir las aportaciones de varias entidades públicas y privadas (Casa Real, Ayuntamiento, Comunidad Autónoma, Caja Madrid, Cámara de Comercio y Asociación de la Prensa) movilizadas por la voluntad del Presidente de Gobierno, por entonces, un tal Felipe González Márquez. Por fin, el 15 de junio de 1993 Juan Pablo II pudo consagrar la catedral de La Almudena... Naturalmente, la lápida habla de otra cosa y, por consiguiente, no es una falsedad en bronce... Un refrán popular dice: "Quien echa pan a perro ajeno, pierde pan y pierde perro"...
Completamos la visita dando un paseo por su interior, donde imperan las "sorprendentes" pinturas de Kiko Argüello, extraño híbrido entre la iconografía tradicional rusa (Andréi Rubliov) y el cartelismo cinematográfico de los años centrales del presente siglo (Macario Gómez), que repiten fórmulas empleadas previamente en un templo neocatecumenal de la República Dominicana (Seminario Misionero Archidiocesano Redemptoris Mater de Santo Domingo).
La Real Academia de Bellas Artes hizo público un comunicado de sus miembros, al parecer, firmado por unanimidad, en el que consideraban que las modificaciones en la decoración de la Catedral de la Almudena alteraban «de forma muy negativa la visión de la girola de la Catedral» Y continuaban: «Por ello, la Corporación deplora que los encargos realizados por el Cabildo para el ornato y decoración de interiores de un monumento arquitectónico tan significativo no se hayan hecho con el rigor y la exigencia profesional mínimamente necesarios».
Julio López Hernández expresó su opinión en los siguientes términos: "No me gustan las pinturas de Kiko Argüello. Se ha intentado recrear un estilo desfasado y no encaja en la mentalidad actual. Por mucho que quiera recordarnos que los colores puedan ser picassianos o evocarnos a los de Matisse, esa decoración interior de la Almudena es anacrónica. De poca ventura buscando una especie de fluido gótico-bizantino. Esas pinturas no están hechas con el espíritu de esa época que buscaba retratar. Faltaba, precisamente, espíritu de lo bizantino y de lo gótico. Son, por supuesto, deplorables".
No suscribo las palabras de Julio López Hernández porque según mi opinión, la situación era y es mucho más absurda desde el punto de vista estético. La respuesta escandalizada de la Institución Académica y de sus miembros nacía de un hecho que interesaba al corazón del Estado: la celebración de la boda del príncipe Felipe....
Visto de la escala de prioridades definida en la Ley del Patrimonio Histórico Español, era lógico que las jerarquías eclesiásticas decidieran lo que más les convenía para el ejercicio de las necesidades rituales , y si el Arzobispo de Madrid entendía que las pinturas de Kiko Argüello eran las más adecuadas para sus fines, nadie podía argumentar nada. En caso contrario, habríamos cometido la misma insolencia que, a diario, cometen las dignidades eclesiásticas cuando intentan imponer sus criterios a todos los ciudadanos.
Como ese no es mi caso y no me siento "afectado" personalmente por el espectáculo naif que ofrece el interior de la catedral de Madrid, me limitaré a indicar que tiene gracia la propuesta "estética" mezclando los "estilos" de Andréi Rubliov y Macario Gómez... Y deduzco que tienen por objeto publicitar un modelo ritual vuelto hacia el pasado, hacia la época en que el cristianismo se imponía a la sociedad al amparo de un poder político que nadie discutía. Son muchísimo más interesantes las pinturas de Macario Gómez y, desde luego, las de Andréi Rubliov, que tenían la virtud de ofrecer propuestas claras a la piedad popular, pero también encerraban una complejidad simbólica extraordinaria. Pero comprendo que si Kiko Argüello hubiera optado por sacar partido a un planteamiento similar al de la Trinidad del Museo Tetriakov, habría entrado en conflicto con uno de los objetivos apostolares definidos desde el movimiento neocatecumenal, que él mismo dirige: la elementalidad...

En suma, para mi gusto, la decoración de la Almudena, realizada bajo la dirección de Kiko Argüello, incluso considerada como obra artesanal, resulta demasiado simple para encontrar en ella otros valores estéticos que los meramente propagandísticos.
El arte actual da la espalda a la Iglesia y la Iglesia da la espalda al arte ofreciendo, de hecho, unas cuantas ideas (¿beligerantes?) que, en su elementalidad ("La belleza salvará al mundo"), calarán en los sectores sociales afines: el arte debe ser, ante todo, "algo bonito", desprovisto de matices inquietantes salvo que convenga al uso ritual (Pasión de Cristo, imágenes de martirios, etc.), que ennoblezca los ritos, refleje la maestría y la piedad del "artífice" (¿"artista"?) y sea fiel trasunto de la fusión que debe existir entre el Bien la Verdad y la Belleza. Es decir, que también los "artistas" permanezcan anclados en los valores estéticos, religiosos e ideológicos anteriores a la Revolución Industrial y a las transformaciones científicas y culturales del siglo XX.