Azucena Vieites en el Reina Sofía

La exposición ocupa el Espacio Uno y la Sala de Protocolo, y se presenta del siguiente modo en la web del MNCARS:

"Utilizando el dibujo y el collage como principales herramientas de trabajo, Azucena Vieites (Hernani, 1967) lleva a cabo en su obra un proceso de apropiación y resignificación iconográfica de materiales y referentes que están vinculados al imaginario cultural contemporáneo. A partir y a través de este ejercicio de reelaboración visual, Vieites explora las potencialidades expresivas de las formas no lineales de narración y de producción de conocimiento, al tiempo que plantea una reflexión crítica en torno a cuestiones como la concepción de la creación estética como un trabajo procesual y ligado siempre a un contexto social y económico determinado o la necesidad de generar estrategias discursivas que contribuyan a romper con la lógica binaria que aún pervive en gran parte de las representaciones culturales actuales.
En la configuración y evolución de su práctica artística, donde podemos reconocer una serie de constantes estilísticas y conceptuales (uso intensivo de la fragmentación y de la repetición, búsqueda de una inmediatez expresiva, apuesta por el trabajo colaborativo...) y que está fuertemente ligada, desde sus proyectos con el Colectivo Erreakzioa-Reacción al activismo (post)feminista y queer, ha jugado un papel fundamental la noción de Do It Yourself ("hazlo tú mismo - hazlo tú misma"). Y, de manera especial, una de las materializaciones históricas más emblemáticas de la “cultura DIY”: el fanzine, un tipo de publicación que ha posibilitado que colectivos sin acceso a los medios de producción tradicionales contaran con una herramienta que les permitía documentar y visibilizar sus propias representaciones.
En sus trabajos recientes, Azucena Vieites ha dirigido su mirada hacia los modos de hacer de la infancia. En ellos hay una voluntad de construir lenguaje y una capacidad de desbordar normatividades y convenciones sociales, dos cualidades que, en su opinión, deben aspirar a tener siempre las prácticas artísticas, cuyo principal objetivo es generar en el espectador un efecto de extrañeza que le lleve a repensar su relación con lo que le rodea. La exposición de Vieites en el Museo Reina Sofía ha estado precedida por la celebración de un taller infantil titulado Coloring Book, en el que un grupo de niños "intervinieron", coloreando, algunos de sus dibujos. Parte del material generado por este taller se muestra en Tableau vivant, donde también podemos ver el primer trabajo en vídeo que ha realizado esta artista o un conjunto de serigrafías elaboradas a partir de imágenes preexistentes que le permiten abordar -y cuestionar- la distinción entre obra original y copia (entre obra única y obra seriada o reproducible)". (sic)

No consigo establecer relación específica alguna entre el texto y lo que se ve en el Espacio Uno; demasiadas justificaciones "de oficio" para una obra... sorprendente.
Y lo de la Sala de Protocolo... ¡Con lo que ha llovido desde la tesis de Bayo Margalef! Recuerdo a cierta persona —ya fallecida—que, trasladando algunos aspectos de ese estudio al territorio creativo, afrontó una aventura interesantísima con niños... Por citar sólo lo más lejano entre lo más relevante. Nadie pregunte por lo más inmediato... para evitar sonrojos.
El "vídeo" proyectado en la Sala de Protocolo también es sorprendente. Acaso debiéramos hablar ya de "la escuela videográfica del RS", por no confundir al espectador ingenuo y a los aficionados a las generalizaciones demasiado "intuitivas". En España hay muchas personas haciendo vídeo-creación de gran calidad.

Azucena Vieites debe ser una persona excepcional...

Asombra que Masimiliano Gioni no contara con los creadores seleccionados por el Reina Sofía  para el Espacio Uno para The Encyclopedic Palace...

Ronny Edry. ¿Diseño gráfico para detener una guerra?

Según algunos medios de comunicación o manipulación, es inevitable que el ejército israelí ataque Irán...  Eso dicen. Ronny Edry, apoyándose en las redes sociales y en sus posibilidades gráficas, ha puesto en marcha una iniciativa que, según parece, se ha convertido en factor político relevante, de esos que deben tomar en consideración quienes tienen poder sobre las vidas de los semejantes...

Quiero imaginar que la iniciativa servirá de referencia para otras muchas.

La democratización de Irak

Cumplidos 10 años del comienzo del "proceso democratizador" iraquí, substanciado tras la nunca bien valorada "Cumbre de las Azores", cabe expresar el gozo producido por el trabajo bien hecho, por la consecución de todos los objetivos:

• Las tropas de la alianza democrática consiguieron neutralizar las armas de destrucción masiva atesoradas por el pérfido Saddam Husein, que amenazaban a las buenas gentes del universo mundo. La persecución de la verdad es el objetivo natural de los grandes estadistas.
• Asimismo los ejércitos aliados aniquilaron infinidad de bases terroristas, que suponían una grave amenaza para el mundo civilizado. En ocasiones, los fines deben anteponerse a los medios, por razones de interés general.
• Las tropas consiguieron imponer la libertad informativa, que es condición substancial del entramado democrático. Ante todo, transparencia.
• El territorio Iraquí dejó de ser un diabólico caos para convertirse en un país idílico, un paraíso que nada debe envidiar a la finca primigenia de Adán y Eva, por supuesto, sin manzanas diabólicas. Jarhead.
• Asimismo, Irak dejó de ser un factor muy activo de inestabilidad política regional para convertirse en modelo integración de minorías: chiitas, suníes, cristianos, kurdos viven, por fin,  en perfecta armonía. La armonía es el fundamento substancial del orden social.
• Bagdad, aquella ciudad mítica y circular, que fuera capital del glorioso imperio abasí y modelo estético en todos los territorios del ingenio humano, recupera su esplendor: los viajeros dicen que cada día se parece más a Manhattan; como en las calles neoyorquinas, por todas partes se ven espectaculares luminosos de la Exxon Mobil... La expresión estética (Led-Art) corona el orden divino: Private Empire: Exxon Mobil and American Power.

Y para celebrar la efeméride, el diario El País nos ha obsequiado con un hermoso documental que, presuntamente, acredita los recursos de innovación pedagógica empleados por algunos miembros de las tropas españolas en el proceso de re-educación democrática...

Los Juegos Olímpicos de 2020. Más bananas

Mientras se informa de la peculiar intermediación de la "princesa Corina" en asuntos  árabes, que suponía entre otras bagatelas y comisiones, escribir discursos al Jefe del Estado, en Madrid las autoridades políticas juegan a la lotería de los Juegos Olímpicos... con la "deuda asumible" de los contribuyentes. Y para que nos vayamos haciendo a la idea de las posibilidades abiertas en el horizonte, los chipriotas se despiertan con los bolsillos agujereados...
Los mismos que aseguraban con celo erudito la seguridad de nuestros ahorros —para eso está el Fondo de Garantías de Depósitos—, dicen ahora que el caso chipriota es muy especial, que es inimaginable una decisión similar en cualquier otro país europeo... Sin embargo, la fórmula elegida para saquear a los contribuyentes chipriotas ha sido impositiva... ¿Quién está libre de que le apliquen un impuesto "excepcional" por razones "muy poderosas"? El impuesto o el Apocalipsis.
Pero el problemas importante no es que sea necesario incrementar los ingresos; el problema importante es para qué se cobran impuestos... No hay dinero para cubrir las necesidades sociales, no hay dinero para Sanidad ni para Educación, pero sí para promover la celebración de los Juegos Olímpicos o  para pagar comisiones a los magnates que protagonizan las páginas de los medios de comunicación todos los días.

En ese ambiente hediondo, el señor ministro de cultura, educación y Deportes, el responsable de una gestión que enmascara la quiebra del sistema educativo  en todos sus niveles con los Juegos Olímpicos, se deja caer con unas declaraciones fieles a su estilo a la Agencia Europa Press:

El ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, afirma que existe "una cierta percepción social hipertrófica y exagerada del nivel de corrupción" que hay en España e insiste en que el hecho de que se den casos de corrupción "no quiere decir que haya un país corrupto debajo".
En una entrevista con Europa Press, Wert muestra la "preocupación" del Gobierno por las consecuencias que esta percepción sobre la corrupción tiene en cuanto a la "desafección política" de los ciudadanos y la "proliferación de sentimientos antipolíticos".
Para Wert la "principal responsabilidad" es de los políticos por "no haber sido capaces de prevenir más casos" y por "no haber sido capaces de convencer de los esfuerzos que se están haciendo" para atajarla. Según ha indicado, todas las iniciativas anunciadas por Rajoy en el debate, van a tener una "concreción mayor" en iniciativas legislativas, que harán que la legislación española "sea una de las más exigentes frente a la corrupción".
"A todos nos incumbe una obligación de ejemplaridad y una obligación de pedagogía", indica Wert, al tiempo que advierte de "cierto efecto de retrolimentación" en los medios de comunicación. En este sentido, pone como ejemplo el reparto de tiempos en los telediarios y asegura que el 60-70 por ciento está dedicado a los asuntos de corrupción, "muy a menudo para simplemente recordar que están ahí y no para aportar una información nueva".
"No quiero en absoluto quitarles importancia (a los casos de corrupción), creo que siempre hay que atender la indignación de la sociedad que puede haber sobre estos temas, pero también creo que es adecuado encuadrarlos en la dimensión que tienen y sobre todo no pensar que contagian a toda la clase política o administrativa, sino hacer un análisis más sobrio de lo que representa y valorar qué se está haciendo para prevenirla y para atajarla", concluye.

¿Le sorprende que los medios dediquen el 60 o 70 % del tiempo a la corrupción? A mí me sorprende que el señor Wert sea ministro, incluso con minúscula. Me incomoda que no estén en la cárcel quienes han lapidado el dinero de todos; me indigna que se tomen decisiones como la de los Juegos Olímpicos en un ambiente tan enrarecido y con tan escasas posibilidades de rentabilidad social, incluso, contando con la posibilidad de que, finalmente, los juegos del 2020 se celebraran en Madrid.
Pero me temo que "el cuento de lechera" es para la clase política más rentable que la acción constante y rigurosa. Y si echamos un vistazo rápido a la situación próxima, el panorama es poco luminoso:

• Las autoridades políticas han reducido drásticamente los medios dedicados al deporte de base, que ya eran precarios.
• Las autoridades políticas están empleando instalaciones deportivas para eventos ajenos a su rentabilidad deportiva con resultados alucinantes. Ahí está el clamoroso caso del Madrid Arena o el más discreto de la Caja Mágica, que alguien "vendió" como "infraestructura deportiva de la zona sur"... por no hacer una enumeración demasiado reiterativa. 
• Cuando todo el mundo está con la mosca detrás de la oreja sobre el maravilloso rendimiento conseguido por los deportistas españoles, las autoridades políticas y judiciales no quieren saber nada sobre quienes emplearon las artes milagrosas de ciertos profesionales del dopaje.  

Dicen que casi todos los madrileños somos favorables a la celebración de los Juegos Olímpicos... Si los miembros del COI están bien informados, la candidatura española lo tendrá aún más complicado en ese frente por una causa que reconoce hasta el señor Wert, aunque no sepa o no quiera valorar sus consecuencias: la "desafección política". Con los funcionarios cabreados, los sanitarios irritados, los educadores desmoralizados, los funcionarios judiciales desconcertados, los jóvenes abandonados a su suerte, etc., etc.... ¿qué se puede ofrecer? Desde la valoración de la situación política que tienen los ciudadanos, recogida recientemente por CIS, ¿qué Olimpiadas se pueden ofrecer? Cualquier observador de la sociedad española que no lea los medios apesebrados sabe que, ahora mismo, gracias a los recortes y a una política inclinada hacia el alimento de la codicia, es imposible garantizar el buen funcionamiento de ciertas infraestructuras. ¿Se nos ha olvidado lo sucedido en el Madrid Arena? Y para concretarlo sin matices dramáticos basta dar un paseo por Madrid y observar en qué condiciones están los pavimentos de sus calles. No creo que las autoridades municipales sean creíbles en su misión obvia de garantizar los servicios públicos.
Son los inconvenientes de aplicar medidas económicas de tierra quemada y de colocar al frente de las instituciones a personas tan capaces como el señor Wert, la señora Botella o la señora Cospedal...

"Medidas para fomentar el envejecimiento activo"

Siguen tomándonos por gilipollas...

"El Consejo de Ministros ha aprobado este viernes el Real Decreto Ley de Medidas para favorecer la continuidad de la vida laboral de los trabajadores de mayor edad y promover el envejecimiento activo, con el objetivo de abordar la transición entre vida activa y jubilación.
(...)
Los objetivos principales son reforzar la sostenibilidad del sistema de pensiones, impulsar el envejecimiento activo y luchar contra la discriminación por razón de edad en el empleo."

Ministerio

Extraña manera de explicar el retraso en la edad de jubilación. Me pregunto si no se podrían imponer a ciertos magnates medidas para retrasar el desarrollo de la estupidez.

Las ideas estéticas de los nazis, según "El judío eterno"

El judío eterno es un "documental" (película propagandística) antisemita de 1940 firmada por Fritz Hippler.
La parte que alude al "arte degenerado" está, en esta "versión", a partir del minuto 37 (37;20). También es interesante la alusión al asesino de M (F. Lang), a partir del minuto 44 (44;11), película que se basó en la historia de Peter Kürten, un delincuente de perfil sumamente peculiar, que inspiró varias narraciones.

USA recupera la primacía en el mercado del arte

El informe TEFAF sobre el mercado del arte concluye que en 2012 China ha perdido la primacía en beneficio de USA. Según recoge Logopress:

• La ralentización del crecimiento económico y una persistente incertidumbre en la economía global han repercutido en el mercado del arte en 2012, donde las ventas han experimentado una reducción del 7%, pasando de 46.400 millones a 43.000 millones de euros.

• Un factor clave de dicha caída ha sido la ralentización del mercado chino. Las ventas por subasta en China, el principal motor del crecimiento, cayeron un 30% en 2012.

• No obstante, la caída del mercado en China se vio compensada por un crecimiento del 5% en las cifras de ventas en EE.UU., que ascendieron a 14.200 millones de euros.

• El reajuste global de la cuota del mercado de arte continuó en 2012, con EE.UU. que recuperó el primer lugar, con una cuota del 33% (un incremento del 4% respecto a 2011), mientras que China descendió a un 25% (una caída del 5%). Reino Unido se mantuvo en el tercer puesto, con un 23% (un crecimiento del 1%).

• Las incertidumbres económicas y políticas han causado la volatilidad de numerosos mercados de activos, produciendo una escapada hacia las acciones seguras de primera clase (blue-chip) y los activos de bajo riesgo. Una situación semejante se ha producido en el mundo del arte, donde los mejores resultados han sido obtenidos por artistas de renombre en el segmento superior del mercado.

• El arte de posguerra y contemporáneo ha sido el sector de las bellas artes más grande del mercado, con un cuota en términos del valor del 43%. Obtuvo buenos resultados, con un incremento en las ventas en subasta del 5%, alcanzando casi 4.500 millones de euros, el nivel más alto jamás registrado.

• El sector de arte moderno ocupó el segundo lugar en importancia, con una cuota del 30% del mercado de las subastas de bellas artes, pero tras alcanzar un valor máximo de 3.800 millones en 2011, las ventas en subasta descendieron un 17% en 2012, alcanzando los 3.200 millones de euros.

• Las ventas en los sectores privado, minorista y de marchantes disminuyeron un 4%, alcanzando un total estimado de 22.200 millones de euros. Al igual que en las subastas, los segmentos del mercado tuvieron resultados diferentes, observándose los peores resultados en el segmento inferior del mercado.

• En el año 2012, el volumen de transacciones en el mercado global del arte disminuyó casi un 4%, alcanzando los 35.500 millones. Esto supone un retroceso de casi el 30% en comparación con el boom de 2007, en el periodo previo a la recesión.

Escasa presencia española en la Bienal de Venecia

Al parecer, ningún español ha aparecido en el grupo de los 154 artistas recogidos por Masimiliano Gioni para The Encyclopedic Palace de la Bienal de Venecia. Y si no estoy mal informado, sólo se podrá ver la obra promocionada por el ministerio del señor Wert de Lara Almárcegui, con un proyecto de Octavio Zaya, y un diseño Swatch de José Casado. Y para ilustrar el buen tono de las actividades estéticas españolas, José Casado reside en Shangai, Octavio Zaya, en Nueva Yory  y Lara Almárcegui, en Roterdam...
Lo nuestro es el fútbol.

¿El Vaticano entra en el juego populista?

Tal parece desde los encabezados ofrecidos por los medios de comunicación.  Sabiendo que la jerarquía eclesiástica jamás da puntada sin hilo, parece obvia la apuesta por un Papa capacitado para dar respuesta a las corrientes sociológicas más activas de Latinoamérica. El catolicismo pierde terreno en beneficio de otras religiones; los jóvenes se distancian del cristianismo y, poco a poco, las ideas políticas dominantes giran en direcciones poco convenientes para los intereses conservadores.
¿Es previsible un resultado comparable al que movilizó la elección de Karol J. Wojtyła? Para empezar, los medios de comunicación han tenido que tomar partido para interpretar la relación del obispo Berboblio con el gobierno de Videla. A pesar de algunos testimonios contundentes, le ha defendido Pérez Esquivel (premio Nobel de la Paz), pero su beligerancia con algunas iniciativas legislativas de los Kirchner (aborto, matrimonio entre homosexuales) refuerza la polaridad que tradicionalmente deja a la Iglesia frente a quienes apuestan por sociedades más justas y atentas a las circunstancias del presente.

La peculiar legalidad española

Al señor ministro de justicia —las mayúsculas serían inapropiadas—, otrora Albertosis I, el Grande,  y a sus antecesores de diferentes partidos, les han puesto las orejas coloradas los miembros del Tribunal de Justicia de la Unión Europea. "Nuestro" peculiar sentido de "lo legal" encaja mal en las directrices que tienen por objeto proteger mínimamente a los consumidores. A partir de ahora los jueces españoles podrán bloquear los desahucios en cuanto aprecien cláusulas abusivas en los contratos hipotecarios.
El señor Ruiz Gallardón ha dicho que el Gobierno modificará la legislación para adaptarla a la ley europea... No sería mala idea que él y sus colegas se olvidaran de una puñetera vez de los privilegios feudales y adaptaran sus ideas políticas y sociales al "marco europeo" que nos da cobijo... Ganaríamos todos.

Ada Colau. Fotografia "recortada" procedente de El amigo del pueblo.com

Iniciativas urbanísticas madrileñas

Hoy mismo la Comunidad de Madrid ha lanzado el anteproyecto de una nueva Ley de Patrimonio Histórico:

"El Consejo de Gobierno ha aprobado el Anteproyecto de Ley de Patrimonio Histórico, con el fin de mejorar la protección del patrimonio histórico regional, ponerlo en valor y hacerlo compatible con el desarrollo de la actividad económica. Además de poner al día la normativa, que data de hace 15 años, el Ejecutivo regional elimina trabas administrativas y duplicidades, y aclara la normas vigentes." 

Para contextualizar esta iniciativa, podemos seguir la pista a los proyectos de relumbrón actualmente puestos en marcha por el Ayuntamiento de Madrid, entre los que destacan el futuro Museo de Arte, Arquitectura, Diseño y Urbanismo y la remodelación de la manzana Canalejas-Alcalá.

El MAADU.

Es un proyecto ambicioso de Emilio Ambasz  que se desarrollaría sobre el solar de un edificio actualmente desocupado del Paseo del Prado nº 30, que fue construido en 1925,  y se había utilizado para actividades de la UNED (Universidad Nacional de Educación  a Distancia). Al parecer, hace unos años el Ayuntamiento de habría intentado venderlo a Caja Madrid para que trasladara allí las instalaciones de la Casa Encendida (o parte de ellas) y pudiera competir en mejores condiciones con La Caixa. Según fuentes municipales: 

"El Ayuntamiento de Madrid ha cedido el edificio, de titularidad municipal,  durante un periodo de 75 años para fines culturales, como parte del convenio de colaboración que garantiza la viabilidad del proyecto gracias a los fondos de la Fundación Emilio Ambasz, regidos por la Ley de Fundaciones. Por su parte, la Fundación podrá ocupar este edificio a restaurar o uno nuevo, si la restauración no resulta compatible con la misión de la Fundación."

El propio arquitecto ha explicado su voluntad: 

"Me había imaginado un MAADU frente al MOMA, del que fui comisario de diseño en los años 70, pero cambié de opinión. Quería hacer algo especial y único, y Madrid era la ubicación perfecta. Lo he hecho porque agradezco el aprecio, demostrado en tantas ocasiones, que España tiene hacia mí. Hace diez años me concedieron la nacionalidad española y ahora tengo la oportunidad de hacer algo por esta ciudad, donde estará la sede de este nuevo espacio cultural donde tendrán cabida los arquitectos artistas, aquellos que pueden conmover el corazón de los visitantes. La he elegido frente a otras ciudades como Londres, Nueva York, Buenos Aires y Bolonia porque dará confianza a los españoles, especialmente en estos momentos difíciles. (...)"

El proyecto se articula mediante seis  plantas; de ellas, la más alta, destinada a cafetería. estará abierta, mientras que las cinco restantes estarán cubiertas por un tapizado verde similar al del edificio de Caixa Forum. La idea se justifica por las necesidades específicas de una instalación museística, donde es muy importante controlar las fuentes de iluminación y, sobre todo, proteger de las radiaciones ultravioletas a los soportes sensibles (como el papel). El edificio sacrificado, perfectamente integrado en el ambiente ciudadano de la zona, aunque parece "buena arquitectura" no posee rasgos de especial relevancia... salvo los que se están enfatizando en los foros sociales, acaso con exceso de vehemencia.

¿Cómo se integra en el entorno el nuevo proyecto? La apuesta por el edificio-hito, expresada abiertamente por Ambasz, parece haber pasado por alto esta consideración, sacrificándola a la capacidad motivadora o magnética del juego entre los planos vegetales y el resto de los elementos geométricos. Seguramente la gente peregrinará al MAADU para fotografiarse ente una fachada tan singular y desde ese convencimiento, se puede deducir que incrementará la capacidad atrayente del "Paseo del Arte". 

Asumida esa cualidad, el proyecto me parece manifiestamente mejorable y de mantenimiento muy costoso, contando, incluso, con la etiqueta de sostenibilidad que se está ofreciendo a la ciudadanía. Si como dicen, la fundación del señor Ambasz corre con todos los gastos de mantenimiento del edificio y de las instalaciones durante 75 años, no habría nada que objetar... en principio. Y lo expreso así porque este proyecto me sugiere demasiados interrogantes y no creo que un edificio de este tipo pueda subsistir sin apoyo de las instituciones públicas. No creo que estas fundaciones puedan autofinanciarse mediante el pago de entradas y patrocinios empresariales a no ser que una entidad financiera lo convierta en imagen de marca: parece difícil conseguir elevadas cifras de visitantes con exposiciones de arquitectura, diseño y urbanismo. Ahí están todavía las heridas frescas de tantas iniciativas pretenciosas aniquiladas por la realidad. El MAADU no tiene la ambición universalista del Centro Niemeyer o del CREAA, pero si resultara insostenible como institución-sin-ánimo-de-lucro, el Ayuntamiento de Madrid se encontraría con un embolado esperpéntico. Uno más. ¿Lo habrán tomado en consideración la señora Botella y sus asesores?

La manzana Canalejas-Alcalá

La remodelación de la manzana Canalejas-Alcalá es, sencillamente, una iniciativa especulativa en el más estricto sentido del término. El objetivo del negocio, promovido por una alianza entre ciertos sectores financieros y una constructora, es convertir una zona de edificios singulares de excepcional interés arquitectónico y no integrados, en un complejo configurado por un hotel de lujo, un centro comercial, aparcamientos, residencias particulares y oficinas. Según parece, mantendrán las fachadas singulares.

Especulación pura y dura sin otras implicaciones aparentes que las derivadas del impacto socioeconómico aplicado sobre el entorno inmediato. Se diría que los políticos del PP tienen mucho interés en "aburguesar" las proximidades de la presidencia de la Comunidad Autónoma. A lo mejor consiguen que los perroflautas cedan sus privilegios consuetudinarios a pijos y "gente-bien"... 

Desde los precedentes inmediatos, me pregunto si es sensato supeditar la protección del patrimonio arquitectónico a los intereses de los grandes "emprendedores". Si no entiendo mal el fundamento de la legislación que, hasta ahora, protegía al patrimonio histórico-artístico, ésta surgía de la necesidad de imponer los intereses generales a las iniciativas que durante muchos años de desarrollismo a cualquier precio, "modernizaron" ciertas ciudades y pueblos hasta convertirlos en esperpentos urbanísticos. 

El Reina Sofía y la Colección Phelps

Tiene gracia que, coincidiendo en el tiempo con la exposición "Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina" (ya finalizada) y con la agonía y muerte de Hugo Chavez, el Reina Sofía esté ofreciendo otra con una de las colecciones de arte más importantes del mundo: la colección Phelps de Cisneros. Como hubiera podido decir Sir Alfred Hitchcock, las coincidencias agitan los faldones de cualquiera para dejar las vergüenzas al aire. Sugiero al lector que, si le place, se documente sobre la actitud política del señor Cisneros y sobre sus relaciones con ciertos sectores políticos españoles (Felipe González) y norteamericanos...
No cometeré el dislate de tantos "periodistas", "politólogos" y demás botarates compitiendo por ofrecer "análisis" sobre la situación en Venezuela y las expectativas de que el próximo gobierno sea menos "exótico" y más "democrático". Aunque aquel país se cruzó en mi destino hace muchos años, jamás estuve en él y entiendo que toda la información suministradas por unos otros está demasiado sesgada para capacitar un juicio que vaya más allá de las frías cifras ofrecidas por los organismos internacionales. Y desde ellas sólo se me ocurre manifestarme con respeto y discreción; aunque la situación actual de aquel país sea poco "homologable" con nuestro sistema de vida, creo que impone respeto la acción social de Chávez, reconocida incluso por sus enemigos más encarnizados y, por supuesto, por los resultados electorales de los últimos años.

En ese contexto, comentar la exposición Phelps de Cisneros abre múltiples reflexiones... La primera, la extraña polaridad definida por el propio evento que, indirectamente y aunque sea una simple coincidencia, muestra la imagen del Reina Sofía  "sentado" junto a quienes más han peleado por incomodar a Chávez y ofrecer de él un perfil chabacano, del más detestable "populismo". Alguien dirá que la actividad de una entidad como el Reina Sofía no puede estar condicionada por el trasfondo ideológico de un coleccionista o de un promotor estético, sobre todo, si lo expuesto es de especial relevancia... En este caso se da una circunstancia muy relevante para la práctica museística actual: la colección Phelps de Cisneros es "objetivamente" muy importante; por lo menos, así lo reconocen incluso en el MOMA. Y para mayor abundamiento, quienes la gestionan tienen unos objetivos perfectamente homologables con los de cualquier institución estética occidental:

"La fundación Cisneros / Colección Phelps de Cisneros (CPPC) tiene como misión promover el conocimiento y la valoración de las contribuciones de Latinoamérica a la Historia Universal del Arte y de las ideas, así como apoyar la innovación, creatividad, educación e investigación en el campo del arte latinoamericano."

¿Promover el conocimiento y la valoración de las contribuciones de Latinoamérica a la Historia Universal del Arte de la las ideas? ¿Apoyar la innovación, creatividad, educación e investigación en el campo del arte latinoamericano? El objetivo se entiende mejor si la relacionamos con las intenciones específicas que, según recoge The  Wall Street Journal Americas, persigue Adriana Cisneros de Griffin (presidenta de la Fundación desde 2009):

"Todos en el MoMA sabían quién era Diego Rivera y Frida Kahlo, ese arte pesado mexicano", dice la joven de 33 años. "Pero mis padres siempre tuvieron una afinidad por los trabajos modernistas de América Latina. Se dieron cuenta de que había dos historias de arte latinoamericano, y que el mundo conocía sólo una".

¿Dos historias del arte? ¿Arte pesado de Frida Kahlo y Diego Rivera? Por lo que se puede ver estos días en el Reina Sofía, deduzco que se refiere a esa historia del arte propia del mundo occidental y que se define por emulación de los modelos estéticos consagrados desde el protagonismo cultural norteamericano... ¿Se puede emplear el arte para justificar determinados planteamientos políticos? No sería la primera vez: todo el mundo sabe lo importante que ha sido la contribución de Latinoamérica al desarrollo del arte y de las ideas modernos...  como todo el mundo sabe lo importante que ha sido la contribución de España al desarrollo del arte y de las ideas del pasado reciente. Y me pregunto si el Reina Sofía no se habrá excedido en celo en el respaldo de los imperativos neoliberales que, en este caso concreto, podría interpretarse como parte de una iniciativa no sólo limitada al territorio artístico...
También tiene gracia que la exposición coincida con la del MOMA: Inventing Abstraction, 1910–1925 y con la de Estocolmo... En ese contexto la apuesta del Reina Sofía abre cuestiones aún latentes...

Con la perspectiva que imponen los años, la aparición de las primeras obras abstractas —las recogidas por Inventing Abstraction— casi parece un hecho anecdótico, por la gran relevancia del desarrollo movilizado finalizada la Segunda Guerra Mundial y substanciada la hegemonía militar, política y económica de los USA. "El mundo libre", con el concurso de ciertas corrientes ideológicas de matriz difusa, contrapusieron el valor de la subjetividad a los valores estéticos derivados de la tradición académica occidental. Seguramente porque Hitler se manifestó particularmente beligerante frente al "arte degenerado", la situación implícita derivada de su hundimiento, dejaba el camino abierto para la aparición de una corriente nueva que podía maquillarse con relativa facilidad a voluntad de quienes comenzaran a imponer "libertad" a diestro y siniestro. Hasta Franco se vio arrastrado por las corrientes dominantes y se sumó a la revolución estética del "mundo libre".
Si Hitler y el nuevo enemigo (la URSS) habían apostado por un arte de arraigo académico y aceptación "popular" respaldado en valores más o menos objetivos, las autoridades de nuevo "imperio" prefirieron un arte "heterodoxo" e "individual", definido mediante circunstancias muy vinculadas con los valores esenciales del sistema capitalista:

• La subjetividad, sacrosanto principio asociado a la individualidad, justificada por las corrientes vanguardistas y, muy especialmente, por la tradición surrealista.
• La innovación o ese factor inducido por la asimilación del concepto de vanguardia, muy valorado desde un discurso cultural de evolución positiva, pero también especialmente adecuado para una estructura mercantil necesitada de innovaciones permanentes.
• Las propias tradiciones culturales norteamericanas (culturas precolombinas del Norte); desde la pura formalidad, ellas armonizaban mejor con las fórmulas de Kandinsky o de Mondrian que con el academicismo europeo. Por razones de reforzamiento nacionalista, esas corrientes enseguida recabaron un fortísimo apoyo de las instituciones públicas (administración política) y privadas (entidades culturales).
• La inclusión de valores espirituales derivados de la combinación de elementos de origen diverso: desde el misticismo —más o menos prosaico— de las diferentes corrientes cristianas hasta las formulaciones teosóficas de finales del XIX y principios del XX, pasando por ciertas ideas orientales (taoísmo) mejor o peor interpretadas. Wilhelm Worringer integró un componente de ese cariz en su "Abstraktion und Einfühlung" (1907), la obra que define caminos, en cierto modo, seguidos por buena parte de los artistas "abstractos" europeos que desarrollaron sus obras antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Estos valores tenían una cualidad especialmente relevante: ofrecer alternativa a los valores tradicionales y también, contrapartida al materialismo sobre el que se estaba construyendo el desarrollo científico de Occidente y del que se derivaban implicaciones muy incómodas para los sectores dominantes en el territorio de las actividades sociales. Creo que, acabada la Segunda Guerra Mundial, la idea fue puliéndose sin que cambiara lo más esencial: aún hoy se recomienda en los centros académicos la lectura de Worringer.

Las acotaciones didácticas o divulgativas.

Desde las indicaciones expresamente ofrecidas por la Fundación Cisneros y por la institución española, comprometidas ambas con la divulgación de las ideas estéticas actuales, me han desconcertado la mayor parte de los paneles repartidos por las salas de la exposición. Me ha desconcertado muy especialmente el panel de la sala de documentación que he interpretado como "concentración argumental" de la muestra y que ofrece las siguientes referencias:

"Estamos totalmente justificados en nuestra suposición de que tales formas constituyen y ordenan la existencia y que este orden tiene el movimiento y el suspiro de vida. Las formas plásticas están sujetas a el principio (sic) de la metamorfosis...• (Henri Focilon)

DIÁLOGO

Es un organismo vivo, esencialmente una obra activa. Una integración total y existencial, establecida entre la obra y nosotros" (Lygia Clark)

UNIVERSALISMO

"El conocimiento hacia el cual aspira la geometría es el conocimiento de lo eterno" (Platón)
"... tal arte, digo, ha de entrar en el ritmo, es decir, no solo en las leyes fijas y eternas de la plástica, sino en el sistema de proporciones, a fin de que, por la medida, llegue a la unidad, que es decir a la armonía" (Torres-García)

"La geometría es el arquetipo de la belleza del mundo" (Johannes Kepler)

GEOMETRÍA

"La pintura, como todo arte, ha de obedecer a una estructura. Pero ésta ya no podrá reducirse al superficial acondicionamiento de imágenes o signos, sino que ha de constituir el producto mismo de un proceso, el de la propia materia visible y conocida en la práctica como realidad" (Raúl Lozza)

"Las formas, geométricas o no, son apenas piezas del sistema y no el sistema propiamente dicho. Albers, Mondrian y Max Bill trabajaban la relación de las partes con el todo" (Geraldo de Barros)

ILUSIÓN

"La capacidad nata para entender visualmente está adormecida, y debe ser despertada" (Rudolf Arnheim)

VIBRACIÓN

"Sólo quiero conseguir aquellas combinaciones donde el color tenga mayor fuerza vibratoria, y donde la ambigüedad espacial que resulte de sus superposiciones sea evidente" (Jesús Soto)

"El cambio es la única constante" (Heráclito)

Diálogo, universalismo, geometría, ilusión, vibración... Las palabras suenan bien, pero la combinación de las ideas recogidas remite a sobreentendidos de inclinación metafísica, de esos que brotan en las conversaciones de los diletantes al arte contemporáneo para configurar lugares comunes difíciles de racionalizar pero que satisfacen a los integrados y desconciertan a los escépticos.
¿Las formas constituyen y ordenan la existencia? Desde lo que hoy sabemos —desde el estado actual de los conocimientos— las formas, tal y como las captamos mediante la vista, son cualidades asociadas al procedimiento de decodificación perceptiva. No obstante, me siento proclive a integrar entre mis creencias "ideas nuevas"...
¿El conocimiento hacia el cual aspira la geometría es el conocimiento de lo eterno? La pregunta sólo tiene sentido en ciertos contextos filosóficos; fuera de ellos, no es más que una expresión retórica, ¿que debe interpretarse en clave metafórica?
"El arte ha de entrar en el ritmo, en el sistema de proporciones, para llegar a la unidad, es decir, a la armonía"; la propuesta de Torres García suena a la idea de "expresión", según Matisse, a planteamientos estéticos académicos o, si el lector lo prefiere, neo-académicos. Me ha desconcertado que el Reina Sofía ofrezca una imagen tan conservadora cuando el planteamiento del actual director parecía caminar por las antípodas. Seguramente mis limitaciones alteran la percepción de los hechos...
No soy capaz de entender los comentarios de Raúl Lozza y Geraldo de Barros sin conocer el contexto; descontextualizados parecen "obviedades etéreas" del tipo ya descrito (comentarios que recaban el asentimiento pasivo de los aficionados). Todos los creadores componen estructuras; todos los creadores juegan con el proceso; todos los creadores se plantean la relación entre la representación y la realidad; todos los creadores trabajan la relación entre las partes y el todo... Extraña manera de afrontar el problema de la composición mediante referencias retóricas que en lugar de simplificarlo lo complican.
Me ha hecho especial gracia el uso, también descontextualizado, de una frase de R. Arnheim. Creo recordar que en cierto manual de "orientación metodológica" se incluía a Arnheim en una corriente neoplatónica, por lo que presuponían sus observaciones sobre el funcionamiento de la percepción visual. Ignoro en qué contexto dijo Rudolf Arnheim que "la capacidad nata para entender visualmente está adormecida, y debe ser despertada"; pero no me cabe ninguna duda de que en el contexto definido por quienes han instalado esta exposición la frase está tan fuera de lugar como las de Herácllito y Kepler. Que la captación perceptiva suponga ciertas cualidades, que permiten suponer la existencia de sistemas de organización "inteligentes", no presupone en absoluto que la realidad esté sujeta a patrones geométricos puros. Podríamos decir que el sistema perceptivo visual organiza lo que le llega empleando criterios inteligentes que, como los sistemas de cristalización, parecen sujetos a "modelos geométricos"; pero ello sólo debe entenderse como "forma de funcionamiento" no como parecen inducir ciertos comentarios de la exposición y, sobre todo, el "mapa conceptual" mencionado. Las formas no ordenan la existencia; como mucho, la percepción de la realidad, de lo que está "fuera" del sujeto perceptivo.

Para incrementar las posibilidades pedagógicas de la exposición, los "conceptos fuertes", sobre los que se construye el orden expositivo, encabezan aclaraciones breves dispuestas entre las salas, que merecen sucintos comentarios.

Diálogo

"Las obras de esta sala responden de diferentes maneras a la convicción de que el arte es una herramienta de comunicación interpersonal más que un objeto de contemplación estética. (...)"
La sentencia toma partido por una de las muchas posibilidades que ofrece la obra de arte al contemplador, toda vez que es difícil predeterminar con qué expectativas se acerca a la obra y éstas derivarán la experiencia en una dirección, en la contraria o en cualquier otra. Teniendo en cuenta las peculiares características de las obras asociadas al "diálogo", hubiera sido más preciso decir que responden a la voluntad de sus creadores por enfatizar la función comunicadora de la obra de arte, pero aplaudo la voluntad de quienes han organizado la exposición por ofrecer posibilidades divergentes al discurso estético.

Universalismo

"Si bien muchos artistas consideran la abstracción como una negación del pasado a favor de una fábula rosa, para los artistas de esta sala significa al contrario la oportunidad para crear un diálogo formal y simbólico con la historia, la tradición y la espiritualidad"
¿Diálogo formal y simbólico con la historia, la tradición y la espiritualidad? Para "entender" el comentario es preciso integrar los diversos metalenguajes sobre los que se ha construido la faceta explicativa del arte del siglo XX y, muy especialmente, los derivados de Kandinsky y de Mondrian. Aunque Leah Dickerman menosprecie a Hilma af Klint, quien desee entender asertos de este tipo deberá seguir la pista a Helena Blavatsky, aquella mujer que condicionó decisivamente el misticismo estético de la primera mitad del siglo XX en buena parte de Europa, cuando menos.

Geometría

"Una de las tradiciones más fuertes dentro de la abstracción geométrica se basa en la idea de que la geometría y la matemática son sistemas con un significado inherente. Esta idea deriva de la filosofía de Platón y Pitágoras, para quienes las formas geométricas señalaban una instancia de perfección ideal" (...)
¿Significado inherente? La "idea" mencionada deriva de la filosofía de Platón, pero fuera de ese ámbito filosófico se podrían decir otras muchas cosas; por ejemplo, que la matemática es la "ciencia de los modelos"; por ejemplo, que la geometría es una disciplina que trabaja con modelos de representación...  No obstante, también en estos asuntos estoy dispuesto a ampliar horizontes...

Ilusión

"Las obras de esta sección generan diferentes situaciones de ilusión visual e inestabilidad óptica. A diferencia de otros artistas abstractos para quienes la naturaleza plana de la superficie pictórica era fundamental, un grupo de artistas latinoamericanos experimentaron con la creación de formas dinámicas a través de una estricta geometría. En muchas obras vemos efectos de rotación o movimiento, o un diálogo activo entre figura y fondo, con un mínimo de elementos formales. La teoría de la Gestalt, una escuela de psicología visual que analiza las respuestas ante situaciones de ambigüedad formal, iba a tener una enorme influencia en muchos de estos artistas, sobre todo los brasileños"
Es, a mi juicio, el panel más sorprendente de la exposición. La frase más llamativa: ¿La teoría de la Gestalt es una escuela de psicología visual? La teoría de la Gestalt es, como presupone el término "teoría", un "modelo" que se emplea para explicar ciertos fenómenos perceptivos (no todos). Seguramente los estudios gestálticos tuvieron mucha influencia en ciertas corrientes filosóficas (con gran desarrollo en Argentina), pero ello no debe confundirse con las posibilidades que aún hoy tiene el modelo para explicar ciertos fenómenos de la percepción visual. Algún psicólogo "ingenuo" ha escrito que la Gestalt sigue siendo útil para describir "fenómenos sencillos"...
Una parte substancial de las obras recogidas en esta exposición suponen juegos perceptivos, por lo general, de escasa relevancia, pero muy frecuentes en los ambientes académicos posteriores al magisterio de Albers en la Bauhaus. Entre los más repetidos destacan las diferentes interpretaciones de la retícula de Hering y fenómenos afines, que se obtienen combinando estructuras geométricas sencillas (bandas, cuadrados, retículas, etc.) con elementos de gran contraste, y que tienen la virtud de ofrecer curiosos efectos de "fatiga óptica" materializados en la "aparición" de "líneas" o "puntos" que no existen en "la realidad".
Otro tanto se puede decir de ciertos fenómenos de inestabilidad visual que fueron lugar común en las corrientes del "Op art" y del cinetismo, estas últimas, particularmente difundidas entre nosotros aunque no tengan demasiada presencia en las salas visitables del propio MNCARS.

Vibración

"A finales de la década de 1950, varios artistas descubrieron que la repetición de elementos geométricos puede crear una vibración virtual en la cual las formas parecen disolverse o desmaterializarse. (...) la obra es un dispositivo para crear situaciones inestables y ambiguas, conversando con el entorno y con el movimiento real y virtual, respondiendo a su convicción de que el universo se encuentra siempre en estado de flujo"
También este "epígrafe" deriva hacia los fenómenos perceptivos de la filiación ya indicada...

Sintetizando.

Hace años me hicieron estudiar que la abstracción surgió con el objeto de prescindir de los elementos visuales (representativos), siempre condicionados por la vulnerabilidad de los sentidos, para concretar plásticamente los valores esenciales del universo. Y sin embargo, en esta exposición menudean los juegos perceptivos... ¡Brillante paradoja!
La exposición, aunque según mi criterio no tenga demasiada relevancia, es agradable de recorrer, acaso porque la distribución espacial y el carácter de las obras lo facilitan; desde tiempo inmemorial el hombre sabe que la ordenación geométrica potencia el agrado... Los estudios de la Gestalt lo certificaron desde el punto de vista funcional, pero mucho antes Owen Jones sintetizó a mediados del siglo XIX la importancia del orden, la simetría, la armonía: "Todos los ornamentos deben basarse en una construcción geométrica" (Proposición 8: "All ornament should be based upon a geometrical construction")
¿He hablado de ornamento? Parece obvio que las obras de la colección Phelps de Cisneros están en las antípodas de las de Diego Rivera y Frida Kahlo. Seguramente, al señor Cisneros no se le ocurriría contratar a ninguno de ellos para "decorar" el Rockefeller Center; sería más apropiado contar con los pinceles de Josep Maria Sert a quien jamás se le pasaría por la cabeza incluir en uno de los edificios más emblemáticos de Nueva York la imagen de Lenin... Las neoliberales sintonizan bien con las corrientes de escasa capacidad comunicativa, por razones obvias; y desde esa observación elemental aparece la abstracción geométrica como un recurso más útil que el trascendentalismo expresionista de Sert o de cualquier otro artista preocupado por conectar con "el público". Desde hace años, en los ambientes estéticos especializados, lo que conecta con el público se etiqueta como trivial, conservador o panfletario...
Durante estos días de agitación los medios de comunicación enfatizan hasta la saciedad los "peligros" del "populismo" mediante argumentos que recuerdan los juegos de manipulación empleados para descalificar las actitudes progresistas en tiempos pretéritos. Todo lo que no sintoniza con los intereses de los mercados es "populismo" y, por consiguiente despreciable; y para descalificarlo, nada mejor que colocarlo en la caja de lo nefando: los políticos populistas (Chávez, Correa, Beppe Grillo, etc.) son como Hitler... aunque las distancias entre ellos mismos y con el máximo dirigente del III Reich sean abismales.

Las salas del antiguo hospital han recuperado el aroma de los sulfatos.
—¡Pero si la exposición ocupa las salas de la zona Nouvel!
—Qué extraño...

LED Art

Lo propone Javier Rodríguez, a quien le recordaba cierto "vídeo" con ovejas y cencerros...

La Universidad en la calle

Manifiesto.

"Hoy sábado 9 de marzo, la comunidad académica madrileña (personal docente e investigador, personal de Administración y Servicios y alumnado) de las seis universidades públicas de Madrid, UNED y CSIC salimos a la calle y a otros lugares de acceso abierto con los siguientes objetivos: 

Mostrar abiertamente nuestra labor cotidiana para que la ciudadanía sea consciente de que no puede haber una sociedad democrática y avanzada sin una buena universidad, pública y accesible sin discriminación alguna.
Denunciar el estrangulamiento económico al que están sometiendo a las universidades públicas madrileñas las autoridades de la Comunidad de Madrid y del Estado central y que está poniendo en peligro su función social, investigadora y docente así como el futuro de la generación de profesores más preparada de la historia española, como se comprueba en el último informe de la comisión de “expertos”.
Denunciar el intento de poner la universidad pública primero al servicio de las grandes empresas y bancos, y después bajo su gobierno directo.
Denunciar la merma de autonomía universitaria y el progresivo retroceso de los modelos de gestión y gobierno participativos; creemos que, por el contrario, se deben incrementar los mecanismos de participación democrática interna de cara a la necesaria renovación y mejora de la universidad.
Exigir la eliminación de la brutal subida de tasas que ha sufrido el alumnado este año e implementar una política de becas públicas general y suficiente, pues solamente una universidad accesible a toda la población es una universidad democrática y realmente útil a la sociedad (no sobran personas tituladas sino que faltan puestos de trabajo cualificados).
Exigir condiciones dignas y estables para la plantilla de las universidades públicas y centros de investigación, tanto de personal de administración y servicios como de personal docente e investigador y de los trabajadores y trabajadoras de empresas contratadas, como reprografía, cafetería y limpieza.
Exigir becas y contratos de investigación suficientes y en condiciones dignas para las y los investigadores en formación, cuya precariedad aumenta con los recortes económicos en becas y ayudas.
Exigir el cese de los recortes en I+D+i y una financiación presupuestaria  suficiente para alcanzar el objetivo del 2% del PIB en 2015.    
Exigir la derogación del decreto 14/2012 que conculca el principio constitucional de autonomía universitaria y mostrar un rotundo rechazo a la nueva ley orgánica para la mejora de la calidad educativa (LOMCE), también conocida como Ley Wert, así como de las propuestas que con el pretexto de reformar y mejorar la calidad y la eficiencia del sistema universitario español contribuyen a su deterioro, puesto que no redundan en una mejora real.
Exigir una defensa coherente y digna de los organismos públicos de investigación y de las universidades públicas por parte de las autoridades académicas, evitando cruzar líneas rojas que impliquen la participación cómplice en su desmantelamiento.
Exigir la rectificación inmediata de las políticas actuales por parte de las autoridades competentes  de acuerdo con lo expuesto en los puntos anteriores.
 Esta iniciativa es solidaria con el resto de luchas y reivindicaciones que se están llevando a cabo en defensa de la educación, la sanidad y otros servicios públicos, así como con todas las personas que están sufriendo el actual proceso de desposesión colectiva."

Barceló y el medio ambiente

Mejor que hablen de uno, aunque sea mal. Así debe entenderlo Miquel Barceló , que el otro día se dejó sentir en Berlín colaborando con una campaña de protección ecológica promovida por GOB (Grup Balear  d'Ornitologia):

"El GOB presenta en Berlín, con motivo de la ITB - la feria más importante de turismo - una campaña internacional de denuncia contra la política de agresiones territoriales del Gobierno Bauzà que amenaza el futuro de Mallorca. Para ello cuenta con un apoyo de excepción: el artista Miquel Barceló. La campaña pretende conseguir el apoyo de los turistas y amantes de Mallorca para reivindicar las bases para un nuevo modelo turístico y territorial que garantice el futuro de Mallorca y que debe pasar necesariamente por la conservación.
Con el montaje de Miquel Barceló, Mallorca Blackout, el GOB pretende hacer llegar las amenazas que se derivan de las políticas impulsadas por el Gobierno Bauzà con la excusa perversa de la crisis actual, la necesidad de generar puestos de trabajo y de impulsar nuevas infraestructuras para atraer "turismo de calidad". Estas políticas nefastas implican una desprotección sistemática del territorio con nuevas iniciativas legislativas que desregulan los usos del suelo, se impulsan proyectos singulares de gran tamaño en espacios sensibles medioambientalmente y se recortan las protecciones a los espacios naturales abriendo a nuevas actividades económicas incompatibles con la su conservación."

Mallorca Blackout from gobmallorca on Vimeo.

Las autoridades políticas, que también en Mallorca se perciben como un grave problema social, han reaccionado con gran virulencia...

Estas iniciativas me ponen en guardia porque muy frecuentemente activan resortes de gran potencial en el ámbito de lo políticamente correcto y, casi siempre, encierran apuestas promocionales bien calculadas. Consecuentemente, he silenciado algunas iniciativas estéticas recientes que, ante todo, me parecían concebidas para hacer curriculum. En este caso, contando con esa posibilidad y enfatizándola, integro la noticia porque, a mi juicio, existen otras soluciones para promover actividades económicas y no sólo las destinadas al turismo de lujo... 

Ofertas y descuentos

Por Martín Peño

Recientemente comentaba algún compañero que mandará obra a un concurso, consistiendo el premio para las obras premiadas y seleccionadas, su exposición. Así sin más.
Continuando la conversación le pregunté cuál iba a ser el paradero de las mismas, respondiéndome que irían a parar a los fondos de las entidades organizadoras y su visibilidad sería destinada a organizar muestras relacionadas con proyectos sociales de las propias entidades. Según lo que comentaba, las probabilidades de selección eran escasas puesto que el certamen era nacional, y en ese momento tan sólo en el apartado de pintura ya había alrededor de novecientas inscripciones. En el momento de la conversación no era del todo entendible porqué liarse con tal historia puesto que suponía dejar de lado los trabajos del curso para conseguir presentarse. Además, a tenor de lo explicado, no estaba muy claro cuál era el beneficio o interés de todo ello... La pregunta repetida varias veces fue a su vez contestada de la misma manera: “¡Hacer currículum, hacer currículum! ¡¿Te parece poco?!”

Ahondando un poco más en el asunto e intentando hacer una composición del tema, la situación se antojaba de la siguiente manera: entidades forman y engrosan patrimonio con mano de obra gratuita agradecida, que ceden su trabajo y derechos como creadores. Estos bienes y propiedades serán empleados a dar una buena imagen de cara al público promocionándose con el apoyo de las instituciones.
Aunque esto pareciese algo extraño o poco habitual, nos recordó también aquellos certámenes en los que hay que pagar para entrar a concurso de tal manera que si "pillabas" algo, era parte del dinero que se había puesto de tu inscripción y la de otros. En los casos en los que se presentan proyectos, ser premiado obliga a la materialización de la obra cubriendo los costes a partir del premio obtenido (si es en metálico) y por supuesto su cesión.
Esta conversación y lo que muestran estos ejemplos, no es tanto la evidencia de un sector precarizado; sino cómo se consigue que alguien que ha dedicado años de educación, esfuerzo, trabajo, pasta de su bolsillo, asuma y acepte estar sometido a la precariedad, abocado a tener el mínimo de oportunidades y a estar bajo un funcionamiento en el que parece poco pueda influir.
Sobre estos temas precisamente en este curso se llevaron a cabo las Jornadas Insultarte, que trataron sobre la precarización del mundo artístico. De la misma manera la plataforma X.net trata de estas cuestiones, rescato su carta de presentación: X.net es una plataforma para liberar la ciudadanía de los abusos de la SGAE y demás industrias culturales. Defendemos la neutralidad de la Red para una democracia, informacióny cultura libres. Organizamos los oXcars, el mayor show de cultura libre de todos los tiempos y el FCForum, Foro Internacional de Cultura Libre. Libertades y derechos en Red!


http://insultarte.blogspot.com.es/
http://whois--x.net/

La East Side Gallery de Berlín amenazada

Hace unos días, cientos de manifestantes detuvieron los trabajos de demolición de un tramo del muro del Berlín, en la zona de la East Side Gallery, para desarrollar un proyecto urbanístico "de lujo".

La East Side Gallery está definida por un paño del antiguo muro de Berlín de más de 1000 metros, que separaba la zona oriental de la occidental y que, tras el derribo, fue conservado como testimonio histórico, soporte estético y atracción turística: Sobre él dejaron "obra" de conservación problemática más de 100 artistas de relevancia irregular.

Dmitri Vrubel, Gott hilf mir, diese tödliche Liebe zu überleben

Hilma af Klint

Arturo me ha enviado la referencia a un artículo aparecido en El País de Álex Vicente con título sugerente: "La mujer que inventó la abstracción":

"En la discusión bizantina sobre quién fue el primero en llegar a la abstracción, muchos sostienen que el mérito fue de Mondrian. Otros apoyan a Malevich, a Kupka o, siendo un poco generosos, a Delaunay. Pero una gran mayoría jura que el que dio el paso adelante decisivo fue Kandinsky. El propio pintor se autoproclamaba sin rubor como el primer autor de un cuadro no figurativo, que habría firmado allá por 1911. “Sí, fue el primero de todos. Por aquel entonces, ni un solo pintor utilizaba el estilo abstracto. En otras palabras, se trató de un lienzo histórico”, afirmó en su correspondencia acerca de un cuadro que nunca pudo mostrar en público, puesto que lo había extraviado durante su exilio.
Lo que Kandinsky no sabía era que una desconocida pintora sueca se le había avanzado, rompiendo con el lenguaje figurativo por lo menos cinco años antes que él. Respondía al nombre de Hilma af Klint, portentosa paisajista en el Estocolmo de entresiglos, que consiguió formarse en la pintura gracias a la ley escandinava que permitía que las mujeres accedieran a la educación artística. Hija de un almirante, se ganaba la vida vendiendo anodinos panoramas naturalistas y dibujando estudios anatómicos para un instituto veterinario. Pero eso no era todo lo que Hilma sabía hacer. En la penumbra de su pequeño estudio, experimentaba con otro tipo de pinturas, inspiradas por fuerzas ocultas que se manifestaban a través de su trazo. Aficionada al espiritismo y a la teosofía desde su juventud, dibujó círculos concéntricos, óvalos descomunales y espirales infinitas, que pretendían simbolizar la totalidad del cosmos, a menudo bajo los efectos de la hipnosis. Antes de que 1915 llegara a su fin y el fin de la figuración sonara en boca de las élites intelectuales, Hilma ya había pintado más de 200 composiciones abstractas."

El artículo da noticia de una exposición retrospectiva que le están dedicando en el Moderna Museet de Estocolmo, y en la que se puede ver una parte substancial de su producción, que la propia autora condenó al ostracismo porque en su testamento solicitó que sus obras no se mostraran hasta pasados veinte años de su muerte, porque según la comisaria de la exposición, “tenía la convicción de que el mundo no estaba preparado para su obra.”
El artículo de Álex Vicente enfatiza que la obra de Hilma "invalida los estereotipos sobre las mujeres artistas. Se decía que eran capaces de copiar pero no de abrir nuevos caminos." En los ambientes académicos españoles de principios del siglo XX aún se llegaba más lejos y ciertos "genios" decían que las mujeres sólo estaban capacitadas para pintar flores y paisajes, por supuesto, en pequeño formato...
Memeces aparte, creo que lo más relevante de Hilma af Klint lo destacó Adrian Searle en los medios cuando en 2006 enfatizó la relaciones que había tenido la pintora con las mismas fuentes sobre de las que bebieron algunos de sus "colegas" más homologables:  los planeamientos teosóficos, reactualizados hacia 1875 por personalidades como Helena Blavatsky (1831-1891), de donde surgirían las corrientes que condujeron a ciertas inquietudes "estético-místicas" de principios del XX,  Rudolf Steiner (1861-1925) y, a las líneas posteriores y actuales. Pero frente a lo que hicieron aquellos, Hilma jamás se relacionó con los ambientes vanguardistas de Francia, Alemania o Suecia ni con nada que estuviera al margen de los objetivos puramente teosóficos del grupo del que formaba parte.

Desde este punto de vista, su obra aparece como "algo trascendental", relativamente ajeno al mundo estrictamente estético. El Gran Sanedrín estético lo manifestó recientemente:

"Pese a la agitación generada por el descubrimiento, parte del establishment del arte contemporáneo sigue mostrándose reacio a elevar a esta pintora a la primera división. Hace pocos meses, el MoMa se habría negado a incluirla en su programación ante las reticencias de algunos de sus administradores."

De hecho, ahora mismo y hasta el 15 de abril de 2013 se puede contemplar en el MOMA una exposición de título clarificador: "Inventing Abstraction, 1910–1925", comisariada por Leah Dickerman, quien justificó la no inclusión de Hila at Klint de modo poco afortunado: "I find what she did absolutely fascinating, but am not even sure she saw her paintings as art works." ¿Que una obra no fuera concebida con pretensiones estéticas en el proceso creador la descalifica como obra de arte? ¿Fueron concebidas como "obras de arte" las pinturas románicas? Por no hablar de Velázquez, que se dedicó a servir a su señor... Leah Dickerman se ha cargado la historia del arte, al menos, hasta finales del siglo XIX, ¿por defender los intereses del MOMA? que, según parece, no tiene muchas obras de la mística sueca.

Hilma af Klint se equivocó al autoimponerse marginalidad durante 20 años, pero el sacrilegio del museo sueco tiene una virtud contradictoria: nos ayuda a conocer procesos que están más cerca de nosotros de lo que estaríamos dispuestos a reconocer públicamente y, desde luego, más próximos a nuestras inquietudes que ciertos planteamientos estéticos construidos sobre discursos grandilocuentes pero banales.

El CA2M, ¿un museo de paso?

Hacía tiempo que no paseábamos por las salas del CA2M, de Móstoles. Alguien me había comentado que merecía la pena echar un vistazo a la obra de Halil Altindere. Me aseguraron que me divertiría "como nunca"... Naturalmente, no me hacía muchas ilusiones, porque cuando  un amigo recomienda algo, existen muchas posibilidades de que esté vencido por el optimismo derivado de una noche loca. Sin embargo, la visita empezó bien, porque, como en las buenas películas, nos recibieron con una sorpresa: no nos facilitaron "entrada"...  ¿Será para no tener que justificar datos incómodos...? Tonterías  —me dije—, seguro que cuentan los visitantes con otro sistema...
La exposición ha sido comisariada por el director del Centre, Ferrán Barenblit:

"A través de sus vídeos, fotografías, pinturas y esculturas, Halil Altındere analiza la realidad de su país, Turquía, al subrayar las tensiones que generan los binomios de tradición / modernidad, nación / identidad y sociedad / gobierno. Al mismo tiempo, presta atención a las nociones de comunidad y control indagando en la naturaleza del poder. Para ello, no se vale de referencias directas, sino más bien de elementos aparentemente anecdóticos que cobran toda su dimensión gracias a la complicidad del espectador. Hace ya años que el trabajo de Halil Altındere fue definido por René Block, uno de los mayores conocedores de la escena turca contemporánea, mediante cuatro atributos: compromiso político, estética radical, atrevido y renovador..."

Retrato de René Block (detalle)

Retrato de Vasif Kortun (detalle)

El montaje ofrece dos pinturas hiperrealistas (estilo CMOS 22 MP) de Azamat Kuliev: Vasif (2011) y René (2011). Según las cartelas,

"Vasif Kortun es director de investigación y programas de la institución SALT, en Estambul y uno de los mayores conocedores de la escena artística contemporánea. Fue comisario de los pabellones de Turquía en la Bienal de Sao Paulo de 994 y 1998 y en la Bienal de Venecia de 2007, además de realizar el comisariado del pabellón de los Emiratos Árabes Unidos en la Bienal de Venecia de 2011.  

René Block es comisario y crítico de arte y uno de los responsables de la proyección internacional del arte turco a partir de la década de 1990. Fue comisario de la exposición Halil Altindere en Berlín."

Me acordé de la costumbre que tienen los turcos de colocar el retrato de Mustafa Kemal Atatürk en cualquier sitio importante y comprendí con claridad el sentido político radical atrevido y renovador...  La exposición no se entendería sin los retratos de estos dos personajes, a quienes seguramente se alude con la finalidad de desenmascararlos... Es más, sugiero que en todas las exposiciones individuales que se realicen de ahora en adelante en los centros de arte que emulen al MNCARS o al MOMA, se incluyan los retratos —realizados al óleo sobre lienzo— de los comisarios que lanzaron al estrellato al artista de turno. De ese modo, nos familiarizaríamos con las personas que, en gran medida, han "construido" el arte reciente... ¿He dicho construido? ¡Qué perversidad! Naturalmente, en España habría que encargar los retratos a Antonio López...  Y me solazo imaginando a ciertos personajes posando para el pintor manchego. Seguro que algunos emularían a Manuel Marín y preferirían la cámara de Cristina García Rodero...

¿La obra de Halil Altindere? Lo de siempre pero con "temática" turca. Alguna obra interesante, alguna simpleza. Expresión de la trivialidad retórica habitual. Recordé el soufflé de la "alianza de civilizaciones"... Y de nuevo me asalta una duda estúpida: ¿en un país islámico se puede hacer arte para consumo o reconocimiento occidental? ¿Para acreditar "occidentalización" y "modernidad"? Deduzco que en aquel país peculiar por tantas cosas, frontera entre Europa y Asia, el arte juega un papel político demasiado importante para dejarlo en las exclusivas manos de los artistas... En ello sí que se manifiestan lazos poderosos y sorprendentes con lo de aquí: también en el siglo XXI el Mediterráneo parece un patio de vecindad.
(Curiosidad: no es posible acceder a la página web de la Pilot Galeri, situada en el extremo norte de una de las calles más emblemáticas de Estambul (Istiklal), que ha prestado algunas obras de la exposición...)

Por el mismo precio se puede ver otra muestra: Pop Politics: "Activismos a 33 Revoluciones", comisariada por Iván Munuera:

"Pop Politics: Activismos a 33 Revoluciones es una exposición que plantea una reivindicación de las formas políticas específicas producidas en la música Pop a través de las prácticas artísticas contemporáneas. Una manera de abordar la producción cultural actual desde un posicionamiento ideológico determinado por las prácticas de empoderamiento personal, los espacios compartidos, la visión emancipada del espectador, los medios de comunicación y la apropiación y reconexión de informaciones diversas. Una exposición sobre prácticas artísticas contemporáneas en continuo movimiento"

¿Prácticas de empoderamiento personal? Me gusta la idea. También me ha hecho gracia el objetivo de "abarcar propuestas que van más allá de las artes visuales para incluir el cine, la música, la literatura, el diseño o las artes escénicas". Estoy seguro de que quienes están moviendo las reacciones críticas a la situación política actual acudirán en tropel al CA2M a buscar luz para sus tribulaciones...

Para contextualizar estas propuestas es relevante leer qué misión tienen el Centro de Arte Dos de Mayo, según recoge la propia web:

"El CA2M Centro de Arte Dos de Mayo tiene como principal objetivo poner en marcha trabajo en arte contemporáneo y ponerlo a disposición de su público. A través de sus exposiciones, colección, actividades, propuestas educativas, investigación, web y publicaciones, CA2M hace efectivo su compromiso con la creación contemporánea y el pensamiento crítico.

El CA2M trabaja siguiendo unas líneas que atraviesan el conjunto de su programación y que le ayudan a abarcar propuestas que van más allá de las artes visuales para incluir el cine, la música, la literatura, el diseño o las artes escénicas.

Su situación en Móstoles le permite cuestionarse la compleja definición de las metrópolis y su papel en la cultura contemporánea, al articular su vinculación con su entorno más inmediato en el sur de la Comunidad de Madrid con su vocación de traspasar estas fronteras".

Me ha sorprendido gratamente la claridad expositiva del texto —no es lo más frecuente en los centros de este tipo—, pero de nuevo he sonreído con lo del "compromiso con el pensamiento crítico" y con lo de "abarcar propuestas que van más allá de las artes visuales para incluir el cine, la música, la literatura, el diseño o las artes escénicas".

—No te rías, estúpido. El cine tiene un importante componente visual, pero... ¡El cine siempre ha sido otra cosa!
—¿Y el diseño...? ¿Por qué no la arquitectura?
—¡La utilidad!
—Perdón... había olvidado que el arte debe inducir placer desinteresado...
—Simplemente, se trata de ampliar progresivamente los objetivos de un centro de finalidad estética.  No busques tres pies al gato.
—Vale, vale. Sé benévolo con mi ignorancia...

¿Pop Politics? Sólo puedo destacar alguna "genialidad", como la de los mecanismos para cajas de música...

Desde el reconocimiento de la labor de proyección que están haciendo en el CA2M con los jóvenes creadores, he salido con la impresión de que, sobre todo, es un buen centro curricular... Estoy seguro de que su actual director acabará siéndolo del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, aunque acaso le falte asumir el rigor impuesto por la seriedad del arte, ese rígor mortis que caracteriza la acción estética institucional de mayor relumbrón.

Recorrimos el centro sin cruzarnos con otras personas que sus empleados...  Y de nuevo reverdeció aquel juicio de Lyotard sobre la endogamia de las ciencias sociales. ¿Será cierto que estos centros sólo tienen utilidad curricular?

Un besugo que apesta

Mientras los medios hablan de "canfiflear" para valorar las "explicaciones" kafkianas de los políticos liberales y ultraliberales; mientras los acontecimientos de estos días, por vía del esperpento, sobrepasan la mente creadora de los hermanos Marx, del señor Berlanga o incluso, de don Luis Buñuel, El País ha conseguido documentar las aficiones estéticas del señor Bárcenas. Efectivamente, el Museo del Prado adquirió del BBVA —mediante "dación" aceptada en 20 de junio de 2006— la "Colección Naseiro", que comprendía cuarenta bodegones españoles de los siglos XVII, XVIII y XIX. Al parecer —refuerce el lector la duda— cuatro de aquellas obras son mencionadas en un " documento"  de 1984 propio de alguien con letra poco hábil —por decirlo de modo suave—, que da fe, mediante la exclusiva firma del señor Bárcenas, de la venta a Rosendo Naseiro —coleccionista muy notorio y,asimismo, involucrado en la financiación ilegal del PP— de cuatro cuadros por 255.000 pesetas. La descripción informa indirectamente de los conocimientos estéticos de quien redactó la nota o de quien la dictó y, por supuesto, de quien la firmó:

• "El primer cuadro es un besugo colgado, medidas 51 x 38 (80.000 pesetas).
• El segundo cuadro es un bodegón de dulces, con turrón, rosquillas y botella, medidas 38 x 52 (50.000 pesetas).
• Por último pareja de cuadros que son un florero de cristal con jazmines y rosas y el otro cuadro es otro florero de cristal con rosas y flor de almendro. Esta pareja mide 42 x 30 cada uno (125.000 pesetas)."

Sin más detalles; sin clasificación cronológica o cultural y sin atribución. Francamente, no parece el escrito de quien intentaba hacer un buen negocio... No creo que en la España de 1984 existiera un chamarilero que redactara documentos tan poco "comerciales" y que vendiera pintura sin hacer valer la firma, muy clara en las de asunto floral... Cuando menos, estrambótico.

De Bárcenas a Naseiro; de Naseiro al BBVA y desde éste al Museo del Prado. ¡Vaya itinerario! Con este punto de vista, ciertos "fines del Museo del Prado" recogidos por el marco legal, adquieren un perfil inquietante:

• Garantizar la protección y conservación, así como promover el enriquecimiento y mejora de los bienes del Patrimonio Histórico Español adscritos al mismo.

• (...)

• Prestar los servicios de asesoramiento, estudio, información o dictamen de carácter científico o técnico que le sean requeridos por los órganos competentes de la Administración General del Estado o que se deriven de los convenios o contratos otorgados con entidades públicas o privadas, con personas físicas, en las condiciones y con los requisitos que reglamentariamente se determinen.

Nadie interprete este comentario como reproche a una gestión museística poco cuidadosa en "lo legal"o como insidia sobre ciertas operaciones recientes, incluso aunque "la canallesca extranjera" enfatice que ciertos coleccionistas españoles compran en Suiza sin demasiados escrúpulos... No se me ocurre qué medios pudieran haber empleado los conservadores del Museo del Prado para averiguar que en las operaciones de compra-venta de la colección Naseiro, avaladas por uno de nuestros grandes e impolutos bancos,  se empleara dinero de procedencia "dudosa", pero si deseo insistir en que ellos mismos no debieran perder de vista que, en todo caso, están al servicio de todos los contribuyentes y no sólo de quienes veneran la ambición y la codicia, aunque promocionen exposiciones o financien actividades educativas.

A pesar de las flores, el besugo apesta.

Nulla aesthetica sine ethica