viernes, 31 de octubre de 2014

Autodesk 123D

Me lo envía Javier, indicándome que los visitantes a los museos se dedicarán a hacer fotografías en círculos...

Ya existen versiones para todos los sistemas operativos.

jueves, 30 de octubre de 2014

La lección de anomia

Me lo pasa Jesús...


Fósforos y metáforas

Según me indica Alberto y recoge el confidencial, sectores católicos se han sentido muy molestos ante un elemento de la exposición "Un saber realmente útil":

(...) "la comunidad católica ha lanzado dos campañas de recogida de firmas: una, con cerca de 4.000 firmas, pide a José Ignacio Wert que destituya “inmediatamente” al director del Museo Nacional Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, por haber “aprobado y promovido de una exposición en la que se incluye incitación a la violencia anticristiana, vejación contra los católicos y promoción de campañas abortistas”. “Es indignante y presuntamente delictiva”, añaden.   
La otra, lanzada desde la asociación Hazte oír, pide al director, con copia al ministro de Educación, Cultura y Deporte, “que retire los contenidos que insultan a las creencias de los ciudadanos”. La suma de las firmas se acerca a las 20.000. “Sería condenable que una confesión religiosa pidiera dinero al Gobierno para insultar a mujeres feministas. Por el mismo motivo, resulta condenable que un grupo de mujeres feministas haya recibido recursos del Gobierno para insultar a una confesión religiosa”, explican desde la convocatoria.
En la carta modelo en la que se pide la retirada de la polémica obra se puede leer que “nada de esto parece demasiado democrático”. “Como no lo es utilizar el arte como tapadera para atacar los sentimientos de tantas personas”, dice. (...)"

Foto elconfidencial
Por su parte, el MNCARS ha publicado un comunicado en respuesta a dichas quejas:

"Ante las quejas manifestadas por parte de algunos sectores a través de diversos medios, en relación a la exhibición de la obra 'Cajita de fósforos' (2005), del colectivo “Mujeres Públicas”,  en el contexto de la exposición “Un saber realmente útil”, el Museo Reina Sofía quiere dejar constancia de las siguientes cuestiones:
Las obras de arte que están presentes en esta muestra reflejan únicamente las opiniones de sus autores, pero no representan en modo alguno una opinión o actitud del Museo en relación a los asuntos y expresiones que en ellas se manifiestan.
El Museo Reina Sofía respeta la libertad de expresión y la libertad de creación artística, de igual modo que respeta todas las creencias y la libertad de opinión de las personas que han sentido herida su sensibilidad.
Por otra parte, esta institución no ha censurado ni puede censurar la obra de un artista, pues atentaría de lleno contra la libertad de expresión, que viene amparada por nuestra Constitución. El censurar una obra violaría el derecho a la difusión artística.
En lo que se refiere en concreto a  la obra en cuestión, que ha sido mostrada anteriormente en otras exposiciones, utiliza una expresión propia de un contexto histórico específico y determinado, y sólo puede ser interpretada y discutida metafóricamente en el presente. Es así como lo entienden las artistas. Asimismo, una obra de arte no tiene una única interpretación y ofrece siempre la posibilidad de expresión de múltiples puntos de vista sobre ella.
Por último, hay que destacar también que, en el ámbito de las funciones que competen al Museo Reina Sofía, éste intenta ser un espacio de diálogo y reflexión sobre distintos temas, algunos de ellos controvertidos, sin que ello implique, en ningún caso, ánimo de ofender o un ataque a las creencias de los visitantes, por los que siente el más absoluto de los respetos, como no puede ser de otra forma."

Jordi Savall renuncia al Premio Nacional de Música 2014

Según informa La Vanguardia:

"El director, músico y compositor Jordi Savall (Igualada, Barcelona, 1941) ha renunciado al Premio Nacional de Música 2014, en la modalidad de Composición, que concede el Ministerio de Cultura y que está dotado con 30.000 euros.
El jurado había destacado en su fallo la infatigable labor en la recuperación y difusión del patrimonio musical español por parte del intérprete, director y musicólogo catalán Jordi Savall."

Foto Entretanto Magazine
Y ha explicado sus razones en una carta dirigida al señor Wert en los siguientes términos:

"30 de octubre de 2014
Distinguido Sr. Wert,
Distinguidos Señores del Jurado del Premio Nacional de Música 2014,
Recibir la noticia de este importante premio me ha creado dos sentimientos profundamente contradictorios y totalmente incompatibles: primero, una gran alegría por un tardío reconocimiento a más de 40 años de dedicación apasionada y exigente a la difusión de la música como fuerza y lenguaje de civilización y de convivencia y, al mismo tiempo, una inmensa tristeza por sentir que no podía aceptarlo sin traicionar mis principios y mis convicciones más intimas.
Lamento tener que comunicarles pues, que no puedo aceptar esta distinción, ya que viene dada de la mano de la principal institución del estado español responsable, a mi entender, del dramático desinterés y de la grave incompetencia en la defensa y promoción del arte y de sus creadores. Una distinción que proviene de un Ministerio de Educación, Cultura y Deportes responsable también de mantener en el olvido una parte esencial de nuestra cultura, el patrimonio musical hispánico milenario, así como de menospreciar a la inmensa mayoría de músicos que con grandes sacrificios dedican sus vidas a mantenerlo vivo.
Es cierto que en algunas contadas ocasiones he podido beneficiarme, a lo largo de más de 40 años de actividad, de alguna colaboración institucional: la celebración del V Centenario del descubrimiento de América, las pequeñas ayudas a giras internacionales y recientemente las invitaciones del Centro Nacional de Difusión Musical a presentar nuestros proyectos en Madrid. Pero igual que la inmensa mayoría de músicos y conjuntos del país, he seguido adelante solo con mi esfuerzo personal sin contar jamás con una ayuda institucional estable a la producción y materialización de todos mis proyectos musicales. Demasiado tiempo en que las instancias del Ministerio de Educación, Cultura y Deportes que usted dirige continúan sin dar el impulso necesario a las diferentes disciplinas de la vida cultural del Estado español que luchan actualmente por sobrevivir sin un amparo institucional ni una ley de mecenazgo que las ayudaría, sin duda alguna, a financiarse y a afianzarse.
Vivimos en una grave crisis política, económica y cultural, a consecuencia de la cual una cuarta parte de los españoles está en situación de gran precariedad y más de la mitad de nuestros jóvenes no tiene ni tendrá posibilidad alguna de conseguir un trabajo que les asegure una vida mínimamente digna. La Cultura, el Arte, y especialmente la Música, son la base de la educación que nos permite realizarnos personalmente y, al mismo tiempo, estar presentes como entidad cultural, en un mundo cada vez más globalizado. Estoy profundamente convencido que el arte es útil a la sociedad, contribuyendo a la educación de los jóvenes, y a elevar y a fortalecer la dimensión humana y espiritual del ser humano. ¿Cuántos españoles han podido alguna vez en sus vidas, escuchar en vivo las sublimes músicas de Cristóbal de Morales, Francisco Guerrero o Tomás Luis de Victoria? Quizás algunos miles de privilegiados que han podido asistir a algún concierto de los poquísimos festivales que programan este tipo de música. Pero la inmensa mayoría, nunca podrá beneficiarse de la fabulosa energía espiritual que transmiten la divina belleza de estas músicas. ¿Podríamos imaginar un Museo del Prado en el cual todo el patrimonio antiguo no fuera accesible? Pues esto es lo que sucede con la música, ya que la música viva solo existe cuando un cantante la canta o un músico la toca, los músicos son los verdaderos museos vivientes del arte musical. Es gracias a ellos que podemos escuchar las Cantigas de Santa María de Alfonso X el Sabio, los Villancicos y Motetes de los siglos de Oro, los Tonos Humanos y Divinos del Barroco… Por ello es indispensable dar a los músicos un mínimo de apoyo institucional estable, ya que sin ellos nuestro patrimonio musical continuaría durmiendo el triste sueño del olvido y de la ignorancia.
La ignorancia y la amnesia son el fin de toda civilización, ya que sin educación no hay arte y sin memoria no hay justicia. No podemos permitir que la ignorancia y la falta de conciencia del valor de la cultura de los responsables de las más altas instancias del gobierno de España, erosionen impunemente el arduo trabajo de tantos músicos, actores, bailarines, cineastas, escritores y artistas plásticos que detentan el verdadero estandarte de la Cultura y que no merecen sin duda alguna el trato que padecen, pues son los verdaderos protagonistas de la identidad cultural de este país.
Por todo ello, y con profunda tristeza, le reitero mi renuncia al Premio Nacional de Música 2014, esperando que este sacrificio sea comprendido como un acto revulsivo en defensa de la dignidad de los artistas y pueda, quizás, servir de reflexión para imaginar y construir un futuro más esperanzador para nuestros jóvenes.
Creo, como decía Dostoyevski, que la Belleza salvará al mudo (sic), pero para ello es necesario poder vivir con dignidad y tener acceso a la Educación y a la Cultura.

Cordialmente le saluda,
Jordi Savall"

lunes, 27 de octubre de 2014

FIAC 2014





En España no hay interés por la danza clásica ni por la ópera

Así lo manifiesta Ángel Corella, cansado de intentar poner en marcha una compañía clásica española. Así lo recoge reublica.com:

"Regresó para quedarse pero no lo consiguió. Ángel Corella, una de las figuras más internacionales de la danza, ha vuelto a pisar este año los escenarios españoles con el sabor agridulce de naufragar en su sueño de montar una compañía clásica española: "Regresé a España y se me ha vuelto a echar", ha dicho. "Se llena a veces el Gobierno la boca diciendo que nuestros jóvenes se van a extranjero a formarse y luego regresan aquí a España. Yo regresé y se me ha echado, no a patadas, pero sí que se me ha echado claramente", ha dicho el bailarín."

Casi a la vez, los medios informan de que el Tribunal de Cuentas alerta sobre el déficit insostenible del Teatro Real de Madrid:

"Madrid, 26 oct (EFE).- El Tribunal de Cuentas ha detectado grandes pérdidas en las cuentas del Teatro Real en 2012, por lo que insta al coliseo a adoptar "medidas urgentes", sobre todo en lo relativo a grandes producciones, ya que, si no "corrige la tendencia", puede peligrar su "viabilidad" en un futuro "cercano".
Las pérdidas generadas por el coliseo madrileño en 2012 ascienden provisionalmente a 6.345.062,83 euros "antes de los ajustes del patrimonio neto", una cifra un 39,92 % "más elevada" que los resultados de 2011.
Así aparece reflejado en el informe del Tribunal de Cuentas remitido a las Cortes, que fiscaliza anualmente las cuentas del coliseo y en el que se subraya su "delicada" situación económica."

Seguramente es más rentable emplear el dinero público en campañas publicitarias institucionales aplicadas a los programas de Mediaset

Sobre Juan Luis Moraza

miércoles, 22 de octubre de 2014

Madrid, te comería a versos


El Thyssen, "museo rosa"

Me pasa Álex el enlace a un artículo de elconfidencial firmado por Pelo R. Riaño, que evalúa en términos sumamente críticos la última exposición del museo Thyssen. Como no pienso acudir a verla, porque la mera existencia de esa institución y, sobre todo, su modelo de gestión me encoragina, propongo su lectura completa y atenta. Con carácter de cita, deseo enfatizar tres párrafos:i

"En su huida hacia adelante, el Thyssen ha perdido el norte por completo. Hoy se descorcha la culminación de un proyecto desorientado, descabezado y en bancarrota. El déficit de cinco millones de euros amasado en 2013 -y enjugado por la pérdida de atractivo entre el público- sobresale en astracanada patrocinada por “el último genio vivo de la alta costura”, Hubert de Givenchy, el más fiel seguidor de Cristóbal Balenciaga. “No puedo imaginar un homenaje más hermoso a mi equipo y a mí mismo”, se lee en el último muro del recorrido compuesto por cerca de un centenar de sus vestidos, salpimentados por algunos cuadros colgados junto a ellos.
Desde el museo lo llaman “diálogo”, cuando quieren decir “excusa”. El señor Givenchy ha elegido del menú de la colección nacional del barón Thyssen las obras que le han apetecido para relacionarlas con sus diseños. Ahí están, como si fueran inspiración unas de otras, como si en algún momento hubiesen mantenido otra relación que no hubiese sido la de conveniencia que se les acaba de encontrar. Ahí está, revalorizando los vestidos, la obra de László Moholy-Nagy, Frank Stella, Sonia y Robert Delaunay, Theo van Doesburg, Mark Rothko, Lucio Fontana, Georgia O’Keeffe, Joan Miró o Marx Ernst.

(...)

Como el mismo director reconocía en rueda de prensa, él no sabe nada de la técnica de esta exposición, aunque sí sabe que la moda “representa la variedad y la belleza”, que no es sólo “un asunto de cosas bonitas, que es la cultura, como Jackie Kennedy, Audrey Hepburn…” Es así, con una propuesta pasada de moda –a pesar de que Solana ha querido compararla con esto-, como ha dejado reducido el proyecto cultural del museo a mero objeto de consumo. Todo vale para agrandar los territorios de la demagogia cultural que sostiene la creencia de que el conocimiento ensucia el disfrute del arte. "

Comenzamos a apreciar las consecuencias de una gestión museística diseñada desde planteamientos ajenos a los intereses sociales (educativos, culturales e, incluso, turísticos); de momento se ha resuelto el problema mediante el dinero de los contribuyentes, que no existe para iniciativas de mayor poso...
Es posible que iniciativas como ésta incrementen la cifra de visitantes; es previsible dada la repercusión mediática... Pero veremos durante cuánto tiempo se mantiene un museo en el que el arte dialoga con la banalidad, con el "universo rosa"...
Me pregunto si los gestores de tan prestigioso museo estarán preparando una exposición antológica de Mercedes Lasarte o de la nuera de la Baronesa, Blanca Cuesta.
Y pensar que el espacio ocupado por tan distinguida institución fue zona de exposiciones temporales del Museo del Prado...

martes, 21 de octubre de 2014

Pyotr Pavlenski, "artista conceptual", se corta una oreja en Moscú

El "artista" ruso Pyotr Pavlenski, que fue noticia internacional hace un año porque se clavó los testículos en la plaza Roja de Moscú, el pasado día 19 se presentó desnudo sobre la pared de la institución psiquiátrica Serbskii de Moscú, donde se cortó el lóbulo de la oreja derecha. Según sus propias palabras, tal y como recogen los medios, su intención era protestar por el uso político de las instituciones psiquiátricas:

«El cuchillo separa el lóbulod e la oreja. El muro de hormigón del Instituto separa la sociedad cuerda de los enfermos mentales. Utilizando de nuevo la psiquiatría con fines políticos el Estado policial se apropia del derecho a trazar la línea que separa la cordura de la locura».

Maravillosa "metáfora"...

Foto Le Courrier de Russie

El MNCARS abrirá sucursal en Santander

Así lo recoge la prensa:

"El museo Reina Sofía ha iniciado los trámites para abrir una sede en Santander. Servirá para albergar el Archivo Lafuente, una valiosa colección reunida por el industrial José María Lafuente (Lugo, 1957), formada por unos 120.000 documentos y 3.000 obras y especializada en historia del arte del siglo XX en Europa, Latinoamérica y Estados Unidos. El principio de acuerdo será tratado hoy en una reunión del patronato del museo y ha contado con el impulso de José María Lassalle (Santander, 1966), secretario de Estado de Cultura.
El formato elegido es el de una cesión por 10 años, con opción de compra tras ese periodo por una cantidad que quedará fijada desde un principio y correrá a cargo del ministerio de Cultura. Salvando las distancias, se trata de una operación parecida a la de la adquisición de la colección Thyssen. La sede será el edificio del Banco de España en la capital cántabra, propiedad del Gobierno regional, que se encargará de costear las obras de acondicionamiento. El Archivo colaborará con el Reina Sofía en la dirección técnica y de contenidos para garantizar su preservación, difusión e investigación. El resto de los detalles —el precio final, la composición laboral, el nombre exacto del centro o la fecha de apertura— están pendientes aún de negociación."

Foto loqueseveyoye
Con cierta ingenuidad, me pregunto si la decisión tendrá algo que ver con el futuro Centro de Arte Botín, que, con proyecto de Renzo Piano, está próximo a ser inaugurado...

lunes, 20 de octubre de 2014

Vandalismo en la exposición de Jeff Koons

Según informa ArtNews, Christopher Johnsosn, de 33 años, ha realizado una pintada en una de las salas de la exposición dedicada a Jeff Koons en el Museo Whitney. El protagonista efímero fue detenido y acusado de daños a la propiedad ajena.

Foto ARTnews

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domingo, 19 de octubre de 2014

La Hamburger Bahnhof de Berlín

Por Lumga

Situada al norte del Bundestag en la capital de Alemania, se encuentra uno de los principales museos de arte contemporáneo de Berlín, la Hamburger Bahnhof. El inmenso edificio que hoy acoge una notable colección de arte y numerosas exposiciones temporales es una reconvertida estación de tren de mediados del siglo XIX. Testigo de todas las transformaciones y cambios ocurrieron en Berlín durante todo el siglo XX, fue en 1996 cuando abrió como el museo que conocemos. Es uno de los muchos museos que se pueden disfrutar por toda la ciudad y su entrada resulta más asequible si es en un bono de uno o tres días, el "museum pass", perfecto para turistas con inquietudes culturales, y con un descuento del cincuenta por ciento sobre todos los precios si se presenta un carné de estudiante. En Berlín todos los museos son de pago. La visita tuvo lugar en julio de 2014.


 La sala principal de la parte este del edificio en del piso bajo alberga obras de la colección Marx del empresario de la construcción Erich Marx, algo muy habitual en los museos de arte contemporáneo, en el marco de la exposición The End of the Twentieth Century. The Best is Yet to Come. A Dialogue with the Marx Collection (traducción del alemán). Ha debido haberse prorrogado hasta este verano porque repasando la documentación las fechas la extendían hasta abril de 2014. En ella se presenta obra de artistas alemanes y extranjeros de suma relevancia en la historia reciente del arte contemporáneo como Joseph Beuys, Marcel Broodthaers, Anselm Kiefer, Mario Merz, Robert Rauschenberg o Andy Warhol. La línea curatorial de la exposición se basa en las obras de estos artistas que en el momento de su realización ofrecían una mirada sobre el futuro, pesimista u optimista, y cómo la podemos interpretar hoy en día. Lo más destacable en mi opinión son las obras de Warhol Double Elvis y Ambulance Disaster legibles como una predicción del sensacionalismo y la banalización de las imágenes más crudas como consecuencia de la sociedad de la información, uno de los trabajos de Robert Rauschenberg vestigio de una performance como un origen de la multiplicidad de medios artísticos y lenguajes hoy en día disponibles y reconocidos en la práctica artística, y la mirada utópica de Joseph Beuys presente en varios de sus trabajos expuestos.
El espacio más amplio de la Hamburger Bahnhof es la nave central comunicada con las alas del edificio por pasillos y escaleras en los que hay instaladas obras de Dan Flavin en diálogo con algún trabajo de Beuys. Las obras expuestas en esta nave central bajo el título de Everyday Life tratan la cotidianidad y la ausencia desde tres puntos de vista diferentes. Alcudi Project de Paola Pivi es una gigantesca instalación en la que la artista pretende recrear mediante la impresión a escala 1:1 la vista aérea de su isla natal descompuesta en varios rollos. Un work-in-progress  que lleva realizando desde 2001 en el que establece que cada vez que esta obra sea expuesta debe añadírsele un rollo, haciendo un total de casi cuatro mil rollos los necesarios para completar la imagen. A través de lo utópico de tal empresa pone en relevancia la imposibilidad de revivir la experiencia del hogar cuando se vive alejado de él. La obra Die Lieblingskleider die Männer und Frauen während ihrer Arbeit getragen haben de Bojan Šarčević presenta las ropas favoritas de varios trabajadores de diferentes sectores que vistieron durante quince días seguidos en sus respectivos trabajos. La presentación de estas ropas sucias pero impecablemente dobladas y expuestas sobre mesas con una aterradora frialdad puede entenderse como una crítica a los medios de producción del sistema capitalista cada vez menos conscientes del elemento humano presente en toda actividad económica. Por último, Gesamtbesitz de Florian Slotawa es una instalación formada por todos los objetos, cajas y demás bienes de la casa del artista apilados como para ser transportados en una mudanza (coche Volkswagen incluido) junto a unos televisores que muestran el inventario de todos los elementos de la instalación. Un trabajo que a través de la descontextualización de los objetos habla de cómo pueden revelar aspectos de la identidad de una persona y cómo en ellos reside parte de ella.

Every Day Life, Hamburger Bahnhof.
A través de un largo pasillo que parte de la nave central, intervenido por varios artistas, se llega al rieckhallen donde se encontraba instalada la exposición Wall Works sobre las distintas maneras que el arte de los últimos cincuenta años ha enfocado su relación con la pared entendiendo por ello de manera más amplia su discurso con el espacio arquitectónico y expositivo del museo y cómo han derivado de este cuestionamiento nuevas formas de creación como la instalación o la video proyección o la creación site-specific. A lo largo de las cinco enormes salas de esta parte de la Hamburger Bahnhof se pueden ver trabajos de Daniel Buren, Joseph Kosuth, Michelangelo Pistoletto o Sol LeWitt junto a otros artistas más actuales como Nasan Tur o Katharina Grosse. Desde obras minimalistas y conceptuales, pasando por pintura, dibujos e instalaciones, como la de Bruce Nauman, la selección ofrece una completa y variada recopilación de trabajos sobre el motivo de la exposición. En cada sala hay extensos paneles explicativos en alemán e inglés de los trabajos incluidos así como una zona con catálogos de exposiciones similares y de los artistas participantes para consulta del público. La última obra es No Exit de Richard Artschwager, una serie de lámparas dispuestas en el techo del interminable pasillo de salida con la palabra Exit sobre ellas haciendo una alusión irónica a las dimensiones de esta parte del museo.

Nasan Tur, Berlin Says... 2014.
La última de las exposiciones temporales tiene una duración hasta verano de 2016 y se titula A-Z The Marzona Collection, una extensa retrospectiva sobre el arte conceptual de la década de los sesenta y los setenta, enfocada en el análisis de obras de artistas, las exposiciones clave y las técnicas y procedimientos en la investigación y el comisariado de este arte por parte de museos y equipos curatoriales. Tomando las letras del alfabeto como iniciales de las palabras clave sobre las que discurre cada etapa de la exposición (una propuesta bastante conceptual en sí) suman un total de nueve exposiciones. En el momento de mi visita estaba instalada la segunda de ellas DEF, en referencia a Documentation, Erhalten (conservación) y Fotografie (fotografía). La exposición presentaba la importancia de estas actividades en el conocimiento y comprensión del arte conceptual. La documentación como punto de partida en el proceso creativo de muchos artistas y como medio artístico en sí, así como un proceso exhaustivo de los museos para ofrecer una interpretación adecuada de la obra y su puesta en público. La conservación de estas obras como parte fundamental de su perpetuación en el tiempo pues muchas de ellas estaban realizadas en materiales efímeros o con una pretensión de no dejar rastro documental como esencia de su significado, para la que se había restaurado una escultura de Richard Long junto a la que se mostraba toda la documentación empleada, desde entrevistas al artista, exposiciones previas y datos químicos de los materiales empleados. Por último, la fotografía también como elemento de registro de muchas de estas obras y como medio artístico en sí ante la ausencia de la obra original. Un rasgo característico del arte conceptual de esas décadas es el intento de escapar a la objetualización y fetichismo de la obra de arte y convertirla en mercancía, por eso proliferaron nuevas técnicas como la performance, el happening, el arte efímero, los textos y las instrucciones. Muchas veces la fotografía era la única manera de atestiguar la existencia de estas piezas para el trabajo de museos, galerías y archivos, y durante esos años su empleo por muchos de los artistas la puso en un plano muy relevante dentro de los medios artísticos. La exposición DEF a mi entender destaca un hecho relevante dentro del mundo del arte contemporáneo, que es la importancia de la actividad del comisariado como complemento a la del artista y que últimamente ha visto incrementada su influencia en el panorama mundial gracias a exposiciones sobre estas actividades dentro de los museos y a otros proyectos más ambiciosos, como Cities on the Move o do it de Hans-Ulrich Obrist, donde el espacio de exposición y el contexto espacio-temporal y social es planteado como un medio artístico y sus premisas conceptuales guardan mucha relación con las propuestas de muchos de los artistas conceptuales de décadas atrás.

El resto de las salas exponen obra de Joseph Beuys, desde video-performances hasta instalaciones, artista muy presente en todos los museos de arte contemporáneo de la ciudad y que merece una entrada aparte. También hay una pequeña muestra de obras de jóvenes artistas berlineses en otro de los espacios pero ésta, salvo un par de piezas, presenta menos interés. También es muy agradable recorrer la tienda del museo porque, como es habitual en los museos de Berlín, se centra muy poco en souvenirs y productos similares y mucho más en libros, catálogos y prensa especializada. Es posible encontrar una gran variedad de entrevistas, libros de artistas, verdaderas joyas en cuanto a diseño, libros descatalogados así como DVD's y discos. No es por hacer apología del consumo, pero comparada con tiendas de museos de otras ciudades europeas es una gozada curiosear en ésta. Sin duda uno de los museos de arte contemporáneo con más calidad y relevancia en sus propuestas que he visitado y bastante claro y accesible para el conocimiento de un público menos especializado. Las fotografías están permitidas en todo el museo.

¿Hacia la privatización de los museos?

Según publica El País, Eulen, la empresa que hasta ahora se había ocupado de aspectos secundarios en España y otros países (Portugal, Estados Unidos, Libia, Omán, Qatar, etc.), se está preparando para afrontar nuevos objetivos que podrían culminar en la completa subcontratación de los servicios propios de los museos, tal y como hoy están concebidos:

"La idea de lanzar esta división viene de lejos. “Tuvimos éxito ofreciendo servicios de mediación cultural. Se trata de una figura que va más allá del guía clásico de los museos, porque son personas que conocen a fondo las colecciones, orientan al visitante, se adaptan a su edad o sus intereses...”, explica. Han sido contratados para servicios puntuales o integrados en el Museo Guggenheim de Bilbao, el Museo Etnográfico, la Fundación Atapuerca, la Catedral de Salamanca, la Catedral de Cuenca o la de Santa María de Álava, asegura la compañía. Así que hace dos años empezaron a estudiar la posibilidad de extender sus servicios especializados en el arte. Y en enero de este año, definieron con exactitud la división. Ahora el catálogo que ponen sobre la mesa lo abarca todo: catalogación e inventariado; valoración y autentificación de las obras; restauración y conservación; museografía y museología; difusión pública y catálogos; transportes, montaje, asesoramiento global o defensa ante las falsificaciones."

En varias ocasiones me he manifestado en este blog sobre el particular... Pero tal y como ahora mismo están las cosas y si no se plantea un cambio radical, a lo peor la solución para que muchas instituciones no cierren sus puertas pasa por una gestión "diferente", paralela a lo que están proponiendo ciertas empresas combinando diseño, construcción y recursos tecnológicos para ofrecer museos espectaculares...

Sorolla y Estados Unidos

Hace unos días, Delfín Rodríguez, que comentaba la exposición ofrecida por cierta firma de seguros en Madrid, se mostraba desconcertado ante el éxito de Sorolla:

"Más complejo sería explicar que su éxito artístico y de público se mantengan casi pasado un siglo, como si la Historia y la del Arte también se hubieran detenido en el suyo. Y es que la percepción y el interés por la pintura de Sorolla no es histórica, sino actual, lo que genera un raro malestar cultural, una cierta incomodidad, ya que no es ese el relato hegemónico sobre el arte contemporáneo.
Es más, si cambiáramos las fechas de los cuadros, trayéndolas a 2009 o 2011, por ejemplo, el éxito sería el mismo que el que obtuvo en sus exposiciones en EE.UU., argumento de la exposición: miles de visitantes, éxitos de ventas, fortuna de encargos y retratos, relación con importantes coleccionistas y millonarios (de Huntington y la Hispanic Society of America a T. F. Ryan), presidentes y reyes."




¡Con lo fácil que es entenderlo! Se me hace que algunos estudiosos se plantean el problema al revés... Teniendo en cuenta lo que hoy debe gustar al público, ¿cómo es posible que las personas se maravillen ante las obras de Sorolla? Obviamente, si lo planteamos así, el actual éxito de Sorolla es un enigma, un arcano, una charada diabólica.

La FIAC empieza con incidente

Según informa el Periódico,

"El artista estadounidense Paul McCarthy, autor de una ambigua escultura a medio camino entre un árbol de Navidad y un juguete sexual gigante, se niega a reponer la instalación atacada el viernes en París.
El polémico montaje hinchable, de 24 metros de alto y llamado 'Tree' ('Árbol'), se había plantado en la Plaza Vendôme, junto a sus exclusivas joyerías y hoteles de lujo, por encargo de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (FIAC) que abrirá sus puertas al público del 22 al 26 de octubre. La indignación por el supuesto parecido de la obra con un consolador, que se expandió de forma viral en las redes sociales, se materializó cuando unos individuos desconectaron los cables que lo mantenían erguido.Poco antes de las 03.00 hora local (01.00 GMT), según explicó a Efe una fuente policial, varias personas aprovecharon un descuido del vigilante para cortarlos, lo que hizo que la escultura se cayera y que sus encargados decidieran desinflarla temporalmente.La FIAC anunció después que McCarthy, de 69 años de edad, no quería verse implicado en este tipo de altercados ni contribuir a que surgieran otros si la obra se reinstalaba, por lo que se negó a que la recolocaran."


La obra de McCarthey en la plaza Vandôme. Foto Charles Platiau, Reuters

"Juguete" anal

El debate sobre "La educación de la Virgen"

Según recoge ABC Cultural, Javier Portús, jefe del Departamento de Pintura española del Museo del Prado, no cree que la pintura sea de Velázquez:

–La obra permite su comparación con numerosas cosas del Velázquez sevillano. En la composición hay tres personajes y una mesa como punto de referencia, que es algo que veremos varias veces en elVelázquez de sus primeros años. Se pueden comparar las cabezas y las manos con las de otras pinturas, el libro con el que aparece en el «Santo Tomás» de Orihuela, e incluso la indumentaria empleada. Ese tipo de comparación lo sitúa en la órbita de Velázquez, pero también revela un grado de calidad distinto al de Velázquez, incluso teniendo en cuenta el mal estado de conservación de la obra. Es una cuestión de composición, de redacción y de coherencia interna. En mi opinión, el cuadro refleja distintos momentos de la maduración de Velázquez en Sevilla. La cabeza de la niña respondería a un momento muy temprano, mientras que la figura y la cabeza de Santa Ana reflejan lo que Velázquez está haciendo en los años 1619 y 1620.Esa incoherencia yo no la encuentro en las obras sevillanas de Velázquez, que son todas muy coherentes.En el cuadro de Yale veo personajes distintos que responden a estadios distintos de madurez del pintor. No es una obra, pues, que anuncie al Velázquez posterior, sino que lo veo como una secuela de Velázquez.
(...)
–Si comparamos ciertos detalles similares con otros cuadros de Velázquez, eso revela una calidad inferior, no solo desde el punto de vista de la redacción, es decir, la escritura pictórica, sino también desde la composición. A lo mejor el Velázquez de Sevilla no domina la perspectiva lineal aún, pero es muy ordenado al plantear sus cuadros. En los cuadros sevillanos es fácil hallar un orden interno común a esas pinturas. Pero en «La educación de la Virgen» ese orden se transforma en ruido, porque hay un abigarramiento de elementos que se yuxtaponen pero que no están en orden.
(...)
–Cuando Velázquez ensaya la fórmula que utiliza en la Virgen, que es un personaje muy monumental y en primer término, lo hace en torno a 1618 ya muy avanzado y a 1619 con cuadros como los de «Los apóstoles», «La Epifanía» o con «La adoración de los Magos». Es un momento posterior a cuando Velázquez está usando la mismo tipología craneal de la niña. En ese sentido hay una serie de discordancias que no concuerdan con la imagen que tengo de Velázquez.

Benito Navarrete, John Marciari y Javier Portús, en la clausura del simposio sobre el joven Velázquez en Sevilla.
Foto Jesús Spínola, ABC Cultural

sábado, 18 de octubre de 2014

Jeff Koons en la Whitney

Según informa The Art Newspaper, Jeff Koons no ha querido incluir el documental de 40 minutos “Jeff, Embrace Your Past”, realizado por Roger Teich en la retrospectiva abierta en la Whitney. Al parecer, la imagen ofrecida por el documental, muy condicionado por su antigua relación con Ilona Staller (Cicciolina),  no encaja bien con la que ahora ofrecen quienes están a su alrededor. Y aún David D'Arcy lanza la duda de si algunas otras circunstancias del documental, especialmente, la  aparición de su padre, podrían haber desaconsejado su exhibición.

Foto NYT

Estructuras moleculares


Los "selfies" en los museos

El País publica un artículo de Estrella de Diego, una de las personas de mayor proyección —por no decir poder—en el mundo del arte contemporáneo, lamentándose sobre la costumbre que han adquirido muchas personas de hacerse “selfies” en los museos:

(…) Son las grandes obras convertidas en monumento de consumo, testigos de unos viajes en los que miramos sólo a través del encuadre del móvil o la tableta —estaba a punto de decir qué horror.
Y es aquí donde surge mi perplejidad, ya que no acierto a entender el porqué de la abundancia de fotos en las salas, frente a las obras, más allá del papel de testigo para Facebook. Pues quienes hacen —o roban— las fotos hoy en los museos no son profesionales que las necesitan para su trabajo por diferentes motivos, algo que ocurría en mis tiempos de estudiante, cuando las postales con frecuencia no reproducían sino las obras más populares, aquellas que compraría el público. En la actualidad son numerosísimas las obras que se encuentran en la web y, en especial, esas grandes obras que persigue buena parte del público. Y es que no es el cuadro lo que interesa, sino el “yo” con el cuadro. O sea, el “yo” allí también. ¿O sería más justo decir el “yo” sin más?
Pero siempre he creído que el que saca fotos de cada cosa que ve se pierde el acontecimiento mientras ocurre. Lo comprobé en mi primer viaje a Islandia cuando mi madre me pidió que le trajera fotos porque le intrigaban aquellos paisajes. Como nunca había visto unos cielos tan bellos y tan cambiantes, saqué las fotos solicitadas, si bien luego, al revelarlas, mi decepción fue inmensa: no estaba detenida la belleza que había disfrutado. En el fondo, hacer fotos de cada instante de la vida es dejar de vivirla, y por eso estoy en contra de las fotos en los museos. Más vale mirar las obras y saborearlas que despeñarse por los selfies para dejar constancia del paso por las salas. Facebook puede esperar, créanme.


Lo que a mí me produce perplejidad es, justamente, la perplejidad de Estrella de Diego.  Las personas acuden a los museos con motivaciones tan diversas como diversos son los grupos que se pueden definir desde cualquier parámetro sociológico o, incluso, de “conducta estética”. Pero sin entrar en asuntos de gran calado, que requerirían demasiadas páginas, existe una circunstancia que, con frecuencia, se olvida en los territorios de quienes poseen formación específica de “alto nivel”: al amparo de eso que llamamos libertad y si no median circunstancias represivas, cada cual hace lo que le apetece en cada momento de su vida; incluso en los museos. Obviamente, mi libertad finaliza donde comienzan los derechos de los demás, pero en este caso me produce desconcierto imaginar que, como sucede en el museo del Prado, a alguien le pueda molestar contemplar cómo un joven se hace  un “selfie”, que no es una masturbación iconográfica ni muchísimo menos. A otros nos molestan muchas de las “cosas” que dicen los “conocedores” cuando, rodeados de sus alumnos o admiradores, pontifican sobre las cualidades trascendentes de una pincelada dada con pincel de marta…
Creo que el problema no está en que alguien se haga un “selfie” sino en que los gestores de los museos y las personas de círculos profesionales próximos, entiendan el goce estético exclusivamente según sus particulares criterios. Frente a ello, me permito recordar que los museos financiados mediante dinero público deberían someterse al interés social en su conjunto y no sólo al de quienes cuentan con formación estética de “alto nivel”. A lo peor, el problema está en que muchos de los gestores de estas instituciones no dan con la tecla para que a los visitantes les interese acudir a los museo para desarrollar las actividades que ellos planifican. A lo peor el problema está en que como exponía el coronel von Waldheim, (El tren, John Frankenheimer, 1964)  para algunas o muchas personas de formación estética de “alto nivel”, es inadmisible que alguien rompa el rito de la contemplación sacralizada impuesta en los ambientes cultos desde el siglo XVIII. A lo peor el problema está en que para esas mismas personas, como para el Alex de La naranja mecánica (Kubrick, 1971), es inadmisible la “mala educación” de quienes ni tan siquiera se inclinan con respeto, ante el arte, ese ente sagrado, cargado de valores simbólicos…  sólo para ciertos grupos sociales. A lo peor el problema está en que la mayor parte de quienes viven durante nuestros días integran en su conciencia valores y creencias alejados de las del siglo pasado.


A lo peor el problema está en que para muchos "conocedores" hacerse un “selfie” es una costumbre bárbara, propia de quienes, agrupados en manadas salvajes, profanan los museos. Y sin embargo, por lo general, son gestos alegres, divertidos, testimonios de ternura... 

¿Todos los políticos son iguales? Nulla aesthetica sine ethica

Antes se decía que "si quieres saber quién es Pepillo, dále un carguillo"; ahora deberíamos decir que si quieres saber quién es Pepillo, dale una "tarjeta opaca"... y aparecerá la naturaleza humana en su más esplendorosa monumentalidad. Por desgracia par quienes, embelesados con el aroma de la presunción de inocencia, se consideran por encima del bien y del mal —rasgo fundamental de magnates y primates— , las tarjetas opacas no lo son tanto...

Ignacio Sánchez-Cuenca ha publicado en infoLibre un breve análisis de mesurada ironía sobre el uso de las tarjetas black de Caja Madrid:

"El análisis del uso de las tarjetas black de Caja Madrid me lleva a defender una tesis que va en contra de la visión dominante. Dicha visión establece que todos los políticos son iguales. Ante la avalancha de información sobre el uso, digamos, fraudulento, de las tarjetas, son muchos los que piensan que el eslogan “PP y PSOE, la misma mierda es” se ha quedado pequeño: hay que hacer hueco a Izquierda Unida, a UGT y CCOO y a la CEOE."

Lógicamente, a medida que avanza el análisis, la “igualdad” se ve matizada según los diferentes “capítulos de gasto”. A continuación,  las consideraciones sobre el “gasto cultural”:

"Quién lo iba a decir, las tarjetas black también se podían utilizar para el cultivo del espíritu. Hay numerosos cargos en la FNAC (cultura, pues, en un sentido laxo) y en librerías, papelerías y tiendas de discos. La derecha no parece muy interesada en la cultura, todo sea dicho. Y la izquierda fetén tampoco. Es más bien cosa de los socialdemócratas. Son gente más refinada, que emplea los privilegios de los que disfruta para mejorar su formación. Merece destacarse con nombre y apellidos el consejero que más invirtió en cultura, el socialista Rafael Eduardo Torres Posada, que gastó la friolera del 21% de sus compras en alimento espiritual. Para que luego se diga que no hay diferencias entre el PP y el PSOE. 
Resulta bien llamativo que José Antonio Moral Santín, siendo el más gastador de todos los consejeros y además profesor universitario (recientemente nombrado director de un Instituto Universitario en la Universidad Complutense de Madrid), se gastara tan solo el 0,15% de sus fondos en cultura, quedando al mismo nivel que Ricardo Romero de Tejada y Picatoste (el 0,14%).
Virgilio Zapatero, que anda tan revuelto estos días, empleó un más que digno 6% de sus gastos en productos culturales. Que conste."

infoLibre
Y para no dejar con ansias al lector comodón, que eluda recurrir a las fuentes originales, a continuación, las conclusiones del “estudio”:

"Se engañan quienes piensan que todos los políticos son iguales. Es verdad que, si se les da la oportunidad, tienden a gastar y que, cuanto más tiempo llevan gastando, más gastan. ¿Acaso no son humanos? Pero resulta que los partidos siguen siendo muy distintos en sus patrones de consumo, reflejo de las ideologías que encarnan.
Como cabía esperar, la derecha se pirra por las flores y las joyas y desprecia los libros y los discos. La izquierda izquierda se vuelve loca con los restaurantes de lujo, con los clubes y discotecas, y no muestra tampoco gran interés por los bienes librescos. Por último, la izquierda moderada, la socialdemócrata, no presenta grandes peculiaridades, salvo su afición por la cultura.
La gente piensa que la corrupción es siempre una cuestión de codicia y dinero. Y hasta cierto punto lo es. Pero ni siquiera corrompiéndose, o, en términos más suaves, abusando de privilegios injustificados, los políticos son iguales. A la hora de tirar de la tarjeta black, los consejeros tienen sus corazoncitos y sus principios ideológicos. Para que luego digan que la política no importa."

Sólo una acotación al análisis que analiza someramente el sagrado principio de "maricón el último", que rige sobre la praxis del "liberalismo globalizado", por si alguien se pierde en la ironía sutil de Ignacio Sánchez-Cuenca: el desmesurado gasto de Rafael Eduardo Torres Posada (21 %) en "cultura" genera un problema que la estadística actual subsana fácilmente y que, en términos rigurosos, proporciona resultados contradictorios con la supuesta diferencia en la actitud cultural, según el substrato ideológico. Debiéramos decir que "es más fácil" encontrar en "la izquierda moderada" personas con posibles inquietudes culturales... aunque sólo sea postureo. Y aún así, enseguida aparecerían los bancos españoles para argumentar con contundencia que ellos son adalides de voluntad cultural, los verdaderos amantes de las siete musas...
Teniendo en cuenta las cualidades del sistema político que nos ha acompañado durante los últimos años, es lógico que en "la derecha", en la "izquierda" y, por supuesto, en el "centro", impere la desfachatez del erial, incluso entre las personas de alta cualificación académica. Valores éticos y "liberalismo globalizado" son "entidades" esencialmente contradictorias.

viernes, 17 de octubre de 2014

El MNCARS en rojo

Según publica lamarea, 

"Ana Patricia Botín hereda también una silla en el patronato del Museo Reina Sofía.
No sólo hereda el banco. Ana Patricia Botín, presidenta del Banco Santander, sucederá a su padre en el patronato del Museo Reina Sofía. El BOE recoge hoy su nombramiento, firmado por José Ignacio Wert, el mismo que en 2013 designó patrono a Emilio Botín.
El Banco Santander donó al museo 350.000 euros en 2013, la cantidad más alta entre los mecenas, según las últimas cuentas publicadas. Otros grandes donantes de ese ejercicio fueron la Fundación Mutua Madrileña e Inditex, ambos con 300.000 euros. En octubre de ese año, además de Botín, fueron nombrados vocales del patronato Pablo Isla (Inditex) e Ignacio Garralda (Mutua Madrileña).
Hasta 2011, la ley que regulaba el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) establecía que los patronos debían ser expertos de reconocido prestigio en el ámbito artístico. Por entonces se añadió una coletilla que abrió la puerta a los donantes, incluyendo a aquellos que se hayan destacado por sus “servicios o ayudas al museo”."


Me pregunto cuánto tardarán en pintar sus albas paredes de azul y rojo...

Ryan Trecartin


Inaugurada la sede de la Fundación Louis Vuitton

Se acaba de inaugurar el edificio diseñado por Frank Gehry construido en el Bios de Boulogne. Está previsto que se abra al público en tres fases, concretadas entre octubre de 2014 y septiembre de 2015, en otras tantas exposiciones y actos asociados a ellas. La primera comprende la presentación del edificio, incluyendo el proceso constructivo, contextualizado en la carrera de su diseñador. A ello se une una exposición con obras de Boltanski, Huyghe, Kelly, etc.

Foto tomada de Laplataformaarquitectura

miércoles, 15 de octubre de 2014

El museo de la Acrópolis, esperando a Godot

Según recoge la agencia EFE:

"Grecia tiene opciones de recuperar los mármoles del Partenón por la vía judicial si no llegase a un acuerdo amistoso con el Museo Británico, según dijo hoy en Atenas el equipo de abogados que lleva el caso, entre ellos Amal Clooney.
Después de tres días de entrevistas con el Gobierno -la última reunión tuvo lugar hoy con el primer ministro y antiguo ministro de Cultura, Andonis Samarás, el prestigioso equipo de abogados británico dejó entrever que su recomendación sería recurrir a los tribunales."


Parece difícil que los jueces británicos den la razón a Grecia, pero por si acaso, el magnífico museo de la Acrópolis se viste con camisa de Samuel Beckett...

Frieze London

Se anima la temporada en el mercado del arte con la celebración de la feria de Regent's Park. Según The Wall Street Journal, cada vez es más sensible el peso de los países emergentes en el mercado del arte, tanto tradicional como contemporáneo... ArtNews, por su parte, nos ofrece un paseo fotográfico por la feria londinense...
Según informa La Vanguardia, la participación española no es demasiado relevante: Helga de Alvear, Elba Benítez, Cristina Iglesias, Ignasi Aballí y poco más...

Foto ArtNews

domingo, 12 de octubre de 2014

Steve Lambert y ArtPize

Según informa Art News, Steve Lambert ha renunciado públicamente al dinero que podría obtener si ganara el concurso ArtPrize, uno d elos más importantes del mundo, argumentando que la persona que suministra el dinero, Rick DeVos, pertenece a una familia distinguida por practicar actividades en las antípodas del territorio artístico.Y se ha comprometido públicamente a entregarlo al Fondo LGB de Grand Rapids...

Foto dailyserving
Steve Lambert trabaja con propuestas críticas con el sistema capitalista, pero esta maniobra apesta. Para leer sus explicaciones pinchar aquí.

El Louvre de Abu Dabi

Coincidiendo con la publicación de una artículo desconcertante sobre el mundo de "Los museos en los tiempos del selfi", en el que, recurriendo a opiniones de personas diversas, se mezclan churras con merinas, The Art Newspaper adelanta que ya se están haciendo los preparativos para el lanzamiento del Louvre de Abu Davi, que muy probablemente servirá para que quienes viven en aquellas tierras tengan a su disposición un centro cultural que enfatice las interconexiones, los intercambios y las conversaciones que se pueden establecer entre civilizaciones diversas y las similitudes y diferencias que existen entre las tradiciones artísticas diferentes. A menos, eso han publicado los medios...
El acuerdo entre el Ministerio de Turismo y Cultura de Abu Dabi y la Agencia Francesa de Museos supone la llegada de 300 obras seleccionadas en 13 instituciones francesas, que se han integrado bajo el prestigio del museo parisino. Entre ellas destaca una obra atribuida a Leonardo, el Retrato de una mujer desconocida (La bella Fornarina), acerca de cuya autoría no existe unanimidad, También viajarán obras de Matisse, Monet, Bellini...


Está previsto que el museo abra sus puertas a finales de 2015. A partir de ese momento comenzará un proceso que, según lo publicado por la prensa, tiene el objetivo de convertir la "sucursal" del Louvre en Abu Dabi en un referente para una parte muy importante del mundo y, muy especialmente, del mundo islámico.
Me pregunto si se trata de una iniciativa cultural o simplemente turística... Si será un museo de pocos o muchos visitantes; de esos en los que se pueden hacer fotos o de aquellos otros que "por asegurar la calidad de la visita", prefieren prohibirlas...

sábado, 11 de octubre de 2014

Sobre los museos: no tocar, por favor

Por IGNoBiLis

Este video-documental muestra una visión critica y analítica de algunas de las cuestiones que rodean a las entidades museísticas actuales. Tocando aspectos tales como el para qué han sido usados los museos en la sociedad desde su invención, el comportamiento del espectador en él, el papel que juegan las personas implicadas en el propio contexto del museo (artistas, empleados, ciudadanos, etc...) o incluso de como el museo ha llegado a ser el nuevo lugar de culto como lo son o fueron en su momento los templos de las diversas religiones. Con él podremos tener una visión más amplia del funcionamiento de los museos como entidades culturales y saber todos esos factores e intereses que han hecho que este tome un rumbo u otro a lo largo de la historia.
He de añadir que no es el típico documental muermazo, este va a cargo del CCCB (Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona) y el formato que presentan es muy dinámico y hasta divertido de ver.
Disfrutadlo.

miércoles, 8 de octubre de 2014

Ébola: Celtiberia Show

La enfermera con ébola ha reconocido "que pudo tocarse la cara con uno de los guantes al retirarse una parte del traje de protección con el que se vistió para atender al misionero Manuel García Viejo, fallecido el pasado 25 de septiembre como consecuencia de este virus." Así lo recoge Europa Press. Para completar el drama y culminación de escenario surrealista, el consejero de Sanidad de la comunidad de Madrid, Javier Rodríguez, ha indicado que "la enfermera con ébola "ocultó" al médico de atención primaria que había estado tratando al misionero Manuel García Viejo y ha dicho que "pudo haber estado mintiendo" sobre su fiebre."
¿La afectada es una mentirosa? ¿Y no han destituido fulminantemente al señor Rodríguez?

Teniendo en cuenta las muy sorprendentes sentencias que nos escandalizan a todos, ya sabemos quién será responsabilizada por atentar contra la salud pública: la culpable de todo es, por supuesto, la víctima, que hizo las cosas muy mal y además mintió. Quienes han esquilmado el sistema sanitario, quienes han gestionado el problema del ébola con torpeza manifiesta, quienes ni tan siquiera saben desenvolverse en una rueda de prensa, quienes han antepuesto intereses particulares a los generales, quienes no fueron sensibles a las indicaciones de los profesionales, quienes no fueron capaces de imponer protocolos de aislamiento eficaces, son, sencillamente, inocentes y nadie crea que empleo el término en el sentido coloquial recogido por el DRAE...
Lo tenemos crudo.

Abramovic versus Lars von Trier o viceversa

Según informan los medios, Marina Abramovic desea trabajar bajo la dirección de Lars Von Trier:

“Dear Mr Lars von Trier, I think you are the most disturbing director in this planet and this is why I’d really, really love to work with you … You really bring the actors on the edge of complete nervous breakdowns. Because I am a performance artist, I understand very well what you are doing.”

Foto Wikipedia
Foto tomada de picpicx
Teniendo en cuenta el tono ideológico de ambos, el resultado podría ser espectacular...

Sobre el origen del arte

Hasta ahora se "creía" que las expresiones estéticas de cierta entidad más antiguas eran las aún existentes den Lescaux y Altamira. Según recoge El País,

"El arqueólogo Maxime Aubert y sus colegas de las universidades de Griffith en Gold Coast y Wollongong en Nueva Gales del Sur, ambas en Australia, y el Centro Nacional de Arqueología en Yakarta, Indonesia, han datado una serie de 12 impresiones de manos (estarcidos) y dos dibujos figurativos de animales hallados en siete cuevas de las calizas (karsts) de Maros en la isla indonesia de Sulawesi. Y se han llevado una sorpresa descomunal al ver que datan de al menos 35.000 o 40.000 años atrás, y por tanto son contemporáneas –si no anteriores— a las primeras manifestaciones artísticas de las cuevas francesas y españolas que han asombrado a expertos y legos durante más de un siglo."



Desaparece, pues, la "excepcionalidad europea" y se impone la idea de que la "necesidad estética" (por llamarla de algún modo) es consustancial al género humano, con independencia de su tronco racial.
Ahora sólo nos falta saber si quienes pintaban eran hombres, mujeres o ambos...

La imagen de Pontenovo debe recuperar su aspecto inicial

No hace mucho recogía la noticia de la "restauración" anómala de una imagen religiosa a cargo de la iniciativa bienintencionada de dos curas ilustrados, entre la sospecha de los feligreses que juzgaron la acción como cambiazo. Según El País, Patrimonio ha fallado exigir a los protagonistas que reviertan la imagen del siglo XV a la situación anterior.

"Tres semanas después de visitar el templo y estudiar a fondo la figura medieval de la Virgen de Conforto, los técnicos de Patrimonio han comunicado esta mañana a la Iglesia y a los vecinos de esta parroquia de A Pontenova (Lugo), que la talla puesta en duda por el pueblo es "auténtica" pero ha sido sometida a una intervención que "no es la adecuada", por lo que obliga a su responsable, el cura de Riotorto Antonio Rúa, a "presentar un proyecto para revertir el daño hecho a la imagen".
Fuentes de la Consellería de Cultura aseguran que la pseudorrestauración a la que fue sometida la figura datada en el siglo XV ha causado un daño grave a la imagen de piedra. Además, la intervención que, según el Obispado de Mondoñedo-Ferrol fue llevada a cabo por los curas de A Pontenova y Riotorto con "buena fe", se hizo sin ser notificada a Patrimonio y por lo tanto no cuenta con autorización. La polémica trascendió gracias a la movilización de los vecinos, que hace un mes denunciaron a la Guardia Civil y a Patrimonio que su imagen venerada, pieza clave del santuario de Conforto, había sido "cambiada" por su párroco, Xosé Anxo Fernández, al que también culpaban de haber hecho desaparecer las joyas donadas por los devotos que colgaban antiguamente de la santa."

Quedamos a la espera de la próxima tropelía bienintencionada...


Un proyecto muy ambicioso para Londres.

Según informan los medios, las autoridades municipales londinenses han presentado un plan para transformar la ciudad olímpica en una especie de “isla de los museos”, en línea comparable a lo que se ha hecho y se está haciendo en ciertas ciudades alemanas. Ello supone, lógicamente, diseñar un nuevo planteamiento urbanístico, en el que ya están trabajando.
Para “empezar”, la idea cuenta con el apoyo decidido de algunas instituciones de reconocida solvencia; entre ellas destaca la construcción de un nuevo “Victoria & Albert East”, que podría abrir hacia el año 2020, concebido con vocación de gran proyección popular, siguiendo la línea de algunas exposiciones recientes, como “El vestuario en Hollywood” (2012) y David Bowie "(2013). Los 100 millones de libras que se estiman costará el proyecto, serán sufragados mediante diversas iniciativas, públicas y privadas. De momento, la parte más gruesa del proyecto correrá a cardo de la Olympics' London Legacy Development Corporation: también está prevista una sede de la University of the Arts London. Y al parecer, están negociando que se unan al proyecto algunas instituciones norteamericanas de gran proyección como la Solomon Guggenheim y la Smithsonian Institution.

Foto tomada de The Art Newspaper

lunes, 6 de octubre de 2014

Incompetencia

Políticos que intentan imponer una reforma del sistema sanitario enfrentándose al criterio mayoritario de sus trabajadores, nos dijeron que “todo estaba controlado y que el riesgo era mínimo” cuando trajeron al primer religioso infectado de ébola; hoy sabemos que se forzaron los protocolos del Carlos III para adaptarlo a las “normas” correspondientes… Lo explicó hace tiempo Daniel Bernabéu, presidente del sindicato de médicos AMYTS, según recoge el periódico:

A este respecto, ya el pasado 6 de agosto, ante la llegada del primer religioso infectado, Bernabéu destacó que Estados Unidos, adonde se llevaron a algunos infectados, tiene diez hospitales con nivel 4 de aislamiento. "Aquí solo tenemos el antiguo Hospital Carlos III (ahora adscrito a La Paz) con un nivel 2 y elementos de nivel 3 para manejo de muestras", según Bernabéu, que también es médico en el Hospital La Paz.

Hoy he seguido la rueda de prensa mediante la cual la ministra de Sanidad y otros altos cargos intentaban infundir tranquilidad, al conocerse el contagio de una sanitaria. Me ha dejado perplejo saber que a quienes asistieron a los enfermos de ébola les "dieron vacaciones"... ¿Lo habré entendido mal? ¿No deberían haberles impuesto algún tipo de cuarentena? Y para mayor desconcierto, resulta que la afectada llevaba una semana con fiebre... 
Algo vale que nuestros médicos, a quienes los pijos del monopoly pretenden bajar el sueldo, son más fiables que ellos…
A estas horas se sabe que los medios internacionales más influyentes "abren" con la noticia del ébola en España: sería difícil hacer las cosas peor para enturbiar la imagen de España.

domingo, 5 de octubre de 2014

Una aproximación a El Greco


El retrato de Blesa

Para Alejo

El retrato realizado por Carmen Laffón de Miguel Blesa, como director de Caja Madrid, del que desconocía su paradero, en realidad estaba donde debía estar: en el sótano de la antigua sede de esta entidad financiera, que pagó 159.000 euros. ¡Una verdadera ganga! Según recogía eldiario, el cuadro, concebido en "plano americano", nunca llegó a colocarse en el lugar para el que fue concebido: la sala de juntas de Caja Madrid.

Foto Marta Jara, eldiario.es
Por si algún malpensado lo interpretara equivocadamente, lo que hay en la parte inferior del cuadro, a la derecha, no es un maletín sino una mesa...
Es divertido imaginar como dijera el señor Gállego, que si Carmen Laffón aparece en los libros de historia del arte del futuro, al señor Blesa le espera pasar a la historia ennoblecido gracias a sus pinceles, como pasaron a la historia Pablillos de Valladolid y el resto de los personajes de la peculiar corte de Felipe IV...

sábado, 4 de octubre de 2014

Evasión de impuestos en el mundo del arte y... ¿algo más?

Un tribunal francés (de Versalles) ha ordenado a Guy Wildenstein, dueño de una de las galerías más importantes del mundo, pagar 20 millones de euros por no haber abonado convenientemente los impuestos asociados a la herencia recibida de su padre, fallecido en 2001.

Foto NYT
La serie Fake o Fortune? de la BBC le dedicó un programa:

Sandro Miller, Malkovich, Malkovich, Malkovic



Rodney Pike


Arte y educación

Javier me pasa la referencia a Miriam Elia y a su We go to the gallery (2014):












¿La primera pintura de Velázquez?

Estuvo "olvidada" en la universidad de Yale hasta que se fijó en ella John Marciari, que la juzgó la primera obra de Velázquez; frente a él, Jonathan Browm la considera obra de un seguidor mediocre...
La pintura, que estaba en malas condiciones de conservación, ha sido restaurada gracias al dinero del banco Santander, que, tras negociaciones que no fructificaron con el Museo del Prado, encargó el trabajo a Ian MacClure y Carmen Albendea.
Durante los próximos días se celebrará un congreso en Sevilla para que los especialistas en Velázquez contrasten sus juicios... Veremos si el veredicto es por unanimidad o por mayoría, pero teniendo en cuenta la relevancia de las entidades involucradas y la "calidad aparente" de la restauración, lo más probable es que La educación de la Virgen acabe siendo la primera pintura de Velázquez, por supuesto, realizada en el taller de Pachecho, tal y como cree John Marciari.


Teniendo en cuenta la calidad de las primeras pinturas adjudicadas hasta ahora a Velázquez, francamente es difícil admitir la atribución de Marciari; además, existen otras razones... Si fue una de las primeras pinturas de Velázquez realizada bajo las indicaciones de Pacheco, ¿no debería tener más elementos propios de éste? Si las fotografías que se han publicado no son demasiado inexactas, los "juegos" de luz no se parecen mucho a los empleados en pinturas como La mulata o, incluso, el supuesto Retrato de Pacheco del Museo del Prado. Tampoco parece muy "velazqueña" la paleta, acaso volcada hacia lo veneciano. Pero... "doctores tiene la Iglesia".